鋼琴區演奏風格

① 為何鋼琴能演奏各種風格的音樂

因為每種音樂有各種的特色，你可以試著按鋼琴上的黑鍵，只按黑鍵，你有一定規律的亂按都能按出中國風的曲子。

② 鋼琴技巧的風格演變有哪些

如果你坐的位置正對著鍵盤的中央，然後稍稍偏左或偏右；如果你把琴凳升高又降低；如果你用平直或彎曲的手指演奏，如果你一開始就把手放在琴鍵上，或者一開始就從高處往下落；如果你把延音踏板踩得很深，或者踩得很淺；如果你彈出醇厚的音色，或奏出輝煌的音色；……凡此不同的選擇，使你擁有了自17世紀以來歷代鍵盤演奏家所具有的成功和令人信服的實例。每個傑出人物都有他自己的特點和方法。鍵盤技巧隨著音樂理念和樂器的發展而變化。

鋼琴的發展歸因於對擊弦古鋼琴和羽管鍵琴的局限性的突破。擊弦古鋼琴發聲極其細弱，基本上不能用於公開演奏；羽管鍵琴雖然更加明亮，但不能變化音色。巴赫和亨德爾使用的是擊弦古鋼琴和羽管鍵琴，但他們的鍵盤音樂中充滿著裝飾音（ornaments）——顫音、迴音、倚音、波音，以代替音的延續和力度的變化。

隨著鋼琴的發展，音色能夠通過手指的壓力而加以變化。這就代替了對過多裝飾音的依賴，突出了純凈的旋律。巴赫的兒子C·P·E·巴赫（1714-1788）提出了如歌的演奏風格，並聲稱要在鍵盤樂器上歌唱。他是最早明確採用旋律和伴奏（註：若不用雙人彈奏，這在撥弦古鋼琴上是不可能的）的形式進行創作的作曲家之一，從而直接影響著奏鳴曲式的發展。他還分兩次（1753和1762）出版了論文《鋼琴演奏的藝術》，這是最早有關鍵盤演奏的理論性教程。由於他所發展的彈奏技術以及為支持其理論而創作的鍵盤音樂，他可以被認作「鋼琴演奏之父」。

隨著維也納輕動作機鋼琴的改進，海頓和莫扎特能夠確立奏鳴曲式（sonataform）的結構模塊之一——個性化旋律從背景中清晰地凸現出來。雖然莫扎特更廣泛地使用鋼琴，而較少使用更早期的鍵盤樂器，但他繼承了羽管鍵琴的鍵盤控制風格，輕柔且緊湊，不時帶點華彩效果。

克萊門蒂（Clementi，1752-1832）在他關於音質、速度、獨立於伴奏的旋律的理論中追隨著海頓和莫扎特，他的《藝術津梁》（GrasadParnassum）是一部鍵盤彈奏技術的聖經。他還提出了一種系統的方法來加強弱指的力量。與海頓和莫扎特不同，克萊門蒂喜歡英國鋼琴的槌擊方式，這種鋼琴能產生一種更強、更清脆的音色。

貝多芬也喜歡用更重的英國鋼琴。他是一個奇特的演奏家，他追求音樂中洪亮的樂音，而不是雅緻的東西，並要求從深刻的情緒中產生出急促的音色。他的同代人馮·韋伯（Von·Weber，1786-1862）和車爾尼（Czerny，1791-1857）也支持貝多芬充滿著革新精神的強有力的彈奏和表達方式。韋伯是一位音樂會鋼琴家和作曲家，他發明了一些技巧——大膽地使用左手而不僅僅是用於伴奏，以及散射性的、寬廣的和聲——並很快被同時代的作曲家所接受。車爾尼為了加強彈奏的速度和流暢性專門寫了鋼琴練習曲。

