唱音樂劇的

① 音樂劇和舞台劇的區別是什麼

1、兩者的定義不同

舞台劇，可以定義為呈現於舞台的戲劇藝術。舞台劇按內容可以分為喜劇、悲劇和正劇。

音樂劇早期譯稱為歌舞劇，是一種舞台藝術形式，結合了歌唱、對白、表演、舞蹈。通過歌曲、台詞、音樂、肢體動作等的緊密結合，把故事情節以及其中所蘊含的情感表現出來。

2、兩者的特徵不同

音樂劇的長度並沒有固定標准，但大多數音樂劇的長度都介乎兩小時至三小時之間。通常分為兩幕，間以中場休息。如果將歌曲的重復和背景音樂計算在內，一出完整的音樂劇通常包含二十至三十首曲。在戲劇表達的形式上，音樂劇是屬於表現主義的。

舞台劇的劇情可以原創也可以根據小說、動漫、電視劇、電影等改編而來。舞台劇基本上採用「演唱+舞蹈+對白」這樣的形式，再加上是現場演出，所以對演員的要求非常高。另外還不可避免的涉及到音樂、劇本、造型、舞台設計、燈光等專業技能，所以一台成功的舞台劇所具備的條件是很苛刻的。

3、兩者的分類不同

音樂劇是由百老匯、黑人、倫敦西區、世界音樂劇等組成。

舞台劇是由歌劇、舞劇、話劇、啞劇、詩劇、偶發劇、木偶劇等組成。

② 世界十大經典音樂劇是什麼啊

只知四大音樂劇
1《貓》

《貓》是英國作曲家安德魯"勞伊德"韋伯的撼世傑作，該劇無與倫比地囊括了1983年百老匯的七項托尼獎，並包攬了倫敦紐約所有戲劇大獎。該劇曾被授予「世紀音樂劇」的稱號，自1981年倫敦首演以來，其間在美、日、法、德等國公演，都造成了前所未有的轟動，往往一票難求，至今仍是紐約百老匯及倫敦最賣座的音樂劇。源於此劇的經典情歌《回憶》（ M emory）早已家喻戶曉，堪稱音樂劇史上的一部不朽名曲

2〈歌劇魅影〉

安德魯·洛依德·韋伯(Andrew Lloyd Webber)英國著名音樂劇作曲家。1994年韋伯名列《戲劇周刊》雜志編寫的美國戲劇界最有影響力的100人之榜首。在美國和英國以及全世界，任何一個時候，都至少有他的十幾個巡迴演出團在各大城市演出韋伯的音樂劇。
他為其父寫的"安魂曲"和他的"變奏曲"合起來製成的專輯成為銷量最大的專輯，以及後來的"首演集"專輯成為三倍白金輯(即銷量超過六萬百萬套)。韋伯的第二個妻子薩拉-布萊特曼演唱的"安魂曲"中的流行單曲，進入英國前10名排行榜。1996年為巴塞羅那奧運會創作會歌"生命之友"。韋伯是改寫音樂劇歷史的最偉大的音樂家之一。
附：韋伯經典音樂劇：《貓》、《艾薇塔》、《歌劇魅影》

劇情簡介：
《歌劇魅影》，Phantom of the Opera，韋伯的經典之作，四大音樂劇之首，被奉為音樂劇的代表。改編於法國作家卡斯頓·勒胡（Gaston Leroux）的小說《Le Fantom De L'opera》。它在當時其實並不是很有名的小說，但是在二十年代，它卻成為無聲電影和早期恐怖電影的寵兒。即使是中國，解放前也有一部《夜半歌聲》是根據此書改編的，可見其影響力之大。本來是一個可怕的故事，韋伯卻把Phantom寫成了一個有知識有靈魂的，優秀的建築師、作曲家、魔術師，他的悲劇是愛上了美麗的Christine。與之前的導演相比，韋伯筆下的Phantom多情、邪氣、才華橫溢又專一，生活在黑暗的另一個世界。
在音樂劇里的Christine既深愛著Raoul，但也被才華橫溢的Phantom，以及他所代表的黑暗與神秘，所吸引。這樣華麗刺激的戀情，也許是所有女人的幻想。古老的巴黎歌劇院下面，深得不知多少尺的地底，漆黑水面上的小船，船頭上站著的黑披風白面具的神秘客，恐懼和渴望，刺激又浪漫.
《Phantom of the Opera》這首歌了。莎拉.布萊曼的高音和克勞福德華美的中音完美結合，歌者激情澎湃，聽者波濤洶涌，營造了陰森緊張氣氛。另一首是男聲獨唱《the music of the night》也很經典，克勞福德用低緩的聲音慢慢地傾訴著戀愛時心理改變，溫柔細膩，傷感期待。

3〈悲慘世界〉

改編自雨果同名文學巨著的經典音樂劇《悲慘世界》，音樂劇《悲慘世界》的始作俑者—法國人阿蘭·鮑伯利和米歇爾·勛伯格，都曾是音樂劇的狂熱歌迷。1971年，兩人在紐約觀看了韋伯的音樂劇《萬世巨星》，由此萌發出創作一部史詩風格的音樂劇的想法。兩人從韋伯的經典音樂劇《萬世巨星》和《艾維塔》中汲取了相當多的靈感，令其既有史詩般的壯麗，又不乏流行文化的精華。1978年，鮑伯利和勛伯格在巴黎「奇跡般地」完成了這項宏偉的工程。

1980年秋，長達兩個小時的音樂劇《悲慘世界》在巴黎體育館首演。令人難以置信的是，它竟然被硬插在了拳擊和馬戲表演之間，並在上演後的第十六周便被迫收場。哀嘆之餘，曾經把《貓》成功包裝上音樂劇舞台的英國著名演出製作人麥金托什找到了鮑伯利和勛伯格，下決心要把《悲慘世界》搬到「世界歌舞之都」—百老匯。三人一拍即合，6年後，重新包裝後的《悲慘世界》落戶百老匯，並正式踏上了國際舞台。

作為一部大型音樂劇，《悲慘世界》聘用的演員總數為421人，幕後的員工更高達1633人。該劇之所以能連演16年而不衰，除了故事和主題的歷久彌新、真切感人外，演員的專業、音樂的動人以及場景的變換等，也都是引人入勝的原因。例如主角冉·阿讓在大戰前夕祈禱上蒼保佑養女珂賽特的愛人馬呂斯的獨唱《讓我死，讓他活》，其神情之懇切、旋律之優美，令人過耳難忘；再者，《悲慘世界》的編導破天荒地利用大型轉台，將革命青年和巴黎市民共同堆砌的「戰壕」逼真地呈現出來，加上慷慨赴沙場的激昂軍樂和充滿火葯味的槍聲、爆炸聲，令觀眾如身歷其境，達到了比電影還要真實的震撼體驗。

4〈西貢小姐〉

1989年製作的類似《蝴蝶夫人》故事的音樂劇。故事發生在越南戰爭中，講述了一個美國兵和痴情的越南舞女的戀情故事。

曲作家 Claude-Michel Schonberg 和詞作家 Alain Boublil 在是看到一張照片之後得到的靈感。照片上是一個越南女孩正要登上從胡志明市飛往美國的飛機，去見她從未謀面的曾經在越南當兵的父親。女孩的母親握著她的手，知道她一去就再也見不到她了。Schonberg 和 Boublil 覺得母親的沉默和女孩的淚水表現了由戰爭摧毀的相愛的人們的生活。

