A. 彈鋼琴時候如何做好呼吸
鋼琴大師貝爾曼說，彈琴的人要有三個肺，也就是要有三個部位來呼吸，即嘴巴呼吸、雙臂呼吸和手腕呼吸。嘴巴呼吸不單是一種生理意義上的呼吸，在很多時候，它可以幫助我們在演奏中從心理意識上做好呼吸的預備，給意識以「暗示」雙臂呼吸;特別適合於那些篇幅較長、氣息要求延綿的樂段，手臂的放鬆和調節給予音樂連貫性和流暢感;而手腕的呼吸是運用最普遍、也出現得最多的呼吸手段，如連線的劃分，通過手腕力量的「上抬」和「下沉」也可以實現樂句起伏中形成的「氣息」。
在鋼琴演奏中許多技巧也需要有呼吸的配合來完成，比如在演奏強力度的和弦時，如果只靠手和臂的力量，往往達不到作品所需要的音響、力度效果。這時我們就要用氣息的支持，氣沉丹田，我們常常提到的「腰部力量」就是氣息在支持，這股力量由背、肩、臂一直貫通到手指，加上了氣息的力量就會感到手臂力量大大增加，演奏出的和弦也就有力而扎實。
擴展到整個樂段的和弦，更需要有氣息的力量加入，身體狀態才會積極起來，從而達到演奏效果。例如李斯特《匈牙利狂想曲第十一首》的尾聲部分，音樂雄壯有力，情緒高漲積極，節奏歡快迅速，呼吸在這段音樂演奏的運用要積極，但不能提氣，還是要氣息扎穩，才會有力量的支持。
還有一點應該注意，在演奏中要尊重作曲家的創作意圖，理解樂曲的上的所有標記，注意正確運用呼吸來表現強弱層次的變化、表情術語的渲染等，從而得到豐富的聲音色彩，增強樂曲的藝術感染力。
另外，起拍時的呼吸，就相當於指揮中的「預示拍」，包含了樂曲的速度、情緒、力度等。在演奏起拍時的呼吸節奏要與所演奏的作品速度、情緒、力度保持一致，如果樂曲是以抒情慢板開始的，觸鍵前的呼吸則要深而緩慢;如果是一個急促的快板，在下鍵前的一剎那要急吸一口氣。起拍的呼吸，要根據全曲的風格而定。掌握科學的呼吸理論，並運用到自己的演奏中，有助於表達出音樂的真諦。
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B. 彈鋼琴是怎樣做到呼吸
[鋼琴學習]彈奏鋼琴時身體的協調2006年12月20日 星期三 上午 02:32這是貫穿鋼琴教學始終的重要問題。 身體的的協調牽涉到鋼琴彈奏的基本坐姿和體位等方面，是從第一課開始就要明確的一些問題，隨著程序的深化，又要不斷發展和更好地運用。
保證身體協調的根本是正確合理的坐姿。從開始學琴起，就要讓學生明確，坐的前後和高低都要根據自己的身體條件進行調節。坐得太近了使手缺少了活動餘地，影響了手臂的舒展；坐得太遠了，影響對鍵盤的控制，不利於力量的集中；從太高或太低了同樣影響力量的合理自如運用。應以下臂與鍵盤基本持平為准。
身體要處在較積極的、利於運動的狀態，所以首先要稍挺直一些，不要彎腰駝背，不要聳肩縮脖，保持上身的自然協調。隨著級別的上升，程度的提高，對力度、速度、音樂情緒和色彩的變化提出了越來越多的要求，所以身體的參與和調節也越來越重要。我們可以看到一些好的演奏，身體都是非常協調地隨時調節著的，而不是僵硬而緊張的。
我們可以這樣來形容，一開始學琴時，要求學生坐正，像一棵向上的樹；而當進一步要求後，就逐漸要求學生的身體像一棵在風中搖擺的樹，能隨風而前後左右。如果說坐琴凳以上的部位，為露出地面的樹干，那麼，樹根--雙腿和腳還要作出必要的支撐，在必要的高潮時甚至用從腳尖--腿--軀體--手臂--指尖進入鍵盤的全身協調力量，來產生最宏亮、豐滿的聲音。所以臀部要穩定而固定地坐在琴凳中部，為了便於靈活用力，不要坐滿，坐一半即可。而且為了照顧到高低音，要坐在鋼琴中部，不要隨意挪動，而兩條腿放在踏板兩旁，在強奏時左腿可後撤作為全身力量支點。這是坐姿的基本要求。