協調地輕輕使用延音踏板使得舒曼和肖邦能夠奏出曼妙而富於詩意的音色（註：具有諷刺意味的是，人們從一開始就認為音質是改進中的鋼琴的主要弱點），並確立了這種音色所具有的藝術價值。肖邦認識到了手的根本弱點，並以此建立了他自己的技巧。他的技巧性練習曲——《鋼琴練習曲Op.10》和《鋼琴練習曲Op.25》，極富靈感地展示了手在自然放鬆狀態下的彈奏。另一位鋼琴家塔爾貝格（Thalberg，1812-1871）獲得了一種非同尋常的能力，可以使鋼琴聽起來象在歌唱，這給門德爾松以啟發，使他在許多首《無詞歌》中表現出了旋律的力量。

李斯特繼續沿著肖邦的道路前進，但他追求更強烈的音色。他在鍵盤邊坐得更高以便於加大肩和臂自由下落的力量。他通過使用延音踏板使他的手解脫出來進行下一次擊鍵。他在《十二首超技練習曲R.2b》中融進了他的這些革命性思想，增強了音量。為了支持李斯特及其追隨者的氣勢磅礴的演奏風格，鋼琴製作者們給琴鍵增加了數盎司的阻力。對李斯特的直接追隨者而言，技巧本身變得重要了，而音量的增強常常是以損失豐富的音色為代價的。

勃拉姆斯為了內在的動機而避開了外在的華麗，他的音樂中極少出現單純技巧的雕飾。他在技巧上作出的貢獻來自於一種協調一致的音樂語言，歌聲與和音、和弦及結構呈復調性的交織。他的《五十一首練習曲》向鋼琴家們表明了加強手指力量和獨立性的必要技術，以支持他自己的觀點。

在李斯特時代之後，曾對「砸琴者」進行過反擊，開始時興一種受到約束的風格（勃拉姆斯的作曲特點一般地使他置身於那些極端的聲音之外）。正如19世紀的那些偉大教師所作的那樣，柴可夫斯基回復到了一中折衷的觀點。接著，菲利普·弗朗克又重新採用有力、流暢的技巧來表達嚴肅的音樂思想，並給這種技巧以新的尊嚴。

德彪西給鋼琴提供了一種新的技巧。他通過採用延音和強音踏板讓音符流動，以此來刻畫自然的聲音（水、風、雨），並獲得具有異國情調的東方樂器（鍾、鑼、嘎麥蘭）和管弦樂器（長笛、號、鼓、銅管樂、鋼片琴）的音色。他的精湛技藝（在靈巧性上是浪漫主義的）切合了當時的表現主義，是一種通過手指和踏板表現印象的卓絕技能。他的《12首練習曲》為他的特殊表現方法提供了基本的技巧和音樂手段。

以巴托克為先驅，很多現代音樂都視鋼琴為純打擊樂器。巴托克在《小宇宙》（Mikrokosmos）中勾勒出了一個鋼琴作曲和演奏的全新計劃，這一計劃一直延續至今。現代音樂生硬而不協調，具有強烈的個性化色彩並時常導向表現性。今天的鋼琴音樂處於過渡時期，沒有調號和時間記號，也不依照常用的手型。使用電子設備和計算機所進行的實驗超越了傳統鋼琴音樂和手的限制，充滿舞台的是全新的電子樂器家族，有些帶有鍵盤，而有些沒有鍵盤。

在過去最優秀成果的基礎之上，現代鋼琴教育有條件利用自巴赫出生以來大約三百年的發展成就。對傳統的保留曲目來說，完美的演繹要加以褒獎，而盡可能少地矯柔造作。手臂要習慣於自由放鬆；手指要富於技巧；不管是共鳴聲還是打擊樂，音色都可通過對訓練有素的肌肉進行精細的控制而生成。當今的鋼琴家們已經發展出了非凡的技巧，這種技巧與相應樂器強有力的發展相輔相成。

