⑴ 中戲音樂劇班屬於甚麼專業啊我報這個專業是不是不一定被分到音樂劇班啊急！3q
中戲音樂劇班屬於表演系。不過說真的現在中戲音樂劇班的教學方式仍然是以一內般的表演教學體系為主，畢容竟由於就業形勢所迫大部分音樂劇班的學生還是要走向影視劇這條路的。中戲從事音樂劇教學的教師通常受日本四季劇團的影響較深，當前的四季劇團作為商業演劇團體非常成功，但是就藝術性而言則走向了舞台形式和表演模式固定化流水線化這樣扼殺演員創造性的道路，四季劇團在七八十年代培養出的明星如山口佑一郎等紛紛跳槽正是這一現象的直接反映。如果對四季路線不能認同，我想中戲音樂劇班並非有志於音樂劇的學生的最理想選擇。而且據我和中戲音樂劇班的學生的接觸來看，他們當中真心喜歡音樂劇的並不多，研究的主動性和廣度大都遠遠不夠。雖然有用心的學生存在，但很遺憾只是個別現象。
其實想學音樂劇不一定非要在音樂劇班。分別打好表演、聲樂的功底，學些基本的現代舞蹈，然後多看多聽多分析當今世界上成功的音樂劇作品的資料才是正路。
⑵ 音樂劇論文（800字左右）
嘻嘻，華育的預初學生吧！我也是噢，你幾班的？
我也正在做這個作業，剛好一查就發現了你這個帖子，你不怕老師發現嗎？
頭痛這個作業啊！周五就要交了，偏偏復習階段作業特別多！
給你我的資料吧！大部分都可以抄上去。偷偷告訴你噢，這裡面我抄了700字，自己就寫了開頭和結尾。
http://ke..com/view/9921.htm
音樂劇簡介
音樂劇（Musical theater）是由喜歌劇及輕歌劇（或稱「小歌劇」）演變而成的，早期稱作「音樂喜劇」，後來簡稱為「音樂劇」，是19世紀末起源於英國的一種歌劇體裁，是由對白和歌唱相結合而演出的戲劇形式。音樂劇熔戲劇、音樂、歌舞等於一爐，富於幽默情趣和喜劇色彩。它的音樂通俗易懂，因此很受大眾的歡迎。音樂劇在全世界各地都有上演，但演出最頻密的地方是美國紐約市的百老匯和英國的倫敦西區。因此百老匯音樂劇這個稱謂可以指在百老匯地區上演的音樂劇，又往往可是泛指所有近似百老匯風格的音樂劇。
音樂劇（英語：Musical theater，簡稱 Musicals），又稱為歌舞劇，是音樂、歌曲、舞蹈和對白結合的一種戲劇表演，劇中的幽默、諷刺、感傷、愛情、憤怒作為動人的組成部分，與劇情本身通過演員的語言，音樂和動作以及固定的演繹傳達給觀眾。一些著名的音樂劇包括：奧克拉荷馬、音樂之聲、西區故事、悲慘世界、貓以及歌劇魅影等。
音樂劇特點
和歌劇的分別是，音樂劇經常運用一些不同類型的流行音樂以及流行音樂的樂器編制;在音樂劇裡面可以容許出現沒有音樂伴奏的對白;而音樂劇裡面亦沒有運用歌劇的一些傳統，例如沒有了宣敘調和詠嘆調的區分，歌唱的方法也不一定是美聲唱法。但音樂劇和歌劇的區分界線仍然有不少學者爭議，例如格什溫作曲的波吉與佩斯(台灣翻譯「乞丐與盪婦」)就曾同時被人稱作歌劇、民謠歌劇(Folk Opera)和音樂劇。一些音樂劇如悲慘世界是從頭到尾都有音樂伴奏，而一些輕歌劇如卡門卻有對白。
音樂劇普遍比歌劇有更多舞蹈的成份，早期的音樂劇甚至是沒有劇本的歌舞表演。雖然著名的歌劇作曲家華格納在十九世紀中期已經提出總體藝術，認為音樂和戲劇應融合為一。但在華格納的樂劇裡面音樂依然是主導，相比之下，音樂劇里戲劇、舞蹈的成份更重要。
音樂劇與歌舞片
很多音樂劇後來又被移植為歌舞片，而劇場版本和電影版本並不一定完全相同，因為劇場擅長於場面調度和較為抽象的表達形式，利用觀眾的想像去幻想故事發生的環境，而電影則擇長於實景的拍攝和鏡頭剪接的運用。西城故事是其中一個將舞台版本成功移植為電影版本的音樂劇，在橫街小巷取景，開創了後來很多音樂電影的先河。亦有歌舞片移植為音樂劇的例子，例如萬花嬉春是先有歌舞片，後來才被移植成音樂劇。
很多音樂劇後來又被移植為歌舞片，而劇場版本和電影版本並不一定完全相同，因為劇場擅長於場面調度和較為抽象的表達形式，利用觀眾的想像去幻想故事發生的環境，而電影則擇長於實景的拍攝和鏡頭剪接的運用。西城故事是其中一個將舞台版本成功移植為電影版本的音樂劇，在橫街小巷取景，開創了後來很多音樂電影的先河。亦有歌舞片移植為音樂劇的例子，例如雨中曲是先有歌舞片，後來才被移植成音樂劇。
音樂劇擅於以音樂和舞蹈表達人物的情感、故事的發展和戲劇的沖突，有時語言無法表達的強烈情感，可以利用音樂和舞蹈表達。在戲劇表達的形式上，音樂劇是屬於表現主義的。在一首曲之中，時空可以被壓縮或放大，例如男女主角可以在一首歌曲的過程之中由相識變成墮入愛河，這是一般寫實主義的戲劇中不容許的。
音樂劇結構
音樂劇的文本由以下幾個部份組成：音樂的部份稱為樂譜、歌唱的字句稱為句詩、對白的字句稱為劇本。有時音樂劇也會沿用歌劇裡面的稱謂，將歌詞和劇本統稱為曲本。
音樂劇的長度並沒有固定標准，但大多數音樂劇的長度都介乎兩小時至三小時之間。通常分為兩幕，間以中場休息。如果將歌曲的重復和背景音樂計算在內，一出完整的音樂劇通常包含二十至三十首曲。
音樂劇歷史
在17世紀~18世紀的歐洲，音樂成了人們用來表達思想和感情的有力工具。在歐洲，各種各樣的音樂都得以茂盛發展，出現了清唱劇和歌劇。但華麗或庄嚴的歌劇或清唱劇並不能完全滿足觀眾，於是出現了被稱之為「居於雜耍和歌劇中間」的藝術形式。