世界十大經典歌劇全劇

1.費加羅的婚禮（四幕喜歌劇）
費加羅的婚禮（四幕喜歌劇）莫扎特曲。寫於1785年12月到1786年4月間。洛倫佐·達·彭特根據法國博馬舍的喜劇《費加羅的故事》三部曲第一與第二部改編而成。1786年由莫扎特親自指揮初演於維也納。劇情：費加羅要結婚了，新娘就是伯爵夫人羅西娜的女侍蘇珊娜。生性浪漫的伯爵對妻子羅西娜不忠而在追求蘇珊娜，故對費加羅的婚事多方阻撓。羅西娜的前監護人、醫生巴爾托羅及其女管家馬契麗娜也各自抱有個人目的加以阻撓。蘇珊娜既要躲避伯爵的追求，又不便公開冒犯他。後來，在費加羅和羅西娜的幫助下，她運用智慧和膽略，做出許多男子所不能為和不敢為的巧妙的事情，迫使伯爵不得不跪在羅西娜面前為自己種種不名譽的行為陪罪。蘇珊娜自己通過斗爭終於與費加羅結成良緣。

莫扎特的這部歌劇在廣泛運用各種重唱形式來表達復雜的戲劇內容，運用新鮮活潑的音調來刻劃現實生活中活生生的人物形象，運用管弦樂隊來完成最多樣的藝術等方面的成就是前無古人的。劇中費加羅的詠嘆調是一首流傳極廣的男中音獨唱曲，帶有三段體分節歌性質。前段於鏗鏘有力的音調中，具有動聽的歌唱性；中段加強了宣敘色彩，固定音型的反復出現，與樂隊對話似的短樂句的運用，使雄壯中露出俏皮幽默的特性。第三幕蘇珊娜和伯爵夫人的二重唱，先後出現兩個聲部交叉以及歌唱與樂隊的補充性對比，最後聲部交織形成三度疊置，使這一旋律優美、交叉巧妙的二重唱成為置公爵就範的不露端倪的重要唱段。第二幕公爵的男侍凱魯比諾的詠嘆調《你們可知道，什麼叫愛情》，以詼諧的手法把他幻想愛情但又得不到愛情的復雜而奇妙的心情刻劃得十分生動，至今仍傳唱不衰。烘托喜劇的歡樂氣氛的序曲，常被單獨演奏，這是一個省略了展開部的奏鳴曲式，音樂材料雖然不是來自歌劇中，但是不難從中看到費加羅機警、幽默的形象，和蘇珊娜聰慧美麗的倩影。
2.阿伊達（四幕歌劇）
阿伊達（四幕歌劇）埃及總督帕哈為慶祝1869年峻工的蘇伊士運河工程約請威爾第創作。原著貝伊，由基斯蘭佐尼據羅科爾的法文本譯成義大利韻文。劇情：在埃及法老時期，埃及軍統帥、青年勇士拉達米斯奉命率軍迎擊衣索比亞軍入侵。他的戀人阿伊達原是衣索比亞國王阿莫納斯羅的女兒，因戰敗被俘，隱瞞身份，在埃及公主安涅利斯身邊當一名女奴。拉達米斯的出征，使她處於極度矛盾中。公主也愛著拉達米斯，看到他和阿伊達之間的愛情，妒火中燒，千方百計折磨阿伊達。拉達米斯凱旋歸來，並將阿伊達之父俘獲。為嘉獎他的戰功，埃及王把公主許配給他。但拉達米斯只愛阿伊達，阿莫納斯羅利用這一點，用計從他口中探得重要軍事情報後逃走了。拉達米斯被判為叛國罪而等待處死，阿伊達在地下石窟中等著他。最後，這對情人之死完成了歌劇的悲劇使命。

該劇一開始的拉達米斯浪漫曲，前段是宣敘調，雄壯果敢，間以銅管輝煌嘹亮的伴奏，顯示這位青年統帥的英武挺拔；後段是詠嘆調，旋律熱情奔放，抒發他對阿伊達熾熱的愛情。第一幕終曲祭司們的誦經合唱，運用增二度音程的特殊進行，充滿奇異而迷人的東方色彩。第二幕中公主與阿伊達的二重唱，把公主的妒忌、傲慢和機靈詭譎，以及阿伊達純潔、真摯和忍辱負重的性格特徵刻劃得栩栩如生。第三幕阿伊達的浪漫曲，樂隊先後奏出阿伊達的主題和帶有異國情調的樂句，勾起她對故國的懷念。第四幕公主與拉達米斯的二重唱，把公主對拉達米斯由恨而愛，轉而祈求、悔恨的內心轉變過程極為成功地描繪出來，是所有歌劇中由次女高音演唱的最有名的唱段
3.茶花女（四幕歌劇）
茶花女（四幕歌劇）作於1853年，威爾第曲。劇本由義大利作家皮阿威根據小仲馬的同名悲劇小說改編而成。同年3月初次演出於維也納。劇情：薇奧萊塔原是周旋於巴黎上流社會的名妓，為青年阿爾弗萊德真摯的愛情所感，毅然拋棄紙醉金迷的生活，來到巴黎近郊與阿爾弗萊德共同釀造愛情的蜜。但是，阿爾弗萊德的父親喬治歐激烈反對，強要她承諾與他的兒子斷絕來往。為了顧全阿爾弗萊德的家庭和幸福，她決心犧牲自己的愛情，忍受著內心的極大痛苦，重返風月場。阿爾弗萊德誤以為她變了心，盛怒之下，在公開場合羞辱了她。薇奧萊塔信守對喬治歐的諾言，未向自己的情人道破真情，但患有肺病的身體承受不了這一致命打擊，就此卧床不起。不久，喬治歐良心發現，把全部真情對兒子言明。但當阿爾弗萊德回到薇奧萊塔身邊，她已經奄奄一息了，疾病和不公正的社會奪去了她的愛情和生命。

音樂以細微的心理描寫、誠摯優美的歌調和感人肺腑的悲劇力量，集中體現了中期威爾第歌劇創作的基本特點。序曲採用第二幕中的愛情主題和下行的悲愴動機，對全劇作了提綱挈領的概括。第一幕的《飲酒歌》，是以單二部曲式為基礎的分節歌，輕快的舞曲節奏，明朗的大調色彩，以及貫穿全曲的大六度跳進的動機，表現阿爾弗萊德借酒抒發他對真誠愛情的渴望和贊美，洋溢著青春的活力。薇奧萊塔的詠嘆調，則表現女主人公復雜微妙的心理矛盾。前半部分表現她初次感受到愛情時內心的波動，音調誠摯、直率；後半部分表現她對愛情的大膽追述和渴望，大跳的音調反映了她內心抑制不住的喜悅。終場的二重唱，是一個感人的音樂場面，第一段中近乎口語式的急切語調，是這一對久經磨難的情人終又重逢時狂喜而激動心情的描寫；第二段的分節歌洋溢著浪漫曲的抒情氣質，抒發他們對愛情和幸福的嚮往。但後來，與阿爾弗萊德熱情奔放的旋律交織一起的微奧萊塔聲部中，出現了半音滑行的痛苦呻吟的音調，並逐漸發展擴大，最後占據了主導地位。威爾第應用這種對比手法，刻劃了垂死的薇奧萊塔對愛情至死不渝的追求，揭示了歌劇深刻的悲劇主題，具有震撼人心的戲劇力量。

4. 費德里奧（二幕歌劇）
費德里奧（二幕歌劇）貝多芬曲。約瑟夫·宋雷特納和喬治·特雷契克根據尼古拉斯·布約利的劇本改編。1805年初演於維也納。劇情：貴族唐·弗洛列斯坦因反對暴政而身陷囹圄，政敵皮查羅陰謀將他慢慢餓死在獄中。弗洛列斯坦的妻子利奧諾拉為營救丈夫，女扮男裝，化名費德里奧混入監獄，充當獄卒的助手。由於她的照料，弗洛列斯坦倖免於死。最後，當正直的國務大臣將來查監，皮查羅懼怕陰謀敗露而決意親自殺害弗洛列斯坦時，費德里奧奮然舉槍保護丈夫，使皮查羅不能下手。隨即，國務大臣到，費德里奧明示自己的身分，並為丈夫申訴冤情，終使沉冤昭雪。