③ 貝多芬的鋼琴鳴奏曲可以分為幾個風格

貝多芬的鋼琴曲是古典與浪漫的完美結合，十分注重和音，因此在內演奏時巧妙的運用「貝多芬容踏板」能使鋼琴奏出與眾不同的音效；至於肖邦，鋼琴詩人嘛，要抒情當然更注重旋律，和音在他的鋼琴曲里更多的是轉變成分解和弦、大幅度積極跑動的瑟音，快速八度、裝飾音也不少，曲子的節奏也是相當有趣哦（如幻想即興曲、N0.2詼諧曲、波蘭英雄舞曲等等），肖邦在他的眾多曲子里嘗試把主旋律交給左手（特別是肖邦練習曲），這應該是詩人呈獻給所有愛好鋼琴音樂的人別樣的詩篇吧 ！

④ 鋼琴技巧的風格演變是什麼樣的

如果你坐的位置正對著鍵盤的中央，然後稍稍偏左或偏右；如果你把琴凳升高又降低；如果你用平直或彎曲的手指演奏，如果你一開始就把手放在琴鍵上，或者一開始就從高處往下落；如果你把延音踏板踩得很深，或者踩得很淺；如果你彈出醇厚的音色，或奏出輝煌的音色；……凡此不同的選擇，使你擁有了自17世紀以來歷代鍵盤演奏家所具有的成功和令人信服的實例。每個傑出人物都有他自己的特點和方法。鍵盤技巧隨著音樂理念和樂器的發展而變化。

鋼琴的發展歸因於對擊弦古鋼琴和羽管鍵琴的局限性的突破。擊弦古鋼琴發聲極其細弱，基本上不能用於公開演奏；羽管鍵琴雖然更加明亮，但不能變化音色。巴赫和亨德爾使用的是擊弦古鋼琴和羽管鍵琴，但他們的鍵盤音樂中充滿著裝飾音（ornaments）——顫音、迴音、倚音、波音，以代替音的延續和力度的變化。

隨著鋼琴的發展，音色能夠通過手指的壓力而加以變化。這就代替了對過多裝飾音的依賴，突出了純凈的旋律。巴赫的兒子C稰稥·巴赫（1714-1788）提出了如歌的演奏風格，並聲稱要在鍵盤樂器上歌唱。他是最早明確採用旋律和伴奏（註：若不用雙人彈奏，這在撥弦古鋼琴上是不可能的）的形式進行創作的作曲家之一，從而直接影響著奏鳴曲式的發展。他還分兩次（1753和1762）出版了論文《鋼琴演奏的藝術》，這是最早有關鍵盤演奏的理論性教程。由於他所發展的彈奏技術以及為支持其理論而創作的鍵盤音樂，他可以被認作「鋼琴演奏之父」。

隨著維也納輕動作機鋼琴的改進，海頓和莫扎特能夠確立奏鳴曲式（sonataform）的結構模塊之一——個性化旋律從背景中清晰地凸現出來。雖然莫扎特更廣泛地使用鋼琴，而較少使用更早期的鍵盤樂器，但他繼承了羽管鍵琴的鍵盤控制風格，輕柔且緊湊，不時帶點華彩效果。

克萊門蒂（Clementi，1752-1832）在他關於音質、速度、獨立於伴奏的旋律的理論中追隨著海頓和莫扎特，他的《藝術津梁》（GrasadParnassum）是一部鍵盤彈奏技術的聖經。他還提出了一種系統的方法來加強弱指的力量。與海頓和莫扎特不同，克萊門蒂喜歡英國鋼琴的槌擊方式，這種鋼琴能產生一種更強、更清脆的音色。

貝多芬也喜歡用更重的英國鋼琴。他是一個奇特的演奏家，他追求音樂中洪亮的樂音，而不是雅緻的東西，並要求從深刻的情緒中產生出急促的音色。他的同代人馮·韋伯（Von稺eber，1786-1862）和車爾尼（Czerny，1791-1857）也支持貝多芬充滿著革新精神的強有力的彈奏和表達方式。韋伯是一位音樂會鋼琴家和作曲家，他發明了一些技巧——大膽地使用左手而不僅僅是用於伴奏，以及散射性的、寬廣的和聲——並很快被同時代的作曲家所接受。車爾尼為了加強彈奏的速度和流暢性專門寫了鋼琴練習曲。

