論音樂在音樂劇的作用

A. 對於音樂劇來說，音樂和劇情哪個更重要

從「音樂」角度，歌好聽固然重要，畢竟一部戲演完之後是有可能發專輯的，怎麼也得有一兩首「經典唱段」能讓作曲人和演員拿的出手吧…但同樣重要卻往往被人忽視的是每個唱段在全劇中的位置、與對故事情節推動是否有著巧妙的作用。這往往是內行人或從業者所更重視的。

B. 音樂在歌劇，音樂劇，舞劇中的作用(1000字論述)

誰會出這樣的題？

C. 音樂劇舞劇歌劇中音樂的作用

音樂在歌劇中起到刻畫人物性格，塑造人物形象的作用

D. 關於音樂劇的論文拜託了各位 謝謝

音樂劇的音樂形式是歌劇化的，它是古典歌劇藝術的現代傳承。是現代音樂戲劇的主流。音樂劇與歌劇在形式上是相同的，它們之間沒有明顯的斷代。 與其說音樂劇是一個新的藝術形式，倒不如說音樂劇是傳承了歌劇藝術而形成的現代歌舞劇。雖然它具有藝術手法的綜合性，但就藝術形式來說它依然獨具歌劇的傳統。仔細分析；如果話劇不用道白，舞劇不用舞蹈，那麼我們肯定不會稱之為話劇和舞劇了，因為道白和舞蹈是它們各自唯一重要的特徵。可是，音樂劇要是沒有了道白和舞蹈，它依然是音樂劇，因為他屬於歌劇的類型，它傳承的是歌劇的特徵，它不能沒有音樂，不能沒有歌唱。它只是屬於戲劇的一個范疇。從歌劇，輕歌劇，喜歌劇，音樂劇到充滿歌劇色彩的音樂劇。它有非常純正的血統，從羅西尼、威爾第、普契尼、喬治·格什溫、理查德·羅傑斯、伯恩斯坦、韋伯、克勞德-米歇爾·勛伯格。這些偉大的人物之間要麼是同屬歐洲體系，要麼象喬治·格什溫和伯恩斯坦有師徒情份，或者，象普契尼和韋伯不同時代卻共同擁有迷人的旋律，這也經常讓我錯誤的以為《當晴朗的一天》和《回憶》是出自同一位作者之手。正如韋伯所說：他在創作的時候沒有覺得音樂劇和歌劇有什麼不同；「可能因為我是出生在20世紀，如果出生在18世紀，我可能就寫歌劇了」。音樂劇在牛津簡明音樂詞典中的註解是這樣：MUSICAL 歌舞劇，一種近似輕歌劇[OPERETTA]的戲劇體裁，但通常指美國的從紐約百老匯發展起來的音樂表演。比起音樂喜劇[MUSICALCOMEDY]顯得更為復雜精緻而更接近歌劇。假如我們用德國偉大的歌劇大師瓦格納對歌劇的論斷來看音樂劇；即「歌劇是用音樂展開的戲劇」。那麼，我們也可以這么說「音樂劇是用音樂展開的戲劇」。他們之間的差異只是音樂風格的不同而已。 我們不能不承認這樣一個現實，近一百年來，歌劇越來越被當作「陽春白雪」高擱於藝術殿壇之上，有代表性的創作作品鳳毛麟角，真正能欣賞歌劇的觀眾也是非常少的，因為這類觀眾必須是建立在有一定的歌劇常識和音樂涵養的基礎上，它需要觀眾具備一定的審美條件，因此，它的觀眾在很大一部份是我們所謂的「圈內人」。但同時，在從後工業化時代轉變為資訊時代，電影、電視、網路對大眾產生了深刻的影響力，它在很大程度上改變了大眾的審美需求，人們對娛樂的取向已經變得更加廣泛，單就一種藝術形式也需要能得到更多的信息，因此，音樂劇以其時尚、大眾、流行等現代特性，逐漸占據了歌劇的市場份額成為現代音樂戲劇的主流。