歷史上第一部「音樂劇」是約翰·凱的《乞丐的歌劇》，首演於1728年倫敦，當時被稱為「民間歌劇」，它採用了當時流傳甚廣的歌曲作為穿插故事情節的主線。1750年，一個巡迴演出團在美國北部首次上演了《乞丐的歌劇》，這便是美國人親身體驗音樂劇的開端。1866年，《黑魔鬼》成為美國第一部的音樂劇。德國的喜劇，穿緊身衣跳舞的女孩，滑稽的歌曲，以及侏儒和妖精的扮相等等，奇異的場面令人驚異。美國人對音樂劇的興奮和擁護「就像當年米蘭人等待普契尼的新歌劇，或維也納人等待勃拉姆斯的新作交響曲一般」。
種類繁多的美國娛樂
19世紀，城市在美國紛紛建立，音樂劇隨之茂盛起來，它們以城市觀眾為對象，出現了輕歌舞劇及其更為粗俗的姐妹劇種———滑稽表演。輕歌舞劇適合每個人的口味，每周的節目單上有雜技，魔術，舞蹈、動物表演。單口相聲唱歌和滑稽戲等等。輕歌舞劇的來源很多：合法劇院的幕間特別節目、黑人歌曲表演、英國音樂廳的表演。這種雛形的美國音樂劇還只停留在模仿和沿襲歐洲輕歌舞手法的階段，其中歌、舞、啞劇，滑稽戲甚至雜耍，魔術籌各種藝術手段都可採用，不過，直到1890年，喜劇《唐人街之旅》成為一個里程碑，這部戲證明了音樂劇可以有美國的故事，也可以有美國的歌曲，如《巴華利街歌》。這首歌本來是一首很動聽的民歌，一首地地道道的美國歌；更為重要的是，該劇不僅有美國歌曲，美國故事，而且還有美國人說話的方式，就是說所有的角色們都用俗語說話。
小歌劇時代
進入20世紀，歐洲的作曲家給美國帶來的一種小歌劇形式。由於多年來受到歐洲歌劇如吉爾伯特和蘇利溫的英國喜歌劇，加上其他的天才如約翰。斯特勞斯的維也納小歌劇，奧芬·巴赫的法國輕歌劇等的影響，使觀眾自動地有了一套評判音樂好壞的標准，而且也影響了觀眾的欣賞口味：有意味的情節，優美的音樂和文雅的歌詞成為編創者追求的目標。1927，年由吉羅姆，科恩和奧斯卡·雙姆斯特恩所作的《畫舵漩宮》（該劇是至今仍在上演的優秀的音樂劇中最早的一部作品）在某種意義上說來它也是一部真正的小歌劇。它以密西西比河上一艘表演船為背景，描述船長、船長夫人、女兒木蘭小姐、賭徒女婿、劇團台柱黑白混血的朱莉小姐、船底黑奴、黑廚娘的故事，還有密西西比河沿岸的人情事故、悲歡離合，全劇長達四小時。首演之夜，百老匯的觀眾被嚇呆了，他們不曉得原來「Musi-cal」不是只有歌舞喜鬧劇，竟然可以這樣的「戲劇」！從此，百老匯音樂劇開始了現代劇目的嘗試，音樂劇的編導開始更注意故事情節及歌曲的創作，從而更豐富了音樂劇的形式。
與小歌劇並存於同一時代的還有Rcvue(時事諷刺劇)，在音樂舞台上它以沒有完整故事的形式和通俗的方式興盛著，這種歌舞雖沒有情節，卻開著冷玩笑，利用這種諷刺的手法把戲劇或歌劇滑稽化，它模擬流行的東西，或對流行的丑聞放冷箭——這些到今天仍然是我們的歌舞的主要材料。
爵士樂進入音樂劇
爵士音樂是19世紀末20世紀初發源於美國南部新奧爾良的一種流行音樂。從它的身上可以找到美國民歌小調，黑人靈樂怨曲以及各種村音俗韻的身影，風格多樣，動感強。第一部偉大的令人不能忘懷的歌舞名為《當心你的腳步》，1914年在新阿姆斯特丹劇院上演。對於此事最有貢獻的是艾爾文·伯林。他作出了那種精細的切分音拍子的歌曲，使得美國的音樂劇舞台與爵士音樂永遠結了不解之緣。「爵士」成為音樂劇的「音樂俗語」。不少作曲家也將爵士的因素引入創作中。喬治·葛什溫開創的就是一種「交響味」的爵士風。1924年，由葛什溫兄弟創作的《女士，好樣的》就開創了上世紀20年代百老匯音樂劇的爵士舞風格，該劇也使弗瑞德·阿斯泰爾和妹妹阿德勒成為百老匯首屈一指的歌舞明星。至此美國音樂劇掀開了它的新紀元，作品逐步趨於成熟
20世紀40~60年代，受歐洲輕歌舞劇和爵士音樂的影響，產生了一大批優秀的百老匯音樂劇經典劇目。在這期間的作品已經成為年輕的古典了：如以美國西南部俄克拉荷馬拓荒地區為背景的《俄克拉荷馬》（1943年），該劇1955年被拍成電影獲奧斯卡金像獎，1964年艾爾文；怕林的《安妮，拿起你的槍》；考勒·波特的根據蕭伯納劇本改編的音樂劇《窕窈淑女》。1956年在紐約首演，1964年被拍成電影並獲奧斯卡金像獎；以及1957年在紐約首演的《西區故事》，1961年被拍成電影也獲奧斯卡金像獎；1964年在紐約首演，反映沙俄時代猶太人命運的《屋頂上的提琴手》，1964年在紐約首演，1971年被拍成電影獲奧斯卡獎。
百花齊放的現代
在1960年代中期至1970年代，前衛劇場的觀念滲入主流作品；搖滾樂、社會變遷豐富創作的素材，歐陸作品進口美國，百花齊放。
20世紀60年代，甲殼蟲和搖滾樂由英國沖向世界，各國音樂劇作曲家對這股不可抗拒的力量由抵制逐漸轉向吸收，英國的韋伯率先在《萬世魔星》這部以古老的聖經故事改編的內容沉痛、主題嚴肅的音樂劇中採用了輕音樂及搖滾樂，使之具有了現代感，歌曲變得活潑，通俗、易於演唱。在配器上也打破了管弦樂的嚴格限制，將電聲樂器引入音樂劇，從而加強了它的時代感和表現力。加之由於現代音響廣播設備的更新和普及，許多音樂劇中膾炙人口的歌曲。通過現代傳播媒介手段，很快就風靡世界，成為全球流行歌曲，如《艾維塔》中的《阿根廷，不要為我哭泣！》及《貓》中的《回憶》在音樂會及平時街頭廣播中都常可聽見，致使許多沒有看過此劇的人也產生了一睹為快的期待。