歌劇共有四首序曲，其中三首取名為《利奧諾拉》，一首為《費德里奧》。《利奧諾拉序曲》第三首，是運用主題材料與結構概括地表現歌劇內容的第一部偉大的序曲，是全歌劇的縮影，也是當今歌劇序曲中著名的一首。開幕前奏的《費德里奧序曲》緊扣全劇主題，突出表現了女主人公利奧諾拉的英雄性格，歌頌了她對愛情的忠貞和不屈精神。序曲的引子以兩個對比的音樂形象——利奧諾拉的果斷、剛毅的動機和弗洛列斯坦的悲嘆音調——的交替更迭作為開端，接著由弦樂的震音和弦，烘托出牢獄中陰森、不祥的氣氛。繼而，呈示部出現了英雄性格的第一主題，剛中見柔，顯示出女主人公喬扮男裝後的精神風貌，在樂隊全奏後，機智而富於動勢的第二主題陳述出來
從中彷彿看到了她為援救丈夫而勇敢行動的矯捷身影。展開部以第一主題的材料加以發展。輕柔纏綿的音響，顯示出主人公的女性柔情，生動地刻劃了利奧諾拉與弗洛列斯坦之間深摯的愛情。隨後，呈示部的主題到再現，引子中兩個對比的音樂動機復出，但已不是絕望的呻吟，而是細膩地表現了主人公在勝利時刻悲喜交加的復雜心理，並在勝利凱旋般的輝煌音響中結束。歌劇的聲樂也很出色，如第一幕中，當利奧諾拉在暗中得知皮查羅要殺害自己丈夫的陰謀時，情緒異常緊張，唱了一段富於戲劇力量的宣敘調，很好地表達了她的憤慨情緒。接著又唱了一段美麗、動聽的詠嘆調《來吧，希望》，表達了她對愛情的忠貞和對未來充滿希望的信念。

5.浮士德（五幕歌劇)
浮士德（五幕歌劇）古諾曲。劇本由巴比亞和卡雷根據哥德的同名詩劇改編。於1859年首演於巴黎。劇情：年邁的哲學家浮士德十分羨慕青年們的活力，於是祈求魔鬼給他以返老還童的幫助。魔鬼梅菲斯托費利斯對浮士德說：如果你肯出賣自己的靈魂，不僅能返老還童，而且還可以得到一個名叫瑪格麗特姑娘。浮士德允應後，就喝下魔鬼的葯，果然變成英俊少年。後來魔鬼又施展魔法，使浮士德騙得了瑪格麗特的愛情。可是，當瑪格麗特懷孕後就被浮士德遺棄了。在一次決斗中，浮士德又將瑪格麗特的哥哥瓦倫丁刺死。瑪格麗特因受刺激而神經錯亂，殺死了自己的孩子而被囚。浮士德見此情，深感震驚，進入牢房要帶她逃走。但垂死的瑪格麗特已不認得他。這時魔鬼抓住浮士德，要他的靈魂，而天使引導瑪格麗特進入天國的歌聲使浮士德得到了解脫。

音樂成功地描繪了劇中人物的各種性格。如第二幕開場合唱後出現的瓦倫丁的《全能的上帝，慈愛的上帝》，是一首帶有宏偉庄嚴性質的詠嘆調。第三幕是重要的抒情場面。一直愛著瑪格麗特的西貝爾以圓舞曲節奏作為支柱的浪漫曲《請你告訴她》，充滿著溫柔和抒情的美。而浮士德所唱的詠嘆調《純潔的小屋，向你致敬》，是一種景仰和忐忑不安的復合感情。瑪格麗特的性格在敘事曲《從前有點陣圖勒王》中表現得很朴實，而在花腔女高音都喜愛唱的《珠寶之歌》這首豪華的圓舞曲式的詠嘆調里，則顯得情不自禁和虛榮。第四幕中的《士兵進行曲》，是瓦倫丁與士兵出征歸來時唱的，豪邁雄壯，富於動力和生氣，反映了士兵勝利凱旋時的喜悅心情，是一首膾炙人口的著名合唱曲。
6.蝴蝶夫人（三幕歌劇）
蝴蝶夫人（三幕歌劇）晉契尼曲。伊利卡和賈可薩根據貝拉斯可劇本改編。 1904年 2月 17日首演於米蘭。劇情：天真活潑的日本姑娘巧巧桑，人稱「蝴蝶姑娘」，為了愛情而背棄了傳統的宗教信仰，委身於美國海軍上尉平克爾頓。婚後不久，平克爾頓隨艦回國，一去三年杳無音信。巧巧桑於艱難中深信有一天他會回到自己的懷抱。平克爾頓回國後卻另有新娶，早把蝴蝶夫人置於腦後。當他偕美國夫人重登長崎時，悲劇無可避免的發生了：穿著新婚禮服徹夜苦候的蝴蝶夫人終於明白了一切，她交出了伶俐的兒子，當平克爾頓來到時，吻劍自盡了。

這是一部抒情性的悲劇。普契尼在音樂中直接採用了《江戶日本橋》、《越後獅子》、《櫻花》等日本民歌來表明蝴蝶夫人的藝妓身份和天真心理，具有獨特的音樂色彩。在第一幕的結尾，平克爾頓與蝴蝶夫人舉行婚禮後，有一段抒發愛情的二重唱，旋律優美動聽，流暢悅耳，其中蝴蝶夫人純潔、溫柔而又膽怯、羞窘的感情，交織著平克爾頓充滿著強烈情慾的綿綿情話，融化成一種共同的激情，最後，在明朗熱情的愛情主題的音響中結束。第二幕當平克爾頓回國後，女僕不相信他還會回來，忠於愛情的蝴蝶夫人一面向她解釋，一面卻不停地幻想著在一個晴朗的早晨，丈夫乘兵艦歸來的幸福情景。她面向大海，深情地唱出著名的詠嘆調《晴朗的一天》。這里，作者運用了朗誦式的抒情旋律，細致地揭示了蝴蝶夫人內心深處對幸福的強烈嚮往。

特別是當蝴蝶夫人唱到「誰來了，誰來了」以後，曲調由平穩的2/4拍轉入急促的4/8拍，音調和咱詞漸趨密集，幾乎近似富於表現力的滔滔說白，形象地勾畫出她盼望丈夫回來的迫切而真摯的心情。這種寬廣而優美動聽的旋律與富有表現力的近乎說話的聲音相交叉，形成普契尼歇劇的一種特有的風格
7.卡門（四幕歌劇）
卡門（四幕歌劇）比才曲，作於1872年。梅爾哈克和阿勒維根據梅里芙的同名小說改編。1875年初次演出於巴黎。劇情：煙廠女工卡門是一個漂亮而性格堅強的吉卜賽姑娘。她愛上了軍曹霍賽，運用自己罕有的女性魅力使霍塞陷入情網。霍塞不但因此舍棄了原來的情人——溫柔而善良的米卡埃拉，而且因放走了與人打架的卡門而被捕入獄，後來甚至與上司祖厄加少校拔刀相見，不得不離開軍隊，加入卡門所在的走私販行列。但此時卡門卻早已與鬥牛士埃斯卡米里奧海誓山盟了。於是導致霍塞與埃斯卡米里奧之間的決斗。決斗中卡門又明顯地袒護鬥牛士，更使霍塞難以忍受。隨即盛大而熱烈的鬥牛場面開始了，正當卡門為埃斯卡米里奧的勝利而歡呼時，霍塞找到了她。倔強的卡門斷然拒絕了他的愛情，最後終於死在霍塞的劍下。