E. 音樂在音樂劇中的地位

音樂是音樂劇的靈魂
」音樂劇「是「音樂」和「戲劇」的組合，好的故事和好的音樂都是音樂劇成功的必備要素，缺一不可。

F. 要寫個論文，談音樂在電影中的作用，誰能給我推薦幾部電影分析下

上大學時選修外國音樂的論文，當時是93分。

優雅的舞者
——新世紀音樂大師喬治溫斯頓、神思者和他們的音樂小品

我第一次接觸新世紀音樂是在高一的寒假。考完試，去圖書大廈淘碟，無意之間看到了一張不很起眼的專輯。黑色封底，封面正中是一張淡藍色的風景：嚴冬，白雪皚皚，幾棵蕭索的樹徑直地站在白雪之中，背後是望不見邊緣的森林，靜謐而安詳。我不曾聽說過封面上寫到的「新世紀音樂」，更不曾聽說過「喬治溫斯頓（George Winston）」這個名字。然而我看著封面，看著簡單的構圖中透出的幾分獨特的美，喜歡上了它。回到家，帶上耳機，按下播放鍵，清冽的鋼琴緩和而優雅地流入我的心頭，世界此刻也為之靜止。這張專輯出版於1982年，專輯的名字叫《十二月（December）》。
來浙大之前的暑假，收拾行李。我的指尖滑過一整架的CD，最終帶上了這張專輯，一張無論何時何地都會讓我感到十二月中那種獨特的凜冽與澄澈的專輯，它可以輕撫躁動的內心，舒展緊張的身體，讓我完全沉浸在這個超然的世界中。甚至此時此刻，敲擊著鍵盤，我還在聽，聽這張喬治溫斯頓的傑作，《十二月》。
那個與《十二月》邂逅的寒假，我在網上搜索這位大師的生平。美國蒙大拿州的爵士鋼琴手，創作了十幾張新世紀音樂專輯，抒發自己對故鄉的眷戀之情。鋼琴演奏之餘，他研習了經典的夏威夷散弦吉他（Hawaiian Slack Key Guitar）,復興了這種幾乎被人們忘卻的傳統樂器。他還曾為4部兒童音樂劇配樂，包括著名的花生（Snoopy），一個有才華又不失童趣的藝術家。
隨後的很長一段時間中，我一有時間就跑到各個唱片行，想找到喬治溫斯頓的其它作品。情形往往是這樣：我興致沖沖地跑進唱片店，垂頭喪氣的出來。老闆們會搖搖頭，說道：「喬治溫斯頓？就是那個彈鋼琴的，很早以前有，現在很少有賣的了。」跑了不下十個唱片店，一個店員說：「我記得好像有一張，是那個彈鋼琴的嘛！」然後她進裡屋翻箱倒櫃了約莫幾十年，最後拿出了一張已經落了很多灰的專輯。我小心翼翼地擦去灰塵，激動得眼眶近乎模糊：喬治溫斯頓精選集《四季（All the Seasons of George Winston）》。我估計我的確是飢不擇食了，因為我從不買精選集。縮略版的音樂在我看來是對藝術家和聽眾的欺瞞。我本能地抵制速食主義音樂，精選集在某種意義上正是這種滿足普羅大眾的快餐食品。然而我還是滿心歡喜的將它帶回了家，聆聽，直到困得忘了關掉CD機。
買這張專輯後沒多久我遇到了神思者。那是一張封面紅得有些俗氣的專輯《故宮序曲（Palace Sketch）》。封面的噱頭很是嚇人，「繼喜多郎後唯一享譽全球的日本New Age團體」。出於當時對新世紀音樂瘋狂的喜愛，幾乎沒有什麼猶豫就將它買了下來。客觀地說，比起神思者的其它許多令人陶醉不已的電影電視配樂，這張專輯並不算較為出色。但是不久我又在同一家店中淘到了故宮系列的另外兩張專輯《故宮序曲（Paean to Palace Memories）》和《再見故宮（Palace Seeds）》，我這時才後悔當初對神思者先入為主的看法。神思者的音樂——或者更確切地說，為故宮紀錄片所做的音樂——體現了一個對中國文化崇拜者的自己用音樂所做的文化詮釋。在其中不僅有宏大的交響樂背景，更加難能可貴的是一些中國特色的樂器（如電子合成的編鍾，二胡）所演繹的主旋律，聽來源遠流長，回味無窮。
神思者是一個由兩個擅長電子音樂的藝術家所組成的團體。成立之初名叫Sensitivity Project（感性企劃室），86年為NHK電視台的紀錄片《海上絲路》配樂後改名為S.E.N.S.，取sense 和cense的諧音，四個字母分別代表sound nature earth spirit。神思者主要以電影和電視劇的配樂為主業，出版了很多精彩絕倫的原聲碟。我收藏了一張電影《悲情城市》的原聲碟。這部由侯孝賢導演的中國台灣電影，獲1989年威尼斯電影節金獅獎，而由神思者所做的深沉而婉轉的配樂在其中功不可沒。