至於身體的左右調節，主要依據音的高低。以音階為例，弱低音區時，身體重心放到左腿方面去；彈中音區時，身體重心兩面擺平；彈到高音時，身體重心側往右腿方面，我們如果雙手彈四個八度同向音階時，身體就有一個自左至右，又自右至左的重心轉移過程。再說上身的前後位置。上身的前後可以根據音量的大小、力量的強弱來確定。一般規律是，較弱的力度時，身體可處在較正的位置，力度越強，身體可越向前傾一些。整個身體臆後活動的范圍以坐直為基準，隨音量加大而逐漸前傾。
反之，隨著音量減小從前傾的位置逐漸回到身體的坐直位置。需說明一點是一般不用後傾身體的位置。但在高級程度時，在一些很寧靜的弱奏段落，隨演奏的需要亦可有適當的後傾，但在基礎學習階段則不提倡重心向後，因為學生首先要做到把力量下去。上述的前後調節，完全應是靈活、協調，並隨時變化的，而且用力應是有彈性的，有向前的力量，必有相應的反作用力，所以再強的用力也不能是一成不變的固定前傾，有向前的動作必有回來的動作，這點一定要記住。
有了隨鍵盤高低而變化的身體左右動；又有了隨力度大小而變化的身體前後動，這些動作在樂曲中是千變萬化的，由此，我們的靈活身體調節就能使身體形成像一棵風中搖擺的樹，安靜的樂曲，身體的動作也會安靜，而變化幅度大的樂曲，身體也會有相應幅度較大的動作，這是合理的，也是一致的。
在考級和教學中，會發現有的學生彈琴身體後傾，使不上勁，造成聲音力薄；有的學生彈琴時身體較板，不善調節，彈出來的音樂平淡而缺乏變化，常是顯得無動於衷，這跟內心音樂感和由引產生的必要身體調節都有關系；也有的學生彈琴時，人在琴凳上挪來挪去，不會坐穩在中間，身體再左右搖動；在程度和級別高一些的學生中，由於身體不會協調用力，而彈不出較強和豐厚的聲音，樂曲做不出高潮，缺乏應有的強弱變化......這些毛病，無不和身體的是否協調有關。
C. 鋼琴演奏家演奏結束後掌聲經久不息，鋼琴家三次返場鞠躬
觀眾的掌聲表示感謝與欣賞，演奏者鞠躬表示還禮。若觀眾掌聲經久不息，有加演或即興演內奏邀請之容意，但一般有預先安排的節目單，所以演奏家不得不多次出場以鞠躬禮節表示感謝與歉意。大家知道，演奏家出場是與主辦方有合約的，有出場費的，當然預先也為演出而排練過的。若臨時加演等，需要代理人協調主辦方改變合約等內容，比較麻煩，它不同於一般的公益演出。
所以，多次返場鞠躬這個算是社交禮儀，一種文化傳統而已，似無更特別的涵義。
D. 《鋼琴師》里的最後一段演奏是誰彈的
羅曼·波蘭斯基的《鋼琴家》根據波蘭籍作曲家/鋼琴家Wladyslaw Szpilman自傳體小說改編，但版波蘭斯基在電影中傾權注了自己最真切的感情——7歲時曾經有過逃出克拉科夫猶太區的類似經歷。
電影的音樂主題則由肖邦的鋼琴曲貫穿始終——作為一個鋼琴家，肖邦的作品是Szpilman演奏曲目的核心部分。而波蘭當代鋼琴家Janusz Olejniczak的演奏也深得肖邦的精髓，唯一一首非鋼琴曲曲目則是由與Roman Polanski經常合作的作曲家Wojciech Kilar為Szpilman一家遷入猶太區一幕所作的『Moving to the Ghetto, Oct. 31, 1940』，一種小心翼翼式的悲哀與沉痛；