這是一部以合唱見長的歌劇，各種體裁和風格的合唱共有十多首。其中煙廠女工們吵架的合唱形象逼真，引人入勝；群眾歡度節日的合唱歡快熱烈，色彩繽紛。歌劇著力刻劃了女主人公卡門鮮明而復雜的性格。劇中描寫卡門的主導動機，又稱為「命運動機」，這個具有匈牙利或吉卜賽音階特徵（包含兩個增二度）的動機貫穿於全劇，在關鍵處不斷地預示或點明這部歌劇悲劇的結局。第一幕中卡門所唱的哈巴涅拉《愛情就象一隻不馴服的鳥》，是表現卡門性格的一首歌曲。它通過連續向下滑行樂句的不斷反復，調性游移於同名大小調間，以及旋律始終在中低音區的八度內徘徊等特徵，表現了卡門熱情奔放、魅力誘人的形象。第一幕中另一首西班牙塞吉第亞舞曲帶有詠嘆調性質，以鮮明活潑的節奏、熱情而又帶有幾分野氣的旋律，進一步展示了卡門潑辣的性格。第二幕中的《鬥牛士之歌》，是埃斯卡米里奧答謝歡迎和崇拜他的群眾而唱的一首歌。它採用單二部曲式（主、副歌形式）與分節歌的結合，雄壯的音調，有力的節奏，宛若一首凱旋的進行曲。第三幕占卜一場，卡門與兩位女伴的三重唱，對卡門作了深刻的心理刻劃。歌曲採用迴旋曲的形式，對比的幾個插部，調式、調性和節拍都與主部形成對比，而由卡門唱出的「不管洗多少遍，這些無情的紙牌，總告訴你死！」這深沉而哀傷的內心獨白，進一步揭示出卡門的悲劇命運。第四幕終場的二重唱，卡門音調冰冷和堅定的語氣，與霍塞先是熱烈，轉而祈求，最後絕望的旋律形成尖銳對比，具有扣人心弦的悲劇力量和強烈而緊張的戲劇性。這部歌劇是近百年來各國上演最多的經典作品之一。

8.普契尼：圖蘭朵
這部3幕歌劇據義大利劇作家戈齊（CarloGozzi，1720—1806）的5幕同名寓言劇，由阿達米（Giuseppe Adami）與席莫尼（Renato Simoni）撰腳本，作於1921—1924年，逝世前僅完成第三幕前半部分，後半部分由阿法諾續成。其故事素材似乎取自17世紀末介紹到歐洲的波斯《仙女之箱》。此劇1926年4月5日在斯卡拉歌劇院首演，指揮為托斯卡尼尼，首演之夜，劇情到第三幕柳兒自刎時，托斯卡尼尼放下指揮棒對聽眾說：「就在這里，普契尼放下了筆。」全劇首演為次日。
9.弄臣（四幕歌劇）
弄臣（四幕歌劇）威爾第曲。劇本由波亞維根據雨果的名著《國王尋樂》改編。1851年首演於威尼斯。劇情：主人公利哥萊托貌丑背駝，在孟圖阿公爵的宮廷中當一名弄臣。公爵年青貌美，專以玩弄女性為樂，引起有關朝臣們的不滿。而利哥萊托對朝臣妻女受辱的不幸大加嘲諷，得罪了許多人，終致失女之禍：他的愛女吉爾達，純潔娟美，公爵喬裝成窮學生暗中追求，騙得了她的愛情。朝臣們為了對利哥萊托施行報復，用計把吉爾達搶去，獻與公爵。利哥萊托為此悲憤至極，頓起殺心，以美色誘使公爵夜宿旅店，僱用刺客將他殺死。黎明前，當他從刺客手中接過裝有屍體的口袋，以為大功已成時，忽聞公爵高歌之聲，急忙打開口袋，裡面卻是女扮男裝，已經奄奄一息的吉爾達。原來，這個獲悉行刺計劃的少女對虛情假意的公爵一往情深，甘願為愛情而替公爵一死。是義大利歌劇中最傑出的兩首四重唱之一
10.魔笛
魔笛。這是莫扎特臨終前最後一部作品，同時也是他使民間歌唱劇得以提高的一部重要作品。劇本出自共濟會員施坎奈德爾和基塞克之手。1791年初次演出於維也納。劇情：埃及王子埃米諾為巨蛇追趕，危急中被夜女王的三個嬪妃所救。夜女王讓王子看自己的女兒帕米娜的像片，使他心中燃起了愛情的火焰，並誑稱帕米娜被伊西斯神廟大祭司薩拉斯特羅拐走，答應只要王子救出帕米娜，就把女兒嫁給他。埃米諾接受了這一使命，隨身攜帶夜女王所贈魔笛一支，另有快樂的捕鳥人巴巴基諾手執串鈴從旁相助。他們在象徵光明的薩拉斯特羅的幫助下，經受了種種考驗和曲折，終於實現了自己的理想：埃米諾和帕米娜幸福地結合，巴巴基諾也找到了自己稱心如意的情人巴巴基娜，而代表黑暗和邪惡勢力的夜女王和摩爾人終於被趕走。

③ 唱音樂劇和歌劇必需是高音嗎

唱歌劇也是分不同的人的啊。。。。。華強女高音自然會往高了彪，不然怎麼內叫花腔呢容，比較有代表的就是魔笛裡面的夜後（那高音那叫一個華麗啊。。。。。）
音樂劇其實也差不多，也得按譜子唱，讓你唱多高就得唱多高。。。。
不過不能不承認，大部分歌劇和音樂劇的女主角都是女高音，最少也是女中高音，有廣泛的音域和足夠明亮的嗓音（不然鎮不住台啊）才能更好的表現劇情啊對不？？
另外LS的提到張學友，好歹也是一代歌王啊。。。。。什麼叫也敢唱啊。。。。雖然我承認雪狼湖的運作模式我並不贊賞就是了。。。。。不過張學友的實力還是值得贊賞滴！！

順便糾正一下，小雪回復中方婷（真聲可唱至高音C，非真聲可唱至高音降E）和愛潘妮（真聲可唱至高音C，非真聲可唱至高音降E）其實都應該是女高音而非女中音，具體可以參見當年胎死腹中的LM中文版的角色說明。

還有引用水晶姐的回復，聲部是根據音色厚度亮度來分的，而不是根據你音域來確定的（感謝水晶姐指點）。

④ 請推薦十首比較經典的男高音唱的音樂劇歌曲。

1、《我的太陽》

《我的太陽》（O sole mio ）是一首創作於1898年的那不勒斯（拿波里）歌曲，這首歌曲流傳之廣，不僅是知名男高音如恩里科·克魯索、魯契亞諾·帕瓦羅帝、安德烈·波伽利等的保留曲目，也被諸如布萊恩·亞當斯等流行搖滾藝人演繹，同時是世界三大男高音歌唱家之一帕瓦羅帝的代表作。

2、《重歸蘇蓮托》

《重歸蘇蓮托》是一首著名的義大利歌曲。它由G·第·庫爾蒂斯作詞，由埃爾內斯托·第·庫爾蒂斯作曲。詞、曲作者是兄弟倆，哥哥作詞，弟弟譜曲。《重歸蘇蓮托》的曲調和歌詞都優美、抒情，在全世界廣為流傳。