20世紀70~80年代，「音樂劇」的創作熱潮轉向倫敦，英國創造了與美國風格大不相同的「音樂劇」，出現了一批英國「音樂劇」經典劇目，引起全世界的矚目。尤其是作曲家安德魯·勞埃德·韋伯的《萬世巨星耶蘇基督》（1971年）、《艾維塔》（1976年）〈貓〉（1981年）《歌劇院的幽靈》（1986年）和《日落大道》（1993年）以及根據雨果名著《悲慘世界》創作音樂劇《悲慘世界》（1980年）、都成了世界各競相上演的保留劇目，它們在音樂和戲劇上都有了突破和飛躍。
音樂劇的流派
音樂劇根據不同的分類標准可以有不同的分類。音樂劇流派的開成和壯大總是與傑出的作曲家和劇作家，尤其是他們的不朽的作品聯系在一起的。
科恩、羅傑斯和小哈姆斯坦的古典音樂劇流派、勒納和洛維的小歌劇流派、桑德海姆和普林斯的「概念音樂劇」流派、韋伯和萊斯的現代流派音樂劇、勛伯格和鮑伯利的史詩流派、呂克·普拉蒙登和理查德·科錢特的浪漫主義流派和方興未艾的後現代流派音樂劇向世人打造了一個五彩繽紛的音樂劇舞台。
音樂劇名家
英國戲劇家安德魯·洛依德·韋伯
安德魯·洛依德·韋伯（AndrewLloydWebber）1948年出生於英國倫敦。他的第一部音樂劇已表現出了對流行音樂的著迷，結合了迷幻、鄉村與法國小調三種元素。
70年代早期，韋伯與萊斯合寫的作品是大膽的《萬世魔星》，獲得了格萊美獎。該劇於1971年在紐約上演時，獲得了七項托尼獎，包括最佳原作曲和最佳音樂劇獎，1973年，該劇被拍成電影。韋伯根據T·S·艾略特的《擅長裝扮的老貓經》改編的《貓》正開始成為迄今為止韋伯在商業上最成功的作品。
在美國和英國以及全世界，任何一個時候，都至少有他的十幾個巡迴演出團在大城市演韋伯的音樂劇。1995年，《貓》以史無前例的演出紀錄慶祝它在百老匯上演十周年，《貓》、《星光快車》及《萬世魔星》三部韋伯的作品是倫敦戲劇史上演出時間最長的三部音樂劇。韋伯是改寫音樂劇歷史的最偉大的音樂家之一。
美國歌劇大師喬治·格什溫
喬治·格什溫（GeorgeGershwin）從小就表現出對音樂的極大熱情。1919年與歐文·凱撒（IrvingCaesar）的合作曲子「斯瓦尼」使他第一次出名。同年他被委任為《喬治·懷特1919年的丑聞》一劇作曲，其中一些歌曲成為美國流行音樂中的里程碑，如「我要建一條通往天堂的梯子」、「有人愛我」等。
1935年他的民歌歌劇《波吉與貝絲》在波士頓上演，成為格什溫上演最多的劇目之一。1936年格什溫兄弟轉到好萊塢去發展，進入了一個新的創作時期。他們為《我們跳舞嗎》（1937）、《困苦中的年輕女人》（1937）譜為另一部影片《古德溫鬧劇》（1938）寫曲時，喬治病倒了，不久於1937年6月去世。[1]
[編輯本段]音樂劇的主要類型
1.百老匯音樂劇
像「好萊塢」與美國電影的關系一樣，一提起「百老匯」人們便會很自然地想到美國戲劇。「百老匯」是紐約市曼哈頓區的一條大街的名稱。在這條大街的中段一直是美國商業性戲劇娛樂的中心，因此「百老匯」就成為美國戲劇活動的代名詞了。百老匯曾經有非常輝煌的歷史，這是與美國商業音樂劇的歷史密切相聯系的。百老匯音樂劇(Broadway Musicals)的前身是黑人游藝表演、滑稽劇、歌舞雜劇等，比較多地受爵士樂、搖擺樂的影響，其舞蹈有獨創的百老匯風格。1904年，比特爾·瓊斯明確了音樂劇的概念，真正有代表性的劇目是1927年的《演出船》，它綜合地把歌曲、舞蹈和故事情節、話劇表演結合起來。可以說，是音樂劇把美國風格的爵士樂和與爵士樂配合得搖擺性很強的舞蹈成功地結合在一起。《俄克拉荷馬》、《西區故事》、《平步青雲》都是在百老匯相繼走紅的重要音樂劇目。此外在百老匯經年不衰的音樂劇有：《歌劇院幽靈》、《悲慘世界》、《西貢小姐》、《美女與野獸》等。
2.黑人音樂劇
音樂劇表現手段從以歐洲為主移向以美國為主，就是因為黑人的襤褸時代爵士樂、靈魂音樂、游吟和憂傷藍調的流行。再後來的搖擺樂也有強烈的黑人音樂背景。著名的黑人音樂劇包括《演出船》、《波吉和貝絲》、《天空小屋》、《聖路易斯的女人》、《花之房》(1954年)、《牙買加》等等。
3.倫敦西區音樂劇
倫敦西區音樂劇更多地受歌劇和輕歌劇的影響。英國音樂劇的發展很少在舞蹈方面做特別突出的改進，這里的藝術形式的結合是把歌劇、輕歌劇的傳統以及音樂喜劇的傳統與爵士樂、踢踏舞和芭蕾進行一定程度的結合。20世紀70年代，英國出現了兩位音樂劇創作巨匠：安德魯·洛依德·韋伯和蒂姆·萊斯，隨即英國音樂劇就出現藝術上的轉折。在風格上，韋伯創作的音樂劇偏重音樂，舞蹈相對較少；在製作上，英國音樂劇著名製作人卡麥隆·麥金托什非常注重把舞台上的各種技術——布景、服裝、燈光等與其他手段結合起來。很快百老匯感到了來自倫敦西區的巨大壓力和挑戰。倫敦西區的著名音樂劇包括《悲慘世界》、《西貢小姐》(1991年才移師紐約的百老匯)、《貓》、《歌劇院的幽靈》(後來移師紐約百老匯)等等。此外，似乎所有的音樂劇從倫敦搬到百老匯都能獲得成功，比如《象棋》、《男朋友》、《奧利弗》、《可愛的戰爭》、《查里姑娘》等等，無不如此。[2]
[編輯本段]西方音樂劇
音樂劇起源可以追溯到十九世紀的輕歌劇喜劇和黑人劇。