協調地輕輕使用延音踏板使得舒曼和肖邦能夠奏出曼妙而富於詩意的音色（註：具有諷刺意味的是，人們從一開始就認為音質是改進中的鋼琴的主要弱點），並確立了這種音色所具有的藝術價值。肖邦認識到了手的根本弱點，並以此建立了他自己的技巧。他的技巧性練習曲——《鋼琴練習曲Op.10》和《鋼琴練習曲Op.25》，極富靈感地展示了手在自然放鬆狀態下的彈奏。另一位鋼琴家塔爾貝格（Thalberg，1812-1871）獲得了一種非同尋常的能力，可以使鋼琴聽起來象在歌唱，這給門德爾松以啟發，使他在許多首《無詞歌》中表現出了旋律的力量。

李斯特繼續沿著肖邦的道路前進，但他追求更強烈的音色。他在鍵盤邊坐得更高以便於加大肩和臂自由下落的力量。他通過使用延音踏板使他的手解脫出來進行下一次擊鍵。他在《十二首超技練習曲R.2b》中融進了他的這些革命性思想，增強了音量。為了支持李斯特及其追隨者的氣勢磅礴的演奏風格，鋼琴製作者們給琴鍵增加了數盎司的阻力。對李斯特的直接追隨者而言，技巧本身變得重要了，而音量的增強常常是以損失豐富的音色為代價的。

勃拉姆斯為了內在的動機而避開了外在的華麗，他的音樂中極少出現單純技巧的雕飾。他在技巧上作出的貢獻來自於一種協調一致的音樂語言，歌聲與和音、和弦及結構呈復調性的交織。他的《五十一首練習曲》向鋼琴家們表明了加強手指力量和獨立性的必要技術，以支持他自己的觀點。

在李斯特時代之後，曾對「砸琴者」進行過反擊，開始時興一種受到約束的風格（勃拉姆斯的作曲特點一般地使他置身於那些極端的聲音之外）。正如19世紀的那些偉大教師所作的那樣，柴可夫斯基回復到了一中折衷的觀點。接著，菲利普·弗朗克又重新採用有力、流暢的技巧來表達嚴肅的音樂思想，並給這種技巧以新的尊嚴。

德彪西給鋼琴提供了一種新的技巧。他通過採用延音和強音踏板讓音符流動，以此來刻畫自然的聲音（水、風、雨），並獲得具有異國情調的東方樂器（鍾、鑼、嘎麥蘭）和管弦樂器（長笛、號、鼓、銅管樂、鋼片琴）的音色。他的精湛技藝（在靈巧性上是浪漫主義的）切合了當時的表現主義，是一種通過手指和踏板表現印象的卓絕技能。他的《12首練習曲》為他的特殊表現方法提供了基本的技巧和音樂手段。

以巴托克為先驅，很多現代音樂都視鋼琴為純打擊樂器。巴托克在《小宇宙》（Mikrokosmos）中勾勒出了一個鋼琴作曲和演奏的全新計劃，這一計劃一直延續至今。現代音樂生硬而不協調，具有強烈的個性化色彩並時常導向表現性。今天的鋼琴音樂處於過渡時期，沒有調號和時間記號，也不依照常用的手型。使用電子設備和計算機所進行的實驗超越了傳統鋼琴音樂和手的限制，充滿舞台的是全新的電子樂器家族，有些帶有鍵盤，而有些沒有鍵盤。