3、《伏爾加船夫曲》

《伏爾加船夫曲》是一首由夏里亞賓創作、莫斯科雅闊夫演唱的俄羅斯歌曲。《伏爾加船夫曲》也是揭示了在沙皇統治下的俄國人民群眾處在水深火熱之中的歌曲。

《伏爾加船夫曲》是一首揭示了在沙皇統治下的俄國人民群眾處在水深火熱之中，他們忍辱負重，卻飢寒交迫，他們以堅韌不拔的精神，擔負起歷史所賦予的重任，踏平世界的不平的歌曲。

4、《游移的月亮》

《游移的月亮》（Vaga luna che inargenti）義大利作曲家貝利尼創作的一首曲調動人的抒情歌曲。音樂包含有無限的深情，簡潔透明，旋律清新動人。

表達了對姑娘的深深愛戀、歌曲伴奏旋律猶如月光傾瀉，令人沉醉於月色花影中，心中不免產生幾許感慨。如歌的行板猶如一首清新的小詩，歌曲魅力在於它純真的氣質，讓人置身於寧靜而又祥和的天籟之中。

5、《Time to Say Goodbye》

《Time to Say Goodbye》（告別時刻）（義大利語：Con te partiro）是一首義大利歌劇流行音樂，由弗朗西斯科·薩托利（Francesco Sartori）作曲、盧西奧·庫蘭特圖（Lucio Quarantotto）作詞。

6、《阿瑪麗莉》

《阿瑪麗莉》是義大利藝術歌曲，是卡契尼最具代表性的作品之一。由作曲家卡契尼作曲，瓜里尼作詞。是一首帶有濃郁宗教色彩的世俗性歌曲。《阿瑪麗莉》的音域不寬，但其旋律優美動聽，細膩感人。

卡契尼把《新音樂(nuove musiche)》這個名稱放在他於1602和1614年所發行的兩套牧歌作品集中，並很嚴謹地為每一首聲樂作品分別寫好了每一個裝飾音的唱法，禁止歌手自行即興發揮。

7、《我心裡不再感到青春火焰燃燒》

《我心裡不再感到青春火焰燃燒》是由家義大利作曲家喬瓦尼·帕伊謝洛G.Paisiello(1740-1816)作曲，尚家驤編譯。

歌曲選自歌劇《磨坊女》。磨坊的故事,最有關早出現在義大利作曲家喬瓦尼·帕伊西埃洛(1740-1816)1788年創作的歌劇《磨坊女》里。

此後關於磨坊姑娘的歌曲、歌劇開始在德國發展，舒伯特因此歌劇的影響在1826年創作了聲樂套曲《美麗的磨坊女》,是浪漫主義題材聲樂套曲的典範。並先後被貝多芬、帕格尼尼作為變奏曲的主題曲。

8、《讓我痛苦吧》

《讓我痛苦吧》是聲樂專業的義大利文必唱曲目之一。也譯作：《讓我痛哭吧》，又譯作《任我的淚水流淌》，作者：喬治·弗雷德里克·亨德爾。

義大利文曲目名稱： Lascia ch'io pianga。此曲曾被眾多歌唱家或歌手傳唱過。也是很多歌唱家非常喜歡的曲目之一。曾有莎拉布萊曼、巴托麗等歌者演唱過此曲。

9、《圍繞著我崇拜的人兒》

《圍繞著我崇拜的人兒》，義大利藝術歌曲、小詠嘆調，選自歌劇《奧龍泰阿》（Orontea），由義大利作曲家切斯蒂Antonio Cesti（1623-1669）作曲，尚家驤編譯。這首歌曲表現的是一種對愛人的親切而溫柔的感情，旋律優美，自始至終都很抒情。

10、《桑塔·露琪亞》

《桑塔·露琪亞》是一支那不勒斯（Napoli）船歌（barcarolla）民歌。在義大利統一過程中，1849年特奧多羅·科特勞（Teodoro Cottrau）把它從那不勒斯語翻譯成義大利（Italy），當作一首船歌出版。

它是第一首被翻譯為義大利語的那不勒斯歌曲。科特勞本人常被說成是該歌曲的作曲家。他的父親是一名出生於法國的作曲家和歌曲收集家。

⑤ 音樂劇有哪些唱法

老中青三代四種唱法
演繹民歌經典

民族、原生態、美聲、通俗四種唱法是目前民歌演唱中比較具有代表性的演繹方法，北京新春音樂會一直堅持「兼收並蓄」的原則，旗幟鮮明地提出「四種唱法唱民歌」，將四種唱法融匯在一台音樂會上進行展示，美聲、通俗、民族、原生態四種唱法都展現出了各自的優勢。在曲目安排上，新春音樂會全部以「耳熟能詳、膾炙人口」的民歌作為曲目，與小年夜、與春節充分呼應，能夠引起觀眾的民族認同感。2006北京新春音樂會通過老中青三代民族藝術家和青年歌手，帶給大家不同年代的經典民歌，如才旦卓瑪、郭頌是老一代的歌唱家，他們將現場演唱《新貨郎》、《丟戒指》、《翻身農奴把歌唱》、《北京的金山上》等上世紀五六十年代的經典歌曲；丁毅、聶建華、王宏偉、吳碧霞等中生代歌唱家將用他們最拿手的《山丹丹開花紅艷艷》、《贊歌》、《西部放歌》、《小河淌水》等經典旋律演繹大西北和雲南地區最具代表性民歌。而李瓊、哈輝、尤泓斐等蒙、藏、回、壯族和山西原生態的歌手也將通過新春音樂會這個舞台展現自己的風采和實力，《山路十八彎》、《女人歇不得》、《趕牲靈》、《想親親》、《三天路程兩天到》、《青藏高原》、《漁家姑娘在海邊》等經典民歌、電影歌曲、藝術歌曲都在精心的准備排練中。

四個民族的五位女歌手
同唱《一條大河》

去年新春音樂會上一首《山丹丹開花紅艷艷》，由無伴奏原生態清唱一遍，緊接著由交響樂團伴奏美聲演唱，可以說是開先河的演唱方式，帶給觀眾前所未有的感受，現場反響非常熱烈。今年的新春音樂會依然將保留這首好聽的歌曲，但卻是用交響樂隊伴奏的美聲唱法，聽上去會感到另一番韻味。今年最具韻味的一首歌將是電影《上甘嶺》中的插曲《一條大河》，將由蒙、藏、壯、漢四個民族的5位青年女歌手，用美聲、民族、通俗三種唱法分別演繹，主辦方希望觀眾在歌中聽到來自雅魯藏布江、長江、黃河，中華大地不同河流匯聚在一起的「和諧美妙」、不同韻味的歌聲。

《吉祥三寶》
首次唱響大會堂

去年在網上點擊率最高、最受歡迎的一首歌就是《吉祥三寶》，它將在人民大會堂首度亮相，布仁巴雅爾、烏日娜、英格瑪一家三口家庭組合，開創了北京新春音樂會的演唱形式的一次先河，據悉這首歌曲也進入了今年央視春節聯歡晚會的備選曲目，其火熱程度可見一斑。除了名家名曲以及多種唱法之外，本次音樂會的演唱組合也是多種多樣，既有獨唱、男女聲二重唱，也有三人家庭組合、四人男聲的表演唱，同時也有樂曲《春節序曲》等。

⑥ 音樂劇和歌劇有什麼區別

1、音樂形式不一

音樂劇屬於流行音樂范疇，多數用流行唱法，在音樂風格上有爵士，搖滾等流行音樂因素的介入，配器大量使用電聲樂隊的樂器。歌劇大都用美聲唱法，採用了大量的詠嘆調和宣敘調，歌劇的音樂大都是以比較傳統的管弦樂隊為基礎的古典音樂作曲技法。