初期的音樂劇並沒有固定劇本，甚至包含了雜技、馬戲等等元素。自從1927年演藝船（畫舫璇宮）開始著重文本之後，音樂劇開始踏入它的黃金歲月。這時期的音樂劇多宣揚樂觀思想，並經常以大團圓的喜劇結局。直至1960年代搖滾樂和電視普及之前，音樂劇一直是最受美國人歡迎的娛樂和演藝形式。1980年代以後，英國 倫敦西區（West End）的音樂劇演出蓬勃，已經追上百老匯的盛況。後來甚至出現法文的音樂劇，如悲慘世界（後改編為英文版，曾在百老匯演出）、星夢Starmania、鍾樓怪人、羅密歐與茱麗葉、小王子等等。
My Fair Lady Playbill with Julie Andrews and Rex Harrison而隨著英國和美國的音樂劇經常在世界各地巡迴演出，音樂劇也開始在日本、韓國、中國內地、中國台灣、中國香港、新加坡等亞洲地區流行。參見亞洲的音樂劇。
發展和著名劇目
百老匯音樂劇之父
第一次世界大戰後，音樂劇後來傳播到美國，並在美國得到高度冶煉和發展。美國紐約的百老匯，視其為音樂劇中心，甚至將音樂劇統稱為百老匯音樂劇。美國音樂劇的內容，偏重於談情說愛及幽默風趣，音樂輕松愉快，演出方式往往比較富麗堂皇，但仍不失其主要風格。其典型代表人物科恩人稱「百老匯音樂劇之父」。
科恩1885年1月誕生於紐約，年輕時曾在紐約音樂學院學習鋼琴，1903年赴英國倫敦學習作曲，同時潛心研究輕歌劇、音樂喜劇的創作表演經驗，並參加創作實踐。自1904年起先後創作音樂劇50部，其中《演藝船》(1927)最為出眾。
故事敘述了20世紀20年代密西西比河上一個在船上演出的流動劇院演員們在時代變遷和種族歧視的社會環境中悲歡離合的生活景象。船主安迪的女兒馬格諾莉雅與游手好閑的青年拉威涅相愛，婚後生了一個女兒取名吉姆。一天，船主發現女婿拉威涅竟是賭棍，將其驅逐，吉姆隨同離去。馬格諾莉雅無奈在夜總會登台獻藝，艱苦奮鬥了21年，終於成為著名音樂喜劇明星，最後回到船上，挽救了日益衰敗的演藝船，拉威涅和女兒吉姆也回到船上一家人終於團聚。劇情中加入了民間歌舞、爵士樂、查爾斯頓等清新歌舞，歌曲旋律深沉感人，以《老人河》最為著名。在演出中，美國黑人男低音歌唱家保爾·羅伯遜(1898—1976)飾船工喬一角，成功演唱蒼勁、悲切的《老人河》使其揚名世界。
發展中百老匯音樂劇
20世紀同樣引人注目的還有格什溫的《開始奏樂》(1927年)、《瘋狂的女郎》(1930年)、《我為你歌唱》(1931年)以及1935年創作的黑人民間音樂劇《波吉與貝絲》，其中的《我為你歌唱》因為劇中諷刺了美國總統選舉中的弊病，受到觀眾的熱烈歡迎，並成為第一部獲得「普利策獎」的音樂劇。
自20世紀20年代起，百老匯名家輩出，經典佳作頻頻登台，商業操作生意興隆，持續鑄造數十年的輝煌。百老匯音樂劇發展史上，除科恩、格什溫兄弟等風雲人物外，在40、50年代有過密切合作的作曲家羅傑斯和劇作家哈默斯坦也為音樂劇事業做出過巨大貢獻。他倆合作的《俄克拉荷馬》於1943年3月在紐約聖詹姆斯劇院首演，獲得空前成功。這是一部反映農村青年愛情生活的故事。其中女主人公勞芮做夢的場景，描寫夢幻中與戀人克萊的綿綿情語——僱工加德與克萊斗毆，勞芮相阻——勞芮在加德追逐下奔跑、掙扎……最後從夢中驚醒。德蜜爾在這里巧妙運用雙人舞、三人舞，與劇情和諧巧妙的結合，舞姿舞步做了民俗化、美國化的改革，以區別古典概念的芭蕾舞。《俄克拉荷馬》是一部里程碑式的作品，成功實踐了多種要素的完美綜合。此後，羅傑斯和哈默斯坦又合作完成了《旋轉木馬》、《南太平洋》、《國王與我》。還有一部中國觀眾十分熟悉的音樂劇。這就是《音樂之聲》。這部音樂劇後來被搬上了銀幕，作品中的許多歌曲，可謂膾炙人口，流傳甚廣。
50、60年代是百老匯音樂劇的全盛時期，在強化歌唱、舞蹈、表演、劇情的有機綜合功能方面又作了一系列大膽革新。精湛的專業化創作技巧和美國作風的音樂舞蹈匯成渾然一體，將音樂劇的藝術品位和演員的多能性表演藝術提升到新的境界。1957年9月16日，由普林斯製作、伯恩斯坦作曲、勞倫茨編劇、桑岱姆作詞、羅賓斯導演的《西城故事》在百老匯首演，標志著音樂劇藝術最佳發展階段的開始。此劇1961年拍成電影，榮獲十項奧斯卡獎。作品從莎士比亞名劇《羅密歐與朱麗葉》獲得靈感，地點從維羅那古城變為現代曼哈頓西區，人物關系由原劇兩個世代宿怨的貴族家族移植為落後、貧窮的移民集聚地的兩個青年團伙爭奪地盤的惡斗，男女主人公托尼和瑪麗亞分屬一個群體，最後以悲劇告終。該劇融會復雜的爵士節奏和富於沖擊力的音響律動，歌曲音調著重深入揭示人物內心情感，將音樂完全置於劇情之中。雖為爵士流行風，卻不追求聽覺的效果，給了觀眾以細細咀嚼回味的餘地。劇中歌曲《瑪麗亞》、《今晚》、《阿美利加》等韻味十足，百聽不厭。
繼《西城故事》之後，百老匯陸續推出一些風格迥異的音樂劇，《吉卜賽》(1959)、《音樂之聲》(1959)、《卡米洛特》(1960)、《您好，多莉》(1963)、《屋頂上的小提琴》(1964)、《滑稽女郎》(1964)、《油脂仔》(1972)、《平步青雲》(1975)、《芝加哥》(1976)、《安妮》(1977)、《第42街》(1980)以及紅極90年代的《美女與野獸》、《獅子王》、《化身博士》《為你瘋狂》以及心理劇《化身博士》等等，令人目不暇接。其中不少作品從紐約到世界，從舞台到屏幕，展示了音樂劇這一獨特藝術品種的千姿百態。