喬治溫斯頓和神思者彷彿在我心中開啟了一扇新的門，一扇通往一個全新的音樂世界的門。我不再流連於唱片店排在最顯眼的位置上的流行音樂專輯，而是如飢似渴地尋找新世紀音樂專輯，因為比起新世紀音樂，流行在某種意義上顯得那麼膚淺。新世紀音樂——無論是從最早的曼陀凡尼（Mantovani Orchestra）改編古典大師如肖邦，李斯特的作品使之成為雅俗共賞的輕音樂，還是喜多郎范吉利斯為電影和電視紀錄片的精妙絕倫的配樂——囊括了音樂的各個角落。這群對未來充滿希冀的藝術家們將古典與現代相結合，展現出一種空前絕後的藝術流派。以前在看相關資料的時候找到了一位青島大學音樂學院教授對這類音樂所下的定義：「所謂新世紀音樂就是以現代化的音樂器材、音樂手段來演繹古典音樂、民族音樂、地方音樂。」（「語言的盡頭是音樂出現的地方—— 新世紀音樂」 作者：青島大學音樂學院音樂系 姜良君）雖然我遠不及這位教授的藝術造詣高，但我個人並不是很同意這種說法。誠然，諸如神秘園（Secret Garden），姬神（Himekami）等眾多音樂家在探索本國民族音樂方面做出了不朽的貢獻，曼陀凡尼，馬友友（這兩者的新世紀音樂家地位還有所爭議）在發掘古典音樂方面獨樹一格，然而新世紀音樂絕對不盡僅是民族、地方和古典。在我看來，新世紀音樂的獨特魅力正在於它沒有確切的界限，各種想要表達內心深處冥想的旋律都可以算作是新世紀音樂。從德國電子曲風濃厚的橘園之夢（Tangerine Dream）到中國的充滿佛教內涵的鄧偉標，從西班牙熱情奔放的吉普賽國王（Gypsy King）到美國冷靜優柔的蘇珊西亞尼（Suzanne Ciani），還有久石讓那些日本民族風格的動漫配樂，旅韓華裔鋼琴家Daydream跨越國界略帶憂傷的鋼琴旋律，所有的所有，都指向一種全新的音樂理念。這種理念或許用喜多郎自己形容自己的音樂時所用的詞非常恰當，那就是spiritual，靈魂的。美國女作家奧爾科德說：「眼因流多淚水而愈益清明，心因飽經憂患而愈益溫厚。」我想，新世紀音樂這種spiritual的特點或許同樣的會令聽者心中「清明而溫厚」，而這恐怕也是為什麼新世紀音樂會如此與眾不同吧！
喬治溫斯頓的十張鋼琴小品集都由廣州星外星公司在國內正版發行。我陸陸續續買齊了所有的專輯，每一張都仔細而認真地聽，聽到熟到每一個音符，修飾音都能背得出來。喬治溫斯頓不僅僅用他嫻熟的技巧打動了我，更多的是他在音樂中注入的真情實感，聽起來沒有一點造作的感覺，完全是發自內心對自己故鄉蒙大拿州的贊美。我也聽過幾乎所有的班德瑞的作品，然而不知是因為國內銷售商們不遺餘力地推廣使之最終俗到爛掉，還是這幫瑞士音樂家們本身就是將自己的音樂理想建立在虛幻的現實上，反正那些音樂都有類似什麼「微風山谷」「夢花園」之類虛無縹緲的名字，但是聽過以後絕對不會產生真實的意境，僅僅是虛幻的好聽的音符而絕非旋律。喬治溫斯頓有一張專輯《辭冬（Winter into Spring）》，當音符連續而密集地響起時，我竟不由自主地想到了春天的雨，以及春天萬物生機勃發的場景。翻開專輯插頁，驚訝地發現這首曲子就叫做《雨（Rain）》。而這種感覺，是聽班德瑞無病呻吟的曲子所絕對無法享受到的。
相比之下神思者的音樂在國內發行的較少，除去故宮三部曲之外，還有一張精選集《透明的音樂》和一張電視連續劇配樂《二千年之戀》，僅此而已。很不好意思地承認，我的《悲情城市》也是盜版的。我在網上下載了神思者的其它所有的專輯，一次又一次地被他們所震撼，所折服。有很多曲子，簡單到只有八個小節的主旋律，然而鋼琴與弦樂的交織融合卻產生了不可思議的和諧與充盈。比如神思者2000年出版的音樂專輯《Asian Blue》中有一首曲子《Sican-Prayer》，鋼琴旋律重復兩遍，變調，接著同樣的旋律融入弦樂，重復，再變調。結構簡單得誇張，然而那種靜默的柔情卻令人回味無窮。