2、起源的時間不一

歌劇起源比較早，最早可追溯到16世紀中世紀的教義劇、神秘劇，歌劇的直接來源是幕間劇，而直接靈感來源於古希臘的戲劇；音樂劇出現的比較晚，是歌劇發展到一定程度的產物，它起源於喜歌劇，清歌劇歌舞雜耍和滑稽表演。

3、表演內容不一

音樂劇是以戲劇為基本，以音樂為靈魂，以舞蹈為重要表現手段，通過音樂、舞蹈、戲劇三大元素的整合來講述故事、刻畫人物的表演藝術娛樂產品；而歌劇舞蹈經常作為一種穿插性、色彩性的因素使用。

音樂劇如圖：

4、測重點不一

音樂劇重在表演，它是以聲樂、舞蹈、舞台美術、劇本等等組成的綜合藝術，比較平衡，其中的唱段比較通俗流行；而歌劇中歌唱佔主要地位，雖然他也有劇本中的戲劇沖突表演，但是遠遠比不上音樂劇。

5、舞檯布置不一

音樂劇的舞檯布景豪華，場面氣派，絢麗多彩，符合情節的需要，響應觀眾的口味，布置大膽誇張、自由，並且使用先進的舞台技術；歌劇則顯得單一了點。

6、歌曲的風格不一

音樂劇中的歌曲很多並非獨唱曲，音樂劇中的歌曲更短，更簡單，易於傳唱，人們可以在散步或洗澡的時候唱起這些歌曲；歌劇則靠獨唱的詠嘆調引領全局。

⑦ 音樂劇和歌劇有哪些不同

音樂劇和歌劇都是當今世界上影響最大的用音樂來表現故事情節的音樂形式之一。歌劇屬於古典音樂范疇，一般指以歌唱為主，以管弦樂隊伴奏，有舞檯布景、化妝與舞蹈動作的戲劇，有時還加獨白、對白等。歌劇是綜合性藝術，包含音樂、戲劇、詩歌、舞蹈、舞台設計、化妝、燈光等多種藝術成分。近代的歌劇始於十七世紀初葉，後經長期發展而產生多種類型，如正歌劇、大歌劇、喜歌劇、輕歌劇、小歌劇、樂劇等。音樂劇並不只是由音樂伴奏的表演。它不是歌劇、喜劇歌劇或是輕音樂劇，也不是歌舞雜耍、音樂荒誕劇或是夜總會的歌舞表演。歌劇和音樂劇都起源於宗教音樂，具體來說，音樂劇原本其實是歌劇中喜歌劇和輕歌劇的一種分化，但是最終形成了與歌劇截然不同的風格。
首先說說它們的相同點，有很多人經常把音樂劇和歌劇搞混，因為它們的形式確實比較相近。歌劇與音樂劇有許多相似的地方，比如都採取音樂和歌曲來表現劇情，以及包含舞蹈、舞台、化妝、燈光等多重藝術元素的綜合性。這些都是無庸置疑的，以下談一談兩者的區別。音樂劇嚴格的來說不能和歌劇一樣作為傳統意義上的高雅音樂或是換言之古典音樂的一部分。音樂劇產生的較早，但真正作為獨立的有影響力的一種音樂形式還是在上世紀初百老匯初具規模開始，而它的高潮則是70年代中期後以韋伯、勛伯格為代表的這些歐洲的，尤其是英國和法國音樂劇作曲家的活躍才開始的。音樂劇和歌劇的不同地位從人們的態度上就可以得知。在那些歌劇和音樂劇廣泛上演的國家，看歌劇是提前幾周訂好票，需要穿著正式的晚禮服入劇院的，觀看時要講究禮儀，不能隨便鼓掌之類的；但是看音樂劇就相對隨意，而且一部音樂劇常年上演，只需提前半小時到劇院門口買張票就行了，就像我們平時看電影一樣方便。但是百老匯和倫敦西區的音樂劇在當地人的心目中地位還是很崇高的，能夠到這些地方去觀賞音樂劇是一種榮幸。對於課上老師提到有一位同學認為音樂劇不能進大雅之堂，這一點純粹是誤解，所謂陽春白雪和下里巴人都是人們定的，經典是永遠的流行，歌劇也是幾百年前的流行音樂，只不過傳唱多年後剩下的精品自然就成了經典，今天流行的音樂劇中也一定會有幾百年後仍在流行的經典。
音樂劇和歌劇最大的差別在唱腔上。如果你聽不見聲音，不去觀察演員口型，僅僅靠看舞台和表演的話，可能比較難區分開音樂劇和歌劇。歌劇大都用美聲唱法，採用了大量的詠嘆調和宣敘調，詠嘆調會伴隨著每一次戲劇性的轉折將整部戲推向高潮。大家最熟悉的莫過於《卡門》和《茶花女》中廣為流傳的那兩段唱段。而音樂劇屬於流行音樂范疇，多數用流行唱法，也有用美聲唱法的（例如《悲慘世界》和《劇院幽靈》）；但在正式場合歌劇決沒有用流行唱法的，因為發聲方式完全不同。雖然現在的演唱會流行和古典的融合比較時興。音樂劇中的歌曲很多並非獨唱曲；音樂劇中的歌曲更短，更簡單，易於傳唱，人們可以在散步或洗澡的時候唱起這些歌曲。一般來說，盡管音樂劇中的歌曲更容易從整部劇中獨立出來，也更加適於在酒吧等其他的娛樂場所單獨吟唱，但這些歌曲本身不一定適合劇情發展的需要，這就需要演員通過舞蹈或其他的表演來烘托氣氛，帶動劇情進入高潮。許多上榜的流行歌曲就是音樂劇的插曲，例如韋伯的很多作品都因為作為流行歌曲而廣為流傳，像《貓》中的《memory》，《whistle down the wind》中的《No Matter What》（這首是由當紅的男子組合演唱，作為流行歌曲風靡全世界，但幾乎沒人知道這是音樂劇的插曲）。歌唱家也會演唱音樂劇的選段，例如「帕瓦羅蒂和他的朋友」系列演唱會，帕瓦羅蒂就經常演唱流行歌曲或是音樂劇，而流行歌星就很少演唱歌劇選段（莎拉布萊曼這類多棲的不算在內），畢竟歌劇演唱對於聲音和唱功的要求遠遠高於流行歌曲。
其次是音樂風格，歌劇的音樂大都是以比較傳統的管弦樂隊為基礎的古典音樂作曲技法，偶爾有現代風格的作品試圖超越這個界限，但大都保留著古典技法的思維方式。歌劇的結構、風格基本上沿襲著自浪漫主義以來所奠定的路線。而音樂劇在音樂風格的選擇上更自由，往往有爵士，搖滾等流行音樂因素的介入，配器也往往大量使用電聲樂隊的樂器。例如《貓》中韋伯嘗試了許多不同的風格，鄉村、踢踏舞、歌劇、流行，甚至還有贊美詩的成分。在配器上，有一段蘇格蘭風笛的兩次插入特別出彩。而在《巴黎聖母院》中，更是能不斷聽到吉他的聲音，為整部劇渲染了浪漫的氣氛。
還有就是角色所要求的表演風格。歌劇是以音樂作為各種藝術元素的基礎的，因此一個歌劇演員最主要的是把角色的唱段表達完善。如果一個演員在達到這一要求之後還有餘力，那麼他也可以為他的角色加入出色的戲劇表演，甚至舞蹈。但是在歌劇中，舞蹈大多以交誼舞、芭蕾這種形式出現，但芭蕾通常也是由專業演員完成。一個歌劇男演員可以大腹便便，女演員可以體態豐盈，這並不影響他們的演出，觀眾們也可以接收。但音樂劇強調各種藝術元素的整體統合，所以演員在表演一個音樂劇角色時，必須同時兼顧各種表演成分：唱歌、舞蹈、表演……所以他是不可能為了某一方面的表現去過分地犧牲其他的方面。對於音樂劇演員，劇情的表演和對歌唱的處理同樣重要。像莎拉布萊曼退出音樂劇舞台的原因之一可能也和她為了聲音而犧牲體態有關，試想觀眾們是不會接受一個臃腫的Christine和Raul在舞台上談情說愛的。