倫敦西區的《奧立弗》「挑戰」百老匯
自60年代起，倫敦西區的音樂劇創作表演正急起直追，不時發起向百老匯的沖鋒進軍，「音樂劇中心」百老匯受到嚴峻的和強烈的震撼。
1960年6月由巴特根據狄更斯的小說《孤星淚》(即《霧都孤兒》)編劇作詞作曲的《奧立弗》首演於倫敦。1963年進入百老匯舞台，榮獲兩項托尼獎。該劇沒有舞蹈場面，將創作重點放在戲劇表演、各種形式的演唱和舞檯布景的創新上，採用並行轉台展現維多利亞時代倫敦社會圖景，讓觀眾直觀感受到故事發生的特定環境，對奧立弗的悲慘命運給予深深的同情。也正是在60年代，倫敦劇壇升起了一顆作曲新星，那就是安德魯·洛依德·韋伯。他具有扎實的古典音樂根基，擅長於鋼琴、小提琴等樂器演奏，對新潮流行音樂和音樂劇情有獨鍾。1967年他與詞作家蒂姆·萊斯(1944)合作《約瑟夫和神奇綵衣》，此劇1981年在百老匯連演800多場，1982年獲包括音樂在內的托尼獎多項提名。1971年10月他們合作的搖滾音樂劇《耶穌基督巨星》在百老匯首演，此劇取材於聖經故事靈感來自於霍爾本的油畫《墓中死基督》，通過對以基督與猶大為中心的復雜人物關系折射當代社會普遍的人性命題，寓以深刻的哲理意味。1978年6月他們的又一部搖滾音樂劇《艾維塔》在倫敦隆重上演，故事取材於阿根廷前總統庇隆第二任夫人艾維塔的生活事跡翌年9月在百老匯連演1560多場，榮獲7項托尼獎和紐約戲劇評論界最佳音樂獎。以上兩部搖滾音樂劇為了使觀眾深入了解故事情節和人物關系，調動了旁白演唱的形式，《艾維塔》中演唱的搖滾歌曲《如此一個競技場》、《金錢滾滾來》有力地推動著情節發展，而且又十分動聽。這部音樂劇中還有一首並非搖滾的主題歌《阿根廷別為我哭泣》以其楚楚動人的旋律而風靡全世界。他的驚世巨作《貓》1981年5月在倫敦首演轟動了百老匯。此後又創作了以舞蹈精彩絕倫而著稱的《星光快車》、《劇院幽靈》(1986)和90年代榮獲8項托尼獎的《日落大道》等傳世名劇。
20世紀80、90年代稱雄世界音樂劇壇的倫敦西區，除了韋伯，還有作曲家勛伯格(1944～)和著名製作人卡麥隆·麥金托什(1946— )。他們的配合往往能取得良好效果。麥金托什是一位聰明的藝術經營者，用高質量藝術作品贏得千千萬萬的觀眾。他與韋伯合作的《貓》、《歌劇院的幽靈》，與勛伯格合作的《悲慘世界》、《西貢小姐》，以及重新製作的許多經典劇目都為世人所矚目。
世界經典音樂劇——《悲慘世界》
根據法國19世紀雨果的經典小說《悲慘世界》改編的同名音樂劇是麥金托什製作的四大名劇之一。由阿蘭·鮑伯利作詞，勛伯格作曲，特里沃·南與約翰·凱德合作編劇、導演。此劇最早是1980年巴黎演出的法語版本，麥金托什為其音樂所激動，決定重新製作，由芬頓將法語歌詞譯成英語，並請詩人赫伯特·克萊茨梅對歌詞重新修改加工，成為通行的英語版本。繼1985年10月在倫敦首演、1987年3月在百老匯隆重推出以來，至今已在33國家、200多個城市用21種不同語言演出過 54種製作版本， 該劇在世界范圍內獲得了50多個重要國際獎項。
2002年6月22日美國國家巡演團在中國上海持續演出22場。上海大劇院的演出廣告用大字寫道：「《悲慘世界》，創造歷史，首部中國上演的百老匯音樂劇。百老匯巨星康姆·威爾金森專程加盟，再度詮釋冉·阿讓。美國國家巡演團傾情演繹，上海大劇院震撼巨獻。」國內外觀眾紛至沓來，大劇院門票告罄，劇場內掌聲雷動，此次演出成為上海文化生活的一大盛事。《悲慘世界》以逃亡的冉·阿讓與警探沙威周旋，終其一生逃避追捕迫害的故事為主線，多側面表現冉·阿讓捨己救人，給予苦難中的人們以同情和關愛的人道主義精神，史詩般地反映了19世紀法國三十年動盪歷程中人間的悲歡離合和人民大眾英勇抗爭的業績。
《悲慘世界》這部音樂劇貴在寫實，實在難得。其流動的舞台、巨大的轉盤、豐富的場景給觀眾留下了極為深刻的印象。
⑶ 如何提高教師在音樂劇教學活動中的表現力
德國著名哲學家、語言學家海德格爾視語言為人類的最後家園。語言承載著人類豐富的文化內涵。語言既是文化的重要載體，本身也是一種文化藝術。語言的文化功能決定了教師語言藝術賴以生存的物質外殼——語音，決不是單純地從人類發音器官發出的聲音，而是有著豐富內涵的結合體。
作為一名教師首先要注意錘煉自己的說話藝術，要有意識地練習自己的口才。說到底，教師也是靠口才吃飯的。教師是依靠語言來傳播文化、傳授知識的，口才是教師最大的資本。一名教師，即使做不到口若懸河、滔滔不絕，但最起碼要讓我們的語言生動有趣，融知識性與趣味性於一體，這樣學生才會喜歡我們的課，想學、愛學、樂學、學會。明明是同樣的講課內容，由於表達方式與技巧的不同，給予對方的感受和收獲大有不同。一個說話沒有標點、沒有抑揚頓挫、不懂語言藝術的教師，縱有再高深的知識，學生也不會喜歡聽他的課，難從他的手中學到真知。所以，我們必須在訓練自己的聲音上狠下功夫。
聲音是影響教師語言魅力的決定性因素。訓練自己的聲音，讓它協調、美妙、悅耳、動聽，應該是每一位教師的一門必不可少的必修課。我們可以採用數碼機進行錄音、錄像，有針對性地、反反復復地進行提升自己的聲音藝術表現能力的訓練。