我有時候喜歡作這樣的比喻：喬治溫斯頓的作品好比輕快清新的現代詩，聽來有一種若即若離的感覺，聽者與樂者既不遙遠，也不過分親近，樂者隔著這段既定的距離，讓聽者產生共鳴。而神思者的作品更像是雍容華貴的散文，以一種勢不可擋的力量完全地包裹住聽者內心。這種溫情無微不至，讓聽者徹底沉醉於他們所營造的藝術世界中，敞開心扉，用熾熱的心直接去感受這種唯美的旋律。至於現代詩和散文孰優孰劣，我想並沒有定論。兩種文體各有千秋，同樣感召著一代又一代的生命，使他們的生活中充滿令人難忘的回憶的片段。
如果你在網路中搜索喬治溫斯頓，最先出現的（同樣也是出現最多的）是電影《我的野蠻女友》中全智賢彈奏的縮略版的由喬治溫斯頓改編的約翰帕赫貝爾的《D大調卡農》。約翰帕赫貝爾（John Pachelbel）這位對巴赫影響巨大的巴羅克時期音樂家恐怕永遠也不會想到自己的這首卡農被改變了幾十個版本，被不斷演奏，經久不衰。不過另一方面，喬治溫斯頓恐怕也不會想到，自己創作的幾百首美妙絕倫的鋼琴小品竟比不上一首改編曲在電影的推廣下所產生的流行熱潮。在我看來，有時藝術是一種無奈尷尬的矛盾統一體：一方面，藝術家不斷創作更新更好作品，為的是讓更多藝術的受眾們享受更好的精神層面的食糧。另一方面，藝術又不可以完全屈尊下顧，完全拋棄高雅的「嫁妝」，讓所有的普羅大眾勉為其勞地為其推廣，以至最終失去藝術本應享有的感召力。我還是拿班德瑞的例子來說。這群與世無爭的瑞士音樂家們將自己封閉在瑞士的原始大森林中，全身心地投入創作之中，為的是讓更多的人了解他們心中所嚮往的精神世界。我不清楚在世界的其它地方情況如何，至少在中國，班德瑞的出版發行單位很是混亂，許多家出版社同時「正版發行」班德瑞的專輯，並且配上與專輯內容毫不相關的莫名其妙的插圖。唱片店，超市、購物中心的老闆們彷彿抓住了救命稻草一般，以為不斷在自己店裡放這種「高雅音樂」就能招徠更多顧客 。於是乎，班德瑞迅速在大街小巷中走紅，幾乎所有的人都有意無意的聽過許多班德瑞的作品。即使這種音樂再高雅，它最終也只能走向俗套的流行音樂的道路。同樣的問題似乎也在侵蝕著恩雅，莎拉布萊曼，肯尼基，甚至是亞尼，神秘園，英格瑪。我不知道多久以後路邊孩童會哼著《Shepherd』s Moon》上學，我對這位愛爾蘭唱詩班出身的女音樂家有著十二分的崇敬，但恩雅的天籟也正在大眾化，平民化，最終……但願「最終」不會發生，起碼能晚一些發生，好讓我們這群准「愛樂者」們能夠將享受她的音樂這一小小的「特權」延續的時間再長一些。
有一天傍晚，我在學校廣播台上聽到了熟悉的神思者的音樂，《海上絲路》中的「Aphrodite」和《疾走》中的「Rain」，一首是紀錄片的配樂，一首是電影配樂。唯美的旋律在校園廣播不甚協調的喇叭中播放，竟還保留著幾分原曲的優雅與溫存，令我激動不已。可是聽著音樂，心情又不覺地變得復雜。我曾向寢室的同學推薦過神思者的音樂，最終發掘神思者的號召力遠不及周傑倫，只好作罷。我當時很希望能找到可以分享聽神思者的音樂的樂趣的人，但倘若校園廣播也不遺餘力地推廣神思者，最後浙大學生都喜歡上了這個組合，神思者不斷被推廣，最後變得和周傑倫一樣。到那時我猜我絕不會缺少傾訴我自己音樂感悟的對象。但當所有人都在聽著同樣的音樂，都在自我感覺良好地發表或深刻或膚淺彷彿領悟又不甚了解的看法時，我估計……我肯定我會選擇沉默。但我現在還在向人推薦，還在用論文介紹喬治溫斯頓，介紹神思者，介紹新世紀音樂，介紹這群優雅的舞者，邁著輕快的舞步，在藝術的世界中翩翩起舞，留下一首首令人難以忘懷的經典的音樂。而我，只希望做一個觀眾，用我誠懇的心去感知。感知大師們的藝術世界同時，自己的心彷彿也跟著變得澄澈。心因聆聽音樂而愈益清澈，我相信，愛音樂的人可以做到。