在過去最優秀成果的基礎之上，現代鋼琴教育有條件利用自巴赫出生以來大約三百年的發展成就。對傳統的保留曲目來說，完美的演繹要加以褒獎，而盡可能少地矯柔造作。手臂要習慣於自由放鬆；手指要富於技巧；不管是共鳴聲還是打擊樂，音色都可通過對訓練有素的肌肉進行精細的控制而生成。當今的鋼琴家們已經發展出了非凡的技巧，這種技巧與相應樂器強有力的發展相輔相成。

⑤ 鋼琴適合演奏哪些風格的音樂

其實所有的曲子都可以用鋼琴來演奏，只是看各人的喜好罷了。

⑥ 鋼琴演奏有幾個特點

鋼琴演奏有復三個特點：a.高度放鬆，制但保持內力。鋼琴演奏的任何動作都必須事先有所准備，這種准備就是放鬆中的內力。b.准備時間長，發力時間短。鋼琴演奏時的任何動作都需要在一瞬間完成，不論力量大小，真正發力的時間極短，往往只有幾十分之一秒。c.力斷意不斷，盡管每次用力的時間十分短促，並且一但用力，立刻要恢復到放鬆狀態。因此軀干及全身動作的協調一致、氣息貫通、高度放鬆、保持內力、充分准備、集中爆發、迅速放鬆並再次准備，如此往復，並一直貫穿始終。

⑦ 外國鋼琴曲的演奏風格是怎麼樣的

恩。想必您可能剛剛接觸外國鋼琴曲。首先我很願意為你解答。如果我的解答能為您起到內幫助，請採納。
首先外國鋼琴曲分很多種。首容先鋼琴曲就分好多。但萬變不離其宗，總體來說外國鋼琴曲是以抒情為主。想必您也是比較側重以抒情為主的鋼琴曲。這樣的曲子都很好聽，演奏風格很舒緩，能給人無限的遐想。最最典型的音樂風格比如說象神秘園的音樂。老一些的象班得瑞的音樂，都是以舒緩為主。恰恰也是因為這點也成就了他們的音樂風格。
至於演奏風格。我建議LZ可以多聽一些類似象舒曼，貝多芬，肖邦等一些古典音樂家的作品。他們的演奏風格各不相同。象舒曼是比較浪漫一些，貝多芬的音樂豪放又不失音樂的色彩。而肖邦則是那種高貴典雅，在原先宮廷里為國王貴族彈奏的音樂。各個作曲家都有著自己獨一無二對音樂的理解。既然有這么多不同的理解，那麼音樂風格就有很多很多種。人的思維是不一樣的。所以每個人對創作的目標也不是相同的。
現在只是不知道您喜歡哪一種風格，如果可以。加我好友。我會為您細細解答。很願意為您解答。

⑧ 鋼琴演奏中，巴洛克風格與浪漫近代風格有什麼不同

不可能沒有不同！比較一下就知道了。巴洛克風格的很多是多聲部的。浪漫風格是一個旋律一個伴奏的。區別很多的

⑨ 鋼琴曲的風格

1、即興曲：

是19世紀的一種抒情特性曲。即興是指創作動因的偶發性而言，類似中國古典詩歌中的「偶成」。《幻想即興曲》是這一體裁的典範作品。所謂即興創作，就是不預先把譜子寫出來，而是在樂器上一面創作一面演奏。

2、搖籃曲：

原是母親撫慰小兒入睡的歌曲，通常都很簡短。伴奏的節奏型則帶搖籃的動盪感。許多大作曲家如莫扎特回、舒伯特都寫有這種歌曲。由於音樂平易、動人，常被改編為器樂獨奏曲。此外也有專為器樂寫的搖籃曲。

3、前奏曲：

是音樂體裁的一種。前奏曲以前只是組曲之前的器樂引子，在演奏之前一般演奏家要即興演奏一小段，逐漸演變成一種藝術形式。

4、奏鳴曲：

19世紀初，給各類樂器演奏的奏鳴曲大量出現，奏鳴曲儼然成為了西方古典音樂的主要表現方式。到了20世紀，作曲家依然創作著給樂器演奏的奏鳴曲，但相較於古典樂派以及浪漫樂派的奏鳴曲，20世紀的奏鳴曲在曲式方面已有了不同的面貌。