1、幽默。幽默是課堂教學的潤滑劑和調味劑，是重要的、每一位教師必不可少的教學法寶。誰希望站在我們眼前的是一位整節課板著面孔、照本宣科的老師？教師懂得運用一定的幽默語言藝術，寓教於樂，既能放鬆學生緊張的心情，也能讓學生賞識你的「能力」，容易走近你，增強課堂教學的親和力，提高學習效率。幽默是金，幽默是一種才華，幽默是一種智慧。著名音樂教育家錢仁康說：「幽默是一切智慧的光芒，照耀在古今哲人的靈性中間。凡有幽默的素養者，都是聰敏穎悟的。他們會用幽默手腕解決一切困難問題，而把每一種事態安排得從容不迫，恰到好處。」
2、語調訓練。語調即說話的腔調，就是一句話里聲調的高低抑揚、輕重的配製和變化。在一段文章或一句話里，哪兒該輕，哪兒該重；哪兒該緩，哪兒該急；哪兒該抑，哪兒該揚，教師都要反復訓練，准確把握，成竹在胸，否則從頭到尾一個音，不但不能很好地講授教材的要旨，更激不起學生求知的慾望和學習的興趣。
3、聲調訓練。聲調是指說話聲音音節的高低升降形式，它主要是由音高決定的。在課堂上，我們的聲音是否太尖或太低或太嘶啞？過尖的聲調會刺激學生的聽覺神經，如芒在背，讓學生感到緊張、恐懼，甚至會嚇壞學生；太低的聲音，激不起學生學習的興趣；聲音嘶啞，更令學生反感。所以，我們要設法訓練自己的聲調，使自己的聲音變得協調、美妙、悅耳、動聽，這樣才能更好地傳情達意，傳授知識。前蘇聯教育家馬卡連柯說：「聲調的運用所以具有意義，倒不僅僅為了嘹亮地來談吐，而是為了更准確地、生動地、有力地表現自己的思想和感情。」
4、音量控制。音量指的是聲音的大和小。課堂上，有的教師聲音大如洪鍾，每每心情不暢，更是雷霆萬鈞；有的教師聲音小如蚊蟲低吟。其實，過大的聲音震耳發聵，容易導致學生的聽覺疲勞；過小的聲音讓學生聽不清楚，實在令人費解。所以，教師在課堂上，應控制好自己的音量開關，做到聲音洪亮、圓潤、飽滿，這樣才能激活學生的視、聽神經，激發學生學習的動機，提高學習興趣。
5、控制好語速。語速指的是教師語言的速度，即說話的快慢程度。有的教師說話快，語速則快，學生還未反映過來，一句話已完；有的教師說話慢，語速則慢，拖聲曳氣，學生容易產生厭倦感，「左耳不進、右耳不出」，使課堂教學缺乏生機和活力。所以，教師在課堂上，一定要把握好說話的速度，該快則快，該慢則慢，快慢結合，在有限的時間和空間里，傳達無限的信息。 6、注意停頓。教學語言中的停頓非常重要，如果一句話停頓不當，意思千差萬別。同時，停頓是為了讓學生更好地進行思考，確定次重點。教師停頓愈多，學生思考的空間也就愈大。如果教師採取滿堂灌，停頓少，學生思考的餘地盪然無存。試想，學生能接受得了嗎？所以，教師在課堂上，哪裡該停，該怎樣停，一定要心中有數，做到停頓有效。 7、發音訓練。雖然教師們都已取得相應的普通話等級證書，但教學中發音不準或夾雜方言或重復過多或存在口頭禪的現象時有發生。作為一名教師，一定要提高認識，加強發音訓練，能夠正確、流利地使用普通話教學，語言規范、發音準確、吐字清晰，杜絕有悖教學常理的各種不良現象的發生。
蘇霍姆林斯基說：「教師的語言修養在極大程度上決定著學生課堂上腦力勞動的效率。」教學其實是一門很大的語言藝術。如果你能注重加強這幾方面的訓練，那麼你的語言藝術的表現力一定會大有長進，不說像相聲演員一樣巧舌如簧，在課堂上也能從容應對。所以要想做一名出色的、有成就感的、令學生喜歡的教師，就必須設法提升自己的語言藝術的表現力，積累豐富的語言素養，講求恰當的表達方式，力求自己的教學語言生動、幽默，富有粘性、磁性，從而激發起學生求知的慾望，提高學習興趣和效率。
⑷ 誰能提供幾個音樂專業方向畢業論文題目
音樂專業的論文題目有很多，下面學術堂整理了二十個好寫的論題，供大家參考：
1、多媒體技術在視唱練耳教學中的應用
2、高校音樂專業合唱訓練與視唱練耳的關聯互動
3、公民社會塑造過程中的高校職能研究
4、冷爵士的藝術風格研究
5、論歌唱中「聲」與「情」的關系
6、論民族聲樂藝術傳統的繼承與發展
7、論聲樂學習和演唱中心理調適的作用
8、論西方音樂劇的發展脈絡
9、論中國傳統音樂中「和」的審美內涵
10、論中國近現代聲樂演唱發展的多元化
11、論中國藝術歌曲的風格及演唱特點
12、淺述抗戰時期在重慶創作的音樂
13、淺談「微笑」在聲樂學習中的重要作用
14、淺談西方民族音樂對我國民族音樂的影響
15、如何將視唱練耳與基本樂理教學相互滲透
16、如何提高即興伴奏的能力
17、印度寶萊塢電影音樂的特點
18、由中國好聲音引發的思考
19、《試論民歌演唱方法訓練與民歌地域風格把握——以陝北民歌為例》
20、貝多芬鋼琴奏鳴曲《暴風雨》第一樂章中減七和弦的使用技法及其審美
⑸ 我是學音樂劇專業的想報考研究生，不知道如何報考和選擇專業，有哪位好心人指點一下啊
1、如何報考？
每年的9月研究生網上預報名，10月正式網上報名，11月現場確認，然後1月考試
2、選擇專業？
報考專業應該從自己的興趣出發，准確為自己定位。部分專業總體的報考人數比較多，但並非所有學校的競爭都很激烈，考生應該全面分析，不宜僅以報考人數來判斷專業的冷熱程度和競爭程度。而且不應該盲目的跟從大眾的潮流，報考所謂的熱門專業，應該從自己的實際出發，准確的為自己定位。
⑹ 排練音樂劇要注意哪些方面
教學理念]