希望能幫到你。

G. 音樂劇中音樂有什麼作用啊

音樂劇中的音樂精靈
——安德魯 ;勞埃德 ;韋伯的音樂創作
摘 要 ：韋伯是當代著名音樂劇大師，他創作的音樂劇《星光快車》《愛的觀點》、《約瑟夫和神奇綵衣》、《耶穌基督超級巨星》《貓》、《艾薇塔》、《歌劇院的幽靈》等都已成為音樂劇中的經典他為這些音樂劇創作的音樂在全世界都贏得了人們的喜愛而廣為流傳。音樂劇這種藝術形式在我國正逐漸發展起來，並且已經成為為一門獨立的學科。研究韋伯的音樂劇也為我國的音樂劇創作提供了借鑒的範例。
關鍵詞 ：韋伯 、音樂劇 、《貓》、古典音樂、流行音樂
提起音樂劇《貓》，可以說是無人不知，自去年它首次來中國上演以後，立即在北京、上海等文化較為發達的城市颳起一陣音樂劇的旋風，觀眾無不被它那奇特的舞檯布景、幽默生動的表演和引人入勝的故事情節所吸引。就在2004年的4月27—5月3日，《貓》劇組繼2003年上海之行後，這次來到北京參加第四屆「相約北京」聯歡活動暨第二屆北京國際戲劇演出季，作為開幕式的演出，給首都觀眾帶來一道音樂劇大餐。筆者有幸觀看了在人民大會堂的演出，觀後留下極為深刻的印象。演員精彩的演出把觀眾帶入了奇妙的傑里科貓族的世界，當然，此劇最令筆者難以忘懷的還是那些美妙的音樂，正是這些風格各異而又高度統一的音樂才把劇情一次又一次的推向高潮，讓觀眾在驚喜和興奮的同時完全融入到劇情當中，進入到曼妙的神話世界。現場的演出的確和在電視中觀看有很大的差別。雖則對該劇作者早有一些了解，但自此，更產生了強烈的興趣來對此劇作曲者的音樂創作特點進行一點點研究，以與大家分享。
創造這個音樂神話的人正是當代音樂劇大師，英國作曲家安德魯•勞埃德•韋伯（Andrew Lloyd Webber）。這位聲名顯赫的音樂家身上有許多耀眼的光環，他曾四次獲得托尼獎、四次Drama Desk獎、三次葛萊美獎以及五次勞倫斯•奧利弗獎。他的《貓》更是成為世界上演次數最多，持續時間最長的音樂劇，正如這部音樂劇宣傳海報上所寫著的「Now And Forever」現在和永遠，這也許是它經典地位的最好表達，它會續寫自己的神話，吸引更多的觀眾。大家熟知的《貓》劇只是韋伯眾多音樂劇作品中的一部，還有其他的作品如《耶穌基督超級巨星》、《星光快車》、《歌劇院的幽靈》、《海風呼嘯》、《艾薇塔》，還有其2002年夏的一部最新作品《孟買之夢》等。他開創了一個音樂劇的新時代，用他獨特的音樂語言詮釋著他對世界，對人生的看法。音樂劇四大經典名作中竟有兩部都是他創作的。無論是劇中氣勢輝宏的交響樂樂段還是溫柔傾訴的優美旋律都深深打動著每一位觀眾的心。韋伯音樂劇中的音樂創作有什麼特點，他何以吸引那麼多的觀眾呢？
我國的觀眾對音樂劇這種劇場藝術還不是十分了解，它的形成與發展不過一百多年的歷史，傳入我國的時間也不長。簡單的說，它是一門綜合戲劇、音樂、舞蹈的大眾表演藝術。藝術的綜合性、現代性、多元性、靈活性和商業性操作都是它的特徵。光從以上所說還有些不太好理解。那讓我們來看一看美國著名的音樂劇作家奧斯卡•漢姆斯特恩Ⅱ給音樂劇的簡單定義，可能會更加簡潔明了。他說：「它（音樂劇）是你所能想到的一切元素，其中只有一個因素是音樂劇絕對包括的，那就是音樂！」音樂劇中的音樂創作，不同於其他形式的舞台表演藝術，有許多它自身的特點和規則。音樂是音樂劇中的靈魂，音樂標示了音樂劇的存在，而音樂劇也使得經典的音樂唱段得以流傳經久不衰。音樂的出色與否決定了一部劇作能否成為傳世的經典。讓我們從音樂主題的選擇、整體性、旋律性、戲劇性、多樣性等幾個宏觀的方面來看韋伯音樂創作的特點：
一． 主題的選擇。
韋伯的音樂劇創作非常注重題材的選擇，他喜歡選擇一些具有嚴肅的社會意義、深刻的思想內涵，能引起人們內心普遍共鳴的主題。因為這樣的主題極具戲劇性、沖突性；這樣，他的音樂創作就可以有很大的空間和自由度把戲劇性的劇情用音樂連接起來。比如在他早期的一部作品《耶穌基督超級巨星》中，音樂劇取材於耶穌的生平事跡，對經文、人物、人與人之間的關系進行了心理探索，著力於民眾與個人責任感之間的沖突與摩擦。在音樂方面，韋伯創新的將嚴肅的宗教故事和前衛的搖滾音樂結合在一起，使它成為一部藝術表現非常大膽，思想性也極為深刻的作品。這也是他的第一次重大嘗試。而《艾薇塔 》呈現給觀眾的，是一個奇妙的混合體，一個超越平凡人生活的女性。如何從一個平民成為了總統夫人，這本來就是一個充滿傳奇的灰姑娘的故事，一下吸引了人們的注意力。