至於前文中提到的舞蹈，這是歌劇的一個小部分，我們在看電影《莫扎特》和歌劇《茶花女》中，都能在歌劇里看到舞蹈的影子，但是比例不大，不是特別重要（這一點可由電影里國王下令歌劇里不能演芭蕾可以看出）。出於自身條件的限制，主要演員最重要還是靠舉手投足的一些小動作以及和其他演員的交流來表演。而且通常美聲唱法的發聲方式不太可能允許演員邊唱邊進行大幅度的舞蹈動作。而在音樂劇里，舞蹈是三大元素之一，極少有音樂劇里缺乏舞蹈元素的（《悲慘世界》是一個例子，是它的劇情和主題限制了舞蹈）。比較極端的例子是《貓》，全劇幾乎完全由一段段歌曲加舞蹈組成，所有演員在台上既要唱又要跳，僅當grazelbella出現時才沒有舞蹈（因為年邁而跳不動），舞蹈完全顯現了各種貓的特點，無法想像如果《貓》一劇沒有舞蹈會是什麼樣子。當然這部劇比較特殊，但是舞蹈確實是大部分音樂劇中不可或缺的主要表現手法。
此外，還有一些微小的區別，例如取材，詞曲創作過程，演出場所、方式等等，在音樂劇中，它的曲調可以是感傷的，但在歌劇中，它一定是熱情洋溢的；在歌詞方面，音樂劇趨於表現飽經憂患的經歷，例如「愛——無論你鞭打我，還是傷害我；欺騙我，還是遺棄我，我都將永遠是你的！」，歌劇則永遠是表現歡欣和喜悅的詩一般的語言。與音樂劇不同，在歌劇里，主人公總保持著優雅而高貴的舉止來生活、相愛和逝去。在每次踏上旅途時，他們會祈禱，「主啊，我上路了！」彷彿這不僅是一次地理意義上的旅行，更是精神上的旅程。但在音樂劇中，主人公與愛人告別的場景可以是雜亂的集市，甚至是垃圾場，他們也一定是疲憊不堪和心神憔悴。隨著藝術創作的多元化，這些區別並不是永遠正確。處於各種音樂結合邊緣的作品越來越多，分類就變得逐漸模糊。如音樂劇《阿依達》，其中就有對於歌劇《阿依達》借鑒的部分。而勃拉姆斯甚至有一部新的音樂劇，視角是對向白宮的第一夫人們的，採用的全是清唱劇的體裁。
起源於巴洛克時期（約１７世紀至１８世紀中葉）的歌劇，即使是在２０世紀現代主義影響下的低潮期，也一直渴望成為一項偉大的藝術。它想表現人類的共性，提取情感的精華，蔑視日常生活中的小智慧。劇中的反面角色被刻畫成十惡不赦的徹徹底底的壞人，英雄們則勇敢無畏。音樂劇中的男女主角更加人性化，他們也會犯錯誤，也可以失去工作、窮困潦倒、無家可歸，但是他們在經歷坎坷之後總能得到真愛、財富和幸福。音樂劇產生於17世紀-18世紀的歐洲，當時被稱作「小歌劇」或「民間歌劇」，直到19世紀後期人們才開始引用「音樂劇」這一名稱；到了二十世紀中期，它已成為一種獨具魅力的戲劇演出形式。概括地說不得，音樂劇是以具有吸引力的情節為支撐，以演員的戲劇性表演為根基，使用權音樂、舞蹈得以充發發揮其潛能，並把這些因素融合為有機的統一體的藝術。如果說，戲劇本身臨其境是一種綜合藝術。如果說，戲劇本身臨其境是一種綜合藝術，那麼與話劇相比，音樂劇則是充分發揮「綜合性」藝術手段的戲劇形式。英國和美國是音樂劇的全盛國度，從音樂劇發展史的角色來看，倫敦西區和紐約百老匯可稱作為音樂劇的發源地。但音樂劇在英、美兩國也有著不同的歷史背景：在美國，它較多地受爵士樂、踢跳舞、喜劇性話劇和含有歌唱的喜劇的影響；在英國，音樂劇更多地與輕歌劇、話劇，特別是莎士比亞莫里艾、伊普生的戲劇背景相關，舞蹈方面則更帖近芭蕾舞。音樂劇並不追求卓越與出眾，也沒有野心，因此，它們被認為是平庸的創作。它們寧願逃避，也不抗爭；寧願犯一些小小的過錯，也不願只為理想而生活。音樂劇贊揚民主，它贊揚那些在平凡生活中追求浪漫和幸福的普通人，而對那些自命不凡的富人，尤其是貴族們，則充滿了鄙視和嘲弄。觀眾們已經認識到了它們的差別。當一個人去看歌劇和音樂劇的時候（在倫敦和紐約，兩種門票的價格幾乎一樣），他會以不同的心態欣賞這兩種戲劇。如果一場歌劇聽起來太像音樂劇，那麼它會被批評為太輕浮；反之，太像歌劇的音樂劇也會被批評太脫離現實。這些偏見並非偶然，它們是經歷了很長一段時間才慢慢形成的。它們的起源可以追溯到第一部音樂劇：《乞丐歌劇》
黑人音樂劇 音樂劇表現手段從以歐洲為主移向以美國為主，就是因為黑人的襤褸時代爵士樂、靈魂音樂、游吟和憂傷藍調的流行。再後來的搖擺樂也有強烈的黑人音樂背景。著名的黑人音樂劇包括《演出船》、《波吉和貝絲》、《天空小屋》、《聖路易斯的女人》、《花之房》（1954年）、《牙買加》等等。
百老匯音樂劇 象「好萊塢」與美國電影的關系一樣，一提起「百老匯」人們便會很自然地想到美國戲劇。「百老匯」是紐約市曼哈頓區的一條大街的名稱。在這條大街的中段一直是美國商業性戲劇娛樂的中心，因此「百老匯」就成為美國戲劇活動的代名詞了。百老匯曾經有非常輝煌的歷史，這是與美國商業音樂劇的歷史密切相聯系的。百老匯音樂劇（Broadway Musicals）的前身是黑人游藝表演、滑稽劇、歌舞雜劇等，比較多地受爵士樂、搖擺樂的影響，其舞蹈有獨創的百老匯風格。1904年，比特爾·瓊斯明確了音樂劇的概念，真正有代表性的劇目是1927年的《演出船》，它綜合地把歌曲、舞蹈和故事情節、話劇表演結合起來，可以說，是音樂劇把美國風格的爵士兵樂和與爵士樂配合得搖擺性很強的舞蹈成功地結合在一起。《俄克拉荷馬》、《西區故事》、《平步青雲》都是在百老匯相繼走紅的重要音樂劇目。此外在百老匯經年不衰的音樂劇有：《歌劇院幽靈》、《悲慘世界》、《西貢小姐》、《美女與野獸》等。
倫敦西區音樂劇 倫敦西區音樂劇更多地受歌劇和輕歌劇的影響。英國音樂劇的發展很少在舞蹈方面做特別突出的改進，這里的藝術形式的結合是把歌劇、輕歌劇的傳統以及音樂喜劇的傳統與爵士樂、踢踏舞和芭蕾進行一定程度的結合。二十世紀70年代，英國出現了兩位音樂劇創作巨匠：安德魯·洛依德·韋伯和蒂姆·萊斯，隨即英國音樂劇就出現藝術上的轉折。在風格上，韋伯創作的音樂劇偏重音樂，舞蹈相對較少；在製作上，英國音樂劇著名製作人卡麥隆·麥金托什非常注重把舞台上的各種技術一一布景、服裝、燈光等與其他手段結合起來。很快百老匯感到了來自倫敦西區的巨大壓力和挑戰。倫敦西區的著名音樂劇包括《悲慘世界》、《西貢小姐》（1991年才移師紐約的百老匯）、《貓》、《歌劇院的幽靈》（後來移師紐約百老匯）等等。此外，似乎所有的音樂劇從倫敦搬到百老匯都能獲得成功，比如《象棋》、《男朋友》、《奧利弗》、《可愛的戰爭》、《查里姑娘》等等，無不如此。