國家音樂新課程標准指出：戲劇是一門綜合藝術，與音樂有著密切的關系。音樂與戲劇表演有利於培養學生的興趣愛好，拓寬藝術視野、提高審美能力。在教學中，應將音樂與戲劇表演相結合，重視表演及創編等實踐活動，發展學生的表演才能及創造才能。在教學上本著「以音樂審美為核心，培養興趣愛好；重視音樂實踐，增強創造意識」的理念，圍繞著《音樂劇》開展音樂活動，通過學生主動的探究學習、排演音樂劇，突出學生的主體性，使過去「被動的學」成為現在「主動的演」，在實踐中發展學生的表演才能和創造才能，從而提高學生的審美能力和鑒賞水平。
[教學目標]
1、 通過觀看音樂劇和探究性學習，讓學生了解構成音樂劇的主要元素、音樂劇的起源與發展及藝術特徵；
2、 通過排演音樂劇名著片段和創作小型音樂劇，使學生得到情感體驗的同時，發展其表演才能及創造才能。
[整體描述]
《走進音樂劇》是一個單元內容，本單元分四個課時完成，首先組織學生觀看音樂劇《貓》，從感性上了解構成音樂劇的三大要素；然後提出有關音樂劇的問題，讓學生分組課後查找資料進行探究性學習，從理性的角度進一步了解音樂劇；接著讓學生分組創作表演音樂劇《悲慘世界》的片段。
學生在排練演出中獲得情感體驗，培養了學生們的合作精神；把音樂劇的學習再運用到創作實踐中，使學生在創作中獲得了經驗，提高學生們學習的興趣，發展學生的表演才能及創造才能。
[分段敘述]
上課時，首先問學生：「你們知道《雪狼湖》嗎？」
生答：「知道！是張學友主演的。」
生：「前陣子在廣州演過」
生：「是一部感人的愛情故事」
生：「那裡面的歌曲很好聽的」
生：「我想去看可是票價太貴了」
（同學們七嘴八舌的議論開了。）
師接著問道：「那麼知道它是屬於什麼藝術形式嗎？」
（學生們沒有人能回答上來）
師提示到：「歌劇？舞劇？」
馬上有不少同學搶答到：「音樂劇！」
師說：「對了！那麼你們了解音樂劇嗎？什麼是音樂劇呢？你們看過音樂劇嗎？」
同學們都搖頭說沒有看過音樂劇，不了解音樂劇。
師繼續說道：「我這里有一部非常著名的音樂劇《貓》，你們想看嗎？」
幾乎是全班同學一起回答說「想！」
（在這個環節里，主要是想通過學生關心的《雪狼湖》拉近師生間的距離，抓住學生的心，同時吸引學生的注意力，激發他們學習音樂劇的興趣。）
在觀看過程中，同學們非常專注的觀看，時不時會發出一些贊嘆聲和笑聲，當聽到歌曲《回憶》時，全班同學不約而同的：「啊？這首啊！」「莎拉德曼唱的那首歌啊！」「原來是《貓》裡面的歌曲呀」
（我在進行教學設計時故意安排的，我知道當學生聽到這首歌曲時必然會有反映，其目的就是為了讓學生知道其實他們平時喜歡唱的英文歌曲，大多數是世界名曲，音樂課欣賞的作品不是只有民族和古典的作品，也有他們喜聞樂唱的現代通俗作品。藉此改變學生對音樂課的偏見。）
觀看結束後，我說：「請同學門自己總結一下什麼是音樂劇?」
生說：「音樂劇是又歌又舞的藝術形式。」
生：「音樂劇由音樂、舞蹈、戲劇組成」
生：「音樂劇的表演是又唱又跳，還有故事情節」……
最後教師歸納「音樂劇是當代西方國家通俗音樂戲劇的簡稱。是集歌劇、舞劇與話劇表演為一體的新型舞台戲劇形式。」
師又問：「構成音樂劇的三大要素是什麼？」
學生們異口同聲的回答。「音樂、戲劇、舞蹈」
師說：「很好！那麼三者間是怎樣的關系？」
生回答：「戲劇是基礎，音樂是靈魂，舞蹈是重要的表現形式」
（學生通過觀看音樂劇都能說出構成音樂劇的三大要素，並概括出三者間的關系。這里設計的目的是培養學生的觀察能力和概括能力。）
師又進一步提出：「音樂劇是如何發展起來的？音樂劇有哪些藝術特徵？音樂劇和歌劇和傳統戲曲形式上有何異同？音樂劇有哪些經典名著以及它們的藝術成就？音樂劇與歌劇的唱法有何不同？音樂劇與歌劇的樂隊有何不同？音樂劇主題的出現有哪幾種形式？
我請學生們課後分組查找資料，進行探究性學習，並把探究成果在課堂上展示，和大家共同分享。
（這個環節的目的是學生在查找資料、尋找答案時，要對各種資料進行學習和篩選，這就是一種學習過程。在這過程中學生們掌握了知識，提高了自學的能力，體驗到成功的喜悅，從而培養了學生學習音樂的興趣，審美、鑒賞能力也得到提高。）
生：「這是我在網上查找到的資料，大家請看（投影展示）：20年代以前的音樂劇在英美有不同的歷史背景，在美國，它較多地受爵士樂、踢踏舞、喜劇性話劇和含有歌唱的喜劇的影響。在英國，音樂劇更多地與輕歌劇和話劇，特別是莎士比亞、莫里哀、易卜生的戲劇背景相關，舞蹈方面則更貼近芭蕾舞。」
生「這是我找到幾個音樂劇的音樂，請大家欣賞。」
（他給大家播放了《雪狼湖》、《歌劇魅影》、《悲慘世界》，課後我問他是從哪裡找到的，他告訴我，《雪狼湖》是在網上下載的，《歌劇魅影》和《悲慘世界》是在購書中心找的。）
生：「你們知道嗎？我們喜歡的電影《DO、LE、MI》是從音樂劇改編的，讓我們一起跟著音樂唱大家熟悉的《雪絨花》吧」
（在投影上展示譜例，全班齊唱）
生：「我找到音樂劇有四大名著，大家請看：（投影）《貓》、《歌劇魅影》、《西貢小姐》、《悲慘世界》，它們的藝術成就是……」
生：「……」（略）
這一節成果展示課。同學們踴躍的上講台展示探究學習的成果。
（這是一節學生探究性學習成果展示課，在這里大家一起分享成功的喜悅，其目的是培養學生的鑽研精神，充分調動積極性。「授人以魚，不如授人以漁」，教師不再僅是「傳授者」）