《貓》則是一個舞台奇觀，從該劇一開始，它就用開場音樂告訴觀眾這是一部非凡之作。他巧妙的用貓的世界來隱喻人類的社會，這是一次關於世界觀和人生態度的探討。而在《歌劇院的幽靈》中他的音樂風格得到了全面生動的體現，這是一部驚險、充滿懸念的音樂劇，這種類型的音樂劇最吸引觀眾。這部音樂劇的構思同《貓》一樣，是經過潛心思考的，這位大師始終關注著當代人們的喜好和追求，通過各種方式尋找適宜音樂劇表現的故事，他敏銳的目光使他一次又一次的發掘出能夠觸動世人心靈，引發人們內心深處激動和思索的主題。在音樂上，利用故事發生的地點——歌劇院，來實現他一直以來夢想的創作形式，他使用了在嚴肅正歌劇中才會採用的音樂語言，不僅使用了大量的古典音樂，還在音樂劇中套入了歌劇唱段。這些歌曲成功的刻畫出一位可怕外貌下的幽靈所具有的善良人性的一面，和他在激烈的內心矛盾斗爭中最終選擇了光明的過程。可以說，這部作品使韋伯成功的進行了藝術升華，達到一個新的高度。這體現出韋伯對於音樂劇戲劇性的充分了解和音樂創作上深厚的功力。
二． 整體性。
音樂劇的創作非常講究整體性。這是什麼意思呢？音樂劇講述的是一個完整的故事，它有完整的故事情節，而音樂是其中貫穿始終的線索。從序曲到幕間音樂直至劇終謝幕的音樂，都需要有體現其整體性的音樂把它們完美的聯系起來，一氣呵成，使觀眾產生完美的整體感，而不是一首首毫無關聯的歌曲大聯唱。韋伯無疑具有這種過人的整體把握能力。從他的音樂劇中不難看出，作品的風格是一致的。韋伯的音樂是流行、搖滾和美聲的綜合體，使用不同的音樂語言不僅拓寬了音樂劇的表現手段及范圍，還巧妙的讓人們接受了嚴肅題材的音樂劇也可以用輕松活潑的輕音樂甚至是搖滾樂來詮釋的觀念。在配器上，他打破了管弦樂的限制，將電聲樂器引入到音樂劇中，同時加入具有古典風格的合唱來渲染歌曲所要表現的內容，以此來加強作品的時代感和表現力。要把這些不同風格的音樂語言統一起來並不是一件容易的事，做的不好就是不倫不類。然而，在觀眾聽來，韋伯是很善於處理這不同「種類」的音樂的，在他的劇中，不同的樂段和不同的場景、劇情珠聯璧合，古典的、流行的、甚至是激進的搖滾樂都在同一部劇中依次亮相。我們感受到的這種結合是非常自然、統一的，並沒有牽強的感覺。從演出的效果來看，觀眾並沒有對這種嘗試提出什麼異議，反而是為他喝彩，可見他把這種看似矛盾的問題在他的音樂創作中巧妙的解決了。這不由的讓人產生一份敬佩之情。對於韋伯來說，那是一種遊走於古典與流行中的自在與從容。
三． 旋律性。
旋律的重要性是不言而喻的，它是歌曲的靈魂。每一部成功的音樂劇必然有讓觀眾難以忘懷的優美旋律。某種程度上說，正是這些經典的旋律才成就了劇作的不朽。這一點在古典歌劇中的情況也是一樣的，正如當提到《圖蘭多》人們馬上會想到「今夜無人入睡」、說起《卡門》我們就會想起「鬥牛士之歌」。很多人也許對整部歌劇並不熟悉，然而說到其中的著名唱段，卻是無人不知。可見，好的旋律對作品的影響是多麼巨大。旋律的創作最能體現作曲家的天才，幾乎在韋伯所有的音樂劇作品中，都有幾首歌曲成為經典。比如《耶穌基督超級巨星》中的插曲「我不知如何愛他」、「超級巨星」等，都長時間的徘徊在各大唱片排行榜上。當時正是西方搖滾樂最為流行的時期，該劇迎合了當時社會風潮，一下就吸引了大量的青年。1978年上演的《艾薇塔》又一次引起了轟動。提到這部音樂劇，我們馬上會想到「阿根廷，別為我哭泣」這首著名的歌曲，歌曲情深意重，聞者無不為之動容，正是通過這首歌曲，人們知道了貝隆夫人的傳奇故事。還有「啊，多麼熱鬧的場面」、「金錢滾滾來」也很有代表性。在這部音樂劇中，音樂非常生動，拉丁風情的探戈，輕歌劇的動人旋律和流行音樂的動感節奏全都巧妙的融合在一起，具有強烈的異國情調。無論是充滿矛盾、斗爭的場面，還是輕松歡快的喜劇氛圍抑或是溫柔纏綿的傾訴，都在他神奇的筆下妙筆生花。聽上去是那麼的恰如其分。出眾的駕馭旋律的能力使他的作品總能讓聽者過耳難忘。但他並沒有因為討巧的旋律而喪失創作的藝術水準，這正是他的大量作品得以成為經典和廣為流傳的重要原因。