(9)鋼琴區演奏風格擴展閱讀：

鋼琴曲可分為兩種風格，一種叫擊弦鍵琴鋼琴曲，一種叫撥弦鍵琴鋼琴曲。

在歐洲，大約14——18世紀之間，曾流行過兩種鍵盤樂器，一種叫擊弦鍵琴，一種叫撥弦鍵琴（又稱大鍵琴、羽管鍵琴）。共88個琴鍵。這兩種樂器都因被認為是鋼琴的前身而被我們稱為古鋼琴。許多作曲家都為古鋼琴作曲，這時的曲子就是最早的鋼琴曲。例如巴赫、享德爾和斯卡拉蒂的鋼琴曲，都是為古鋼琴的。

海頓、莫扎特的大量作品和貝多芬的一些作品，也都是為古鋼琴作的。另外，古鋼琴還有它特有的纖巧的音色。所以在古鋼琴普遍被現代鋼琴取代之後，到了十九、二十世紀之交，甚至在當代，又有少數鋼琴家重新提倡使用古鋼琴。直到現代許多型制的電子琴也都設置古鋼琴的音色（Harpsichord）。

⑩ 鋼琴曲有什麼特點

（1）音域寬廣。現代鋼琴一般都有88個琴鍵，也就是從大字二組的A到小字五組的c的全部半音。有些鋼琴的低音區還有比大字二組的A更低的若干琴鍵。這樣寬廣的音域，只有管風琴可與其相比，超出了任何其他樂器。
（2）音量變化幅度巨大。音量是指聲音的強度、力度。鋼琴既可發出十分微弱、人耳剛剛能聽見的弱音（ppp），也可發出宏亮有力、震撼人心的強音 （fff),以及處於極弱極強兩者之間的各個力度層次的聲音。並且，這些不同的力度都是可以隨鋼琴家的心之所欲彈出的，這又使鋼琴勝過包括管風琴在內的所 有單件樂器。
（3）最理想的多聲樂器。由於鋼琴使用十二平均律，使音樂的轉調、復調、和聲獲得極大的自由。鋼琴家藉助踏板的作用，用他們經過訓練的雙手，可以在 鋼琴上彈奏出無限豐富的不同音的縱向、立體組合。手風琴、吉他也是多聲樂器，但是他們在樂音組合的多種可能性上，卻遠遜於鋼琴。多聲，即多聲思維。多聲思 維，使音樂從單線條的變成多線條復合的，平面的變成為立體的，單色的變成為多色的，這就是鋼琴具備的任何單個樂器都無法與其相比的表現無限豐富的藝術內容 的可能性。
（4）憑著以上三點，使鋼琴可以獨立成為一個完整的音樂世界。在這個世界裡，作曲家們絕妙的音樂思維可以只有的縱橫馳騁。有人說，一滴水能夠映照出 整個世界，我們更可以說，一架鋼琴，無須與任何其他樂器合作，就可以容納入人類精神的宇宙。為什麼幾乎所有的偉大作曲家都是鋼琴家，都譜寫鋼琴曲？為什麼 鋼琴曲是所有樂器獨奏曲中數量最大的？道理就在這點上。
（5）鋼琴又是相對普及的樂器。雖說鋼琴屬於貴重物品，但對今天的許多人來說，都不是可望不可及的東西。相比之下，管風琴則重來不是家庭個人可以私有之物。所以盡管管風琴具有某些可以與鋼琴匹敵的功能，卻永遠不能像鋼琴那樣進入千家萬戶。
（6）如果拋開高級程度，只 講入門階段的話，鋼琴還是個相對容易學的樂器。通常不用多久，初學者即可彈奏出完整、立體、多聲的鋼琴小曲來。