師小結，並布置學生課後創作排演音樂劇《悲慘世界》片段。
學生表演之後的討論激烈：「梁凡那組表演的《悲慘世界》最好！」
生：「不！李蕊那組好！他們表演的很大方，特別是劉萬薇把柯賽特那種恐懼、憂傷但內心還有美好夢想的性格表現出來了。而且，她的聲音很美。」
生：「梁凡演的雅維特不夠趾高氣昂，有點溫和了。」
生：「梁凡那組的男生表演的比李蕊那組好，他們演唱的《聽吧！人民在歌唱》沒有跑調，李蕊那組變化音沒唱准了，三連音也不準確。」
生：「我們剛才在演出時，心裡很緊張，有些安排好的動作都沒有完成。大家在表演時也都比較害羞。」
生：「我認為我們組不錯，大家都很認真，第一次上台演出，難免會有一些出錯的地方，大家應該原諒的。」
生：「當演員是要有想像力的，我演柯賽特時就想像著我就是她，沒有飯吃，還要做很多的活，在演唱時就想像著，體會她的心情。老師說的沒錯，沒有想像力就當不好演員，演不好戲。」
生：「梁凡組的注意到服裝的運用」
生：「梁凡組最後那首歌曲唱出了起義者憤怒的聲音」
生：「……」（略）
學生們對剛才兩個小組的表演各抒己見，進行認真的自我評價和相互評價。
（其目的是讓學生在實踐活動中獲得戲劇表演體驗，展現和鍛煉自己的表演能力，通過自我評價和相互評價，使學生獲得經驗，提高學生的審美能力和鑒賞能力。）
教師小結結束此單元
[教學反思]
反思本單元《走進音樂劇》的教學，成功之處是在教學方法上改變了過去那種教師自己收集資料、製作做課件、認真備課，學生被動接受的方法，而是採用了開放式教學，大大提高了學生學習音樂的主動性和積極性。
首先從學生感興趣的話題切入，抓住學生的心，激發他們學習的興趣，然後通過觀看音樂劇——查找收集資料——創作表演，學生的學習從感性上升到理性，再從理性回到感性的過程，在這個過程中，學生的學習不再是被動的，而是在興趣支配下主動的進行探究學習。
在音樂實踐的過程中得到情感體驗，通過自評和互評學生的審美能力也得到提高。充分的體現了學生的主體性。學生的表演雖然還不是很成熟，但是他們很認真，可見在課間是有練習的。領唱的同學能注意歌曲演唱時的情緒，對人物性格的把握，在演唱中適當的加入了舞蹈動作。也能注意服裝、道具的使用。同學間的相互評價也很客觀、公正，對演唱者的音準、節奏提出意見，還對表演者的表演、服裝道具的使用等方面均做出評價。在評價中大家相互學習，審美能力在潛移默化中得到提高。
不足之處就是我國音樂劇素材比較少，學生平時對它了解、學習不夠充分，以後要注意加強民族作品的學習。
[專家點評]
本課執教的老師是一個有豐富教學經驗、有綜合駕馭課堂能力的音樂教師。本單元《走進音樂劇》教學內容是高中音樂學習自選模塊中學生喜歡並能充分綜合施展藝術才能的學習領域。案例中顯著特點有：一、教師能依據新課標精神擬定的教學目標切合實際。二、從學生感興趣音樂話題入手，創設情境。三、採用藝術感受和參與實踐增強親身體驗。使學生充分了解音樂劇的情感表現，除了靠音樂藝術自身的表現力、感染力之外，往往也藉助姊妹藝術的一些手段和特徵，如戲劇情節、舞蹈的生動體態和節奏律動、文學的語義詩意等。四、教學過程中還注重了自評、互評、實施過程性評價與研究性學習等多種手段。
音樂戲劇課程模塊的教與學能讓每個學生都有成功感，達到藝術能力、審美意識和審美情感的逐步形成和提高，讓學生啟迪更深，收獲更多這就是我們每位音樂教師的最高期望。
⑺ 音樂劇論文格式是怎樣的
論文格式
1、論文格式的論文題目：（下附署名）要求准確、簡練、醒目、新穎。
2、論文格式的目錄
目錄是論文中主要段落的簡表。（短篇論文不必列目錄）
3、論文格式的內容提要：
是文章主要內容的摘錄，要求短、精、完整。字數少可幾十字，多不超過三百字為宜。
4、論文格式的關鍵詞或主題詞
關鍵詞是從論文的題名、提要和正文中選取出來的，是對表述論文的中心內容有實質意義的詞彙。關鍵詞是用作計算機系統標引論文內容特徵的詞語，便於信息系統匯集，以供讀者檢索。每篇論文一般選取3-8個詞彙作為關鍵詞，另起一行，排在「提要」的左下方。
主題詞是經過規范化的詞，在確定主題詞時，要對論文進行主題分析，依照標引和組配規則轉換成主題詞表中的規范詞語。（參見《漢語主題詞表》和《世界漢語主題詞表》）。
5、論文格式的論文正文：
（1）引言：引言又稱前言、序言和導言，用在論文的開頭。引言一般要概括地寫出作者意圖，說明選題的目的和意義, 並指出論文寫作的范圍。引言要短小精悍、緊扣主題。
〈2）論文正文：正文是論文的主體，正文應包括論點、論據、論證過程和結論。主體部分包括以下內容：
a.提出問題-論點；
b.分析問題-論據和論證；
c.解決問題-論證方法與步驟；
d.結論。
6、論文格式的參考文獻
一篇論文的參考文獻是將論文在研究和寫作中可參考或引證的主要文獻資料，列於論文的末尾。參考文獻應另起一頁，標注方式按《GB7714-87文後參考文獻著錄規則》進行。
中文：標題--作者--出版物信息（版地、版者、版期）
英文：作者--標題--出版物信息
所列參考文獻的要求是：
（1）所列參考文獻應是正式出版物，以便讀者考證。
（2）所列舉的參考文獻要標明序號、著作或文章的標題、作者、出版物信息。
按照上邊的論文格式來寫，可以使你的論文更加容易被讀者了解，被編輯採納。