說到《貓》，這恐怕是國人最為熟悉的一部音樂劇了，作為世界四大音樂劇之一，它在全球巡演的歷史可以說是一個奇跡，自1981年上演以來，一直到現在它還在繼續自己的神話，它的足跡遍及世界的很多角落。伴隨這部音樂劇的是一首經典的歌曲「回憶」，這首歌曲可以說是韋伯的代表作，是一首超越語言和地域限制而傳遍全球的名作。它已經和《貓》緊緊聯系在一起，成為該劇的招牌和象徵。就在《貓》劇的現場，當「回憶」的旋律響起，包括筆者，全場的觀眾都情不自禁的長時間鼓掌，那是多麼令人激動的場面。據統計，有超過200位的各類藝術家都錄制過它，被錄制達600多次，包括芭芭拉•史翠珊、娜塔莉•科爾和多明戈等。當然，作為一位出色的音樂家，韋伯的音樂才能不僅體現在音樂劇領域，1996年巴塞羅那奧運會的主題歌「永恆的朋友」也出自他的手筆，莎拉•布萊曼和卡雷拉斯的傾情演唱為之增色不少，也使這首歌曲家喻戶曉。
四．戲劇性。
在上面已經提到韋伯非常注重音樂劇題材的選擇，這是充分的考慮到音樂劇的另外一個要素：戲劇性。音樂的寫作對於表現劇情的戲劇性矛盾沖突有著天然的優勢，當劇情需要表現人物內心激烈復雜的情感斗爭而又不能通過言語或肢體來傳達時，音樂就承擔了這個任務。在《貓》中，當衣衫襤褸的格里澤貝拉動情的唱出「回憶」（Memroy）時，那經典的旋律把這只飽受生活摧殘，離群多年而又風光不在的老貓的內心世界表達的淋漓盡致，她對美好生活的那份憧憬和盼望回到貓家族中的嚮往，把整部劇推向了最高潮。每當「回憶」的旋律響起，觀眾總是抱以熱烈的掌聲，彷彿自己也成為了傑里科貓的一員，來共同慶祝格里澤貝拉被選中升上九重天獲得新生。可見音樂為烘托劇情起到的巨大作用。在《歌劇院的幽靈》中，韋伯創新的引進了「音樂戲劇性展開」的概念和方法，把歌曲插入到對話當中，使他們成為連接劇情的線索。同時，在這樣的劇情背景下，音樂劇中就包含了歌劇所有的要素，他不但大量的採用古典音樂的背景，用歌劇中的宣敘調，詠嘆調來發展劇情，還使用一些大歌劇的片斷，演員的演唱也必須用傳統的義大利美聲唱法。其中的經典唱段和歌曲如「夜之歌」（The music of night），「想著我」(Think of me)，「對你的渴求」(All I ask of you)等都極大的推進了劇情的發展。《艾薇塔》中同樣有「阿根廷，別為我哭泣」（Don』t cry for me,Argentina）這樣的金曲，很好的完成音樂渲染劇情的任務。這些經典樂曲都在劇中起到了無可替代的作用並成為每部音樂劇的標志和象徵。
五．多樣性。
這里主要是指韋伯創作風格的多元化和豐富性，他有一種糅合各種音樂風格的能力。通常來講懂嚴肅音樂的人一般都是專業學習音樂的，他們沒有寫作流行音樂的經驗，也寫不出具有流行味的音樂作品來。而懂流行音樂的人又往往缺少西方傳統音樂需要的那種修養，沒有駕馭大型戲劇音樂的能力。但是，音樂劇恰巧是這兩者的結合，缺乏任何一種能力都不可能成為傑出的音樂劇作曲家。韋伯出生在英國的一個音樂世家，他的父母是皇家音樂學院的教授和鋼琴教師，他十九歲考入了皇家音樂學院學習管弦樂編曲，嚴格的音樂訓練使他具備了良好的音樂素質，同時，年輕的他對那時在英國正大為流行的搖滾樂產生了濃厚的興趣，結合不同風格的音樂成為他一直追求的藝術目標，他成功的做到了這些。正如他自己所言：「我創作的時候沒有覺的音樂劇和歌劇有什麼不同；可能是因為我出生在20世紀，如果出生在18世紀，我可能就寫歌劇了。」在他的音樂作品當中，音樂風格不拘一格，不受任何公式化模式的限制，他大膽的使用一切可能的音樂元素，音樂風格也越來越難以簡單的給出定義，時而是古典音樂，時而又是爵士樂、搖滾樂、迪斯科拉丁舞曲等。他的最新作品《孟買之夢》再一次體現了他不斷創新的探索精神，與印度作曲家拉赫曼的合作是他試圖將東方文明的魅力引入音樂劇的又一次大膽嘗試，評論界對這部劇給出了完全不同的評語，但一切都需要時間來檢驗。我相信人們會給韋伯一個的評判。從以上我們不難看出他是一個素養全面、藝術視野開闊的音樂家，他並不固守某一種藝術趣味，而是大膽的借鑒，使用各種各樣的音樂素材，只要是可以恰當的表達音樂劇作品的需要，就把他們融入其中。這些都體現出韋伯作為藝術家全面的藝術修養和扎實的音樂功力。
韋伯不愧是一位音樂劇的革新者和大師，他為音樂劇開辟了寬廣的藝術表現道路，並以自己的巨大成就開創了「現代派」的音樂劇流派。為當時處於低靡狀態的音樂劇注入了新的活力。他的成功崛起使英國音樂劇走向國際，和百老匯音樂劇分庭抗禮。在承襲傳統的基礎上不斷的創新，使自己的藝術有了不斷發展的動力。這種不斷推陳出新的精神和努力成為如今繁榮的英國音樂劇市場的重要基礎。由於他的作品受到大眾的喜愛，客觀上，還幫助音樂劇這種劇場藝術真正走入了大眾的生活。他的作品影響著與他同時代以及後來的無數音樂劇作曲家，為他們樹立了一個典範，他們永遠可以在韋伯的作品中找到新的素材，新的視角。