⑧ 歌劇與音樂劇的區別

1、定義：

歌劇是一門西方舞台表演藝術，簡單而言就是主要或完全以歌唱和音樂來交代和表達劇情的戲劇（是唱出來而不是說出來的戲劇）。

音樂劇，早期譯稱為歌舞劇，是一種舞台藝術形式，結合了歌唱、對白、表演、舞蹈。通過歌曲、台詞、音樂、肢體動作等的緊密結合，把故事情節以及其中所蘊含的情感表現出來。

2、起源：

歌曲在16世紀末，在義大利的佛羅倫薩有一群人文主義學者組成了「卡梅拉塔同好社」（Camerata）的團體，以復興古希臘的舞台表演藝術，甚至有人認為古希臘的戲劇實際上就和今天的歌劇一樣，全部劇情皆以歌曲交代。

音樂劇在全世界地都有上演，但演出最頻密的地方是美國紐約市的百老匯和英國的倫敦西區。因此百老匯音樂劇這個稱謂可以指在百老匯地區上演的音樂劇，又往往可是泛指所有近似百老匯風格的音樂劇。

(8)唱音樂劇的擴展閱讀：

雖然音樂劇和歌劇、舞劇、話劇等舞台表演形式有相似之處，但它的獨特之處在於：它對歌曲、對白、肢體動作、表演等等因素給予同樣的重視。

音樂劇的長度並沒有固定標准，但大多數音樂劇的長度都介乎兩小時至三小時之間。通常分為兩幕，間以中場休息。如果將歌曲的重復和背景音樂計算在內，一出完整的音樂劇通常包含二十至三十首曲。

⑨ 音樂劇與歌劇的區別是什麼什麼是歌劇什麼是音樂劇急用

一、區別

1、起源的時間和元素不同：歌劇起源比較早，最早可追溯到中世紀的教義劇、神秘劇以及表現一系列有關聯的場景的牧歌套曲和田園劇。歌劇的最直接來源是幕間劇，而直接靈感來源於古希臘的戲劇。而音樂劇出現的比較晚，是歌劇發展到一定程度的產物，它起源於喜歌劇，清歌劇歌舞雜耍和滑稽表演。

2、測重點不同：歌劇中歌唱佔主要地位，雖然他也有劇本中的戲劇沖突表演，但是遠遠比不上音樂劇。音樂劇重在表演，它是以聲樂、舞蹈、舞台美術、劇本等等組成的綜合藝術，比較平衡，其中的唱段比較通俗流行。

3、音樂形式不同：歌劇大都用美聲唱法，採用了大量的詠嘆調和宣敘調，歌劇演唱對於聲音和唱功的要求遠遠高於流行歌曲。歌劇的音樂大都是以比較傳統的管弦樂隊為基礎的古典音樂作曲技法。

而音樂劇屬於流行音樂范疇，多數用流行唱法，用最符合當代觀眾需求的唱法，許多上榜的流行歌曲就是音樂劇的插曲。音樂劇在音樂風格的選擇上更自由，往往有爵士，搖滾等流行音樂因素的介入，配器也往往大量使用電聲樂隊的樂器。

4、舞台表演內容不同：在歌劇中，舞蹈經常作為一種穿插性、色彩性的因素使用，但音樂劇是以戲劇為基本，以音樂為靈魂，以舞蹈為重要表現手段，通過音樂、舞蹈、戲劇三大元素的整合來講述故事、刻畫人物的表演藝術娛樂產品。

音樂劇不存在教條主義的東西，比較大膽和自由，講究快節奏，善於營造緊張度，舞台氣氛追求熱烈火爆，劇中人物時以道白交待情節，在人物內心感受情激盪，戲劇矛盾尖銳。

5、從舞檯布置不同：音樂劇的布景豪華，場面氣派，絢麗多彩，符合情節的需要，響應觀眾的口味，布置大膽誇張、自由。並且使用先進的舞台技術。相比而來歌劇就顯得單一了點。

6、對演員的要求不同：唱美聲的人大多身材不怎麼好，而且對他們舞蹈和其他方面的要求也不怎麼高，如果一個歌劇男演員大腹便便，女演員體態豐盈，這並不影響他們的演出，觀眾們也可以接收。

但音樂劇強調各種藝術元素的整體效應，所以演員在表演一個音樂劇角色時，必須同時兼顧各種表演成分，簡單的說要能歌善舞樣樣精通。

二、概念

音樂劇早期譯稱為歌舞劇，是一種舞台藝術形式，結合了歌唱、對白、表演、舞蹈。通過歌曲、台詞、音樂、肢體動作等的緊密結合，把故事情節以及其中所蘊含的情感表現出來。

歌劇是一門西方舞台表演藝術，簡單而言就是主要或完全以歌唱和音樂來交代和表達劇情的戲劇（是唱出來而不是說出來的戲劇）。歌劇在16世紀末，即1600年前後才出現在義大利的佛羅倫薩，它源自古希臘戲劇的劇場音樂。歌劇的演出和戲劇的所需一樣，都要憑借劇場的典型元素，如背景、戲服以及表演等。

(9)唱音樂劇的擴展閱讀

歌劇在西方語言的代表字Opera來源於拉丁語「作品」的復數形式（Opus, Opera），後經義大利文推廣至其他歐洲語言，顧名思義歌劇原意不單單包括舞台上的獨唱、重唱和合唱，也包括對白、表演和舞蹈。

16世紀末，在義大利的佛羅倫薩有一群人文主義學者組成了「卡梅拉塔同好社」（Camerata）的團體，以復興古希臘的舞台表演藝術。他們相信古希臘的戲劇中的「合頌」部分實際上是合唱部分，甚至有人認為古希臘的戲劇實際上就和今天的歌劇一樣，全部劇情皆以歌曲交代。

因此當現知歷史上第一部歌劇，由雅各布·佩里（Jacopo Peri）作曲，取材自古希臘神話的《達芙尼（Dafne）》於1597年首演時，風評一片贊好，皆認為「成功復活了古希臘的戲劇精神」。

音樂劇在全世界地都有上演，但演出最頻密的地方是美國紐約市的百老匯和英國的倫敦西區。因此百老匯音樂劇這個稱謂可以指在百老匯地區上演的音樂劇，又往往可是泛指所有近似百老匯風格的音樂劇。音樂劇界最重要的獎項為美國的東尼獎（候選作品為在百老匯上演的音樂劇），以及英國的奧利弗獎（候選作品為在倫敦西區上演的音樂劇）。

隨著中國經濟的健康快速發展，人民群眾對文化娛樂的需求也出現了多元變化，音樂劇這種新的藝術樣式很快以其視聽兼備、雅俗共賞的特質吸引了一批固定的並且正在不斷擴大的受眾人群。