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H. 音樂在影視電影中起著什麼重要的作用

1、通過音樂主題的貫串發展、矛盾沖突、高潮布局，達到對劇中主要人物的專歌頌或批判，幫助明確電影的屬意義。

2、用音樂加強人物的動作性、心理活動，揭示人物的思想感情，表現人物的精神面貌，使人物的形像更加鮮明生動，可以為電影加不少的分數。

3、暗示劇情的進展或延伸。這樣的音樂，有時先於畫面的視覺形像出現，例如在困難的時刻預示勝利和希望，在順利的時刻預示艱苦挫折；有時後於畫面視覺形像出現，延展戲劇情緒。

4、引起一定時間（古代的或現代的）、空間（人類世界的或外空間）、環境（人間或仙境）的聯想。

5、加強影片的總的藝術結構。電影音樂雖然是分段陳述的，但是通過分段陳述的結構，能反映出影片總的藝術結構。

6、增加立體感。人類習慣於從視覺和聽覺兩方面感受客觀事物。結合音樂的聽覺形像，音樂旋律的起伏，和聲、對位的織體，色彩豐富的配器等等，能更有效地表現聽覺形像的立體感。音畫結合可形成「四維時空」的運動著的立體感。

I. 音樂劇和歌劇在題材選擇、音樂結構、音樂風格、聲音表現、舞美裝置和舞蹈作用方面有哪些區別

音樂劇誕生於本世紀初的歐美大陸，融合了各個藝術門類的特點，將音樂、舞蹈、話劇道白的特殊魅力緊密結合起來塑造人物形象，表達人物感情，從而表現一個完整的故事情節。其中，音樂源於地道的美國黑人的爵士音樂，舞蹈綜合了爵士舞和踢踏舞。1927年，隆·科恩的《水上舞台》掀開了音樂劇時代到來，其中的插曲《老人河》在當時家喻戶曉，流傳全球。從此後音樂劇以它特有的魅力，隨著各國的經濟發展而迅速、不斷地繁榮，直到今天。
今天的音樂劇主要包含了三個元素：
1.歌、舞、道白發揮到極至的綜合性表演。
2.豪華，場面氣派的舞檯布景大製作。
3.娛樂和文化交流相交融的現代藝術水準。
音樂劇在表現手段上可分為音樂戲劇、舞蹈音樂劇和歌劇式音樂劇三種。
音樂戲劇的情節多以小說或戲劇改編，劇中人物時以道白交待情節，在人物內心感受情激盪，戲劇矛盾尖銳時，即以歌曲式音樂及輕快優美的舞蹈語言。如《音樂之聲》和《窈窕淑女》。而舞蹈音樂劇中，舞蹈較多用舞蹈的表現力與震撼力來展示情節塑人物，像《西區故事》、《貓》等，歌劇式音樂劇，聲樂要求較高，全劇歌唱是重點，有的甚至沒有對白，象《悲慘世界》和《歌劇院的幽靈》。

歌劇（opera）是將音樂（聲樂與器樂）、戲劇（劇本與表演）、文學（詩歌）、舞蹈（民間舞與芭蕾）、舞台美術等融為一體的綜合性藝術，通常由詠嘆調、宣敘調、重唱、合唱、序曲、間奏曲、舞蹈場面等組成（有時也用說白和朗誦)。早在古希臘的戲劇中，就有合唱隊的伴唱，有些朗誦甚至也以歌唱的形式出現；中世紀以宗教故事為題材，宣揚宗教觀點的神跡劇等亦香火繚繞，持續不斷。但真正稱得上「音樂的戲劇」的近代西洋歌劇，卻是16世紀末、17世紀初，隨著文藝復興時期音樂文化的世俗化而應運產生的。

歌劇中的聲樂部分包括獨唱、重唱與合唱，歌詞就是劇中人物的台詞（根據樣式不同，也可有說白）；器樂部分通常在全劇開幕時有序曲或前奏曲，早期歌劇還間有獻詞性質的序幕（包括聲樂在內）。在每一幕中，器樂除作為歌唱的伴奏外，還起聯接的作用。幕與幕之間常用間奏曲連接，或每幕有自己的前奏曲。在戲劇進展中，還可以插入舞蹈。歌劇的音樂結構可以由相對獨立的音樂片斷連接而成，也可以是連續不斷發展的統一結構。

歌劇中重要的聲樂樣式有朗誦調、詠嘆調、小詠嘆調、詠敘調、重唱、合唱等；其體裁樣式有正歌劇、喜歌劇、大歌劇、小歌劇、輕歌劇、音樂喜劇、室內歌劇、配樂劇等。

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音樂劇較活潑
歌劇較嚴肅

音樂劇以劇為主

歌劇以歌為主