他在電台彈的是肖邦的《升C小調夜曲》，彈給德國軍官聽的是《G小調敘事曲OP.23》
演奏者為波蘭鋼琴家JanuszOlejniczak
E. 請問電影《鋼琴家》中結尾時那位鋼琴家彈奏的那首曲子叫什麼
肖邦的《光輝的大波蘭舞曲》。本來是鋼琴曲，後來出現了交響樂團演奏的版本。
F. 鋼琴怎麼分辨呼吸
「呼吸」在鋼琴演奏中的重要作用
（一）正確合理的呼吸有助於消除演奏中的緊張情緒
在鋼琴演奏中，身體各部保持鬆弛，避免緊張，是獲得良好演奏效果的重要條件之一。鋼琴演奏中的「心理緊張」，探其究竟是由於呼吸不當造成的，我們彈奏鋼琴時，是通過肌肉活動來完成的，而肌肉活動又需要氧氣，呼吸不正確時就會緊張、缺氧，造成肌肉發酸、手臂僵硬。緩慢、綿延的呼吸對於緊張情緒的緩解和肌肉的放鬆有著積極的作用，讓我們在演奏中把氣息放下來，氣沉丹田，全神貫注的專注於音樂的發展而不是局限於緊張的心理情緒中，使音樂鬆弛、流動，充滿意蘊和生命力。鋼琴家享利·涅高茲在《論鋼琴表演藝術》中說:「鋼琴彈奏最困難的就是彈得很長久，很響亮，而又很快」。要做到久、響、快，放鬆是關鍵。如果演奏者在演奏中不能正確的呼吸，就會影響到放鬆，演奏也就不能順暢地進行下去。因此，要做到放鬆，正確合理的呼吸是非常重要的。
（二）正確合理的呼吸有助於演奏中的音樂表現
呼吸運用的正確與否，對於演奏中的技藝表現、音樂情感表現、優美音色表現等都起著決定性的作用，它在准確表達音樂的風格方面也起著不可忽視的重要作用。我們常常只是強調用觸鍵方式、情感處理和踏板運用來刻畫作品的風格，而往往忽視了「呼吸」的作用。鋼琴演奏中的呼吸，應根據樂曲的不同情緒、風格、句式而進行調整，以充分表達音樂的氣息為目的。如彈奏巴赫作品，要十分注重結構層次的均衡性、旋律線條的歌唱性和音樂表現的即興性及裝飾性處理。在演奏時強調以輕微簡捷的手指彈奏和輕盈的手部動作為主，這就要求在氣息上要做到有控制、有層次的呼吸，特別是多聲部、多層次的氣息、呼吸和分句。實際上掌握了巴赫作品多層次氣息的處理，就等於掌握了一把開啟巴赫音樂的鑰匙。又如演奏浪漫主義鋼琴詩人肖邦的作品，肖邦的音樂十分精緻講究，他的音樂要求觸鍵優美勻稱、深而有共鳴，音色變化細膩，踏板運用巧妙、富有豐富的色彩明暗對比。
在氣息運用上，也應該用有節制的呼吸，來表現他清純、高貴甚至是含蓄的熱情。但同時肖邦的音樂又極富歌唱性，在彈奏長氣息的樂句時，其自然呼吸仍應以「悠句細緩深長」為基礎。在鋼琴演奏中，針對不同的音樂作品作出不同的呼吸處理，是讓音樂表現更加准確的重要手段。
（三）正確合理的呼吸有助於更好的塑造音樂形象
鋼琴演奏是要通過演奏者運用各種技巧手段，把作曲家作品中所包含的深刻的內心活動、思想感情、特定的音樂形象和作曲家的心情等等，正確地、有創造性地表達出來。演奏者也是「二度創作者」。人體的呼吸與音樂的表現內涵、旋律句逗、觸鍵力度的大小、觸鍵力度的深淺等要素相互貫穿，在演奏作品時，要根據內容需要，選擇合適的彈奏方法和呼吸方法，這樣才能更好地塑造作品的音樂形象，如要塑造華麗、偉大、強而有力等音樂形象時，呼吸應穩健沉著，腰部要有強有力的支持，身心激發出一種由外到內的張力，利用這樣的氣息狀態去凝聚指尖與鍵面的接觸點和爆發點。擁有這種的呼吸，輝煌的樂音才能在豪放如風的力度中真正體現出來；反之，塑造一個抒情柔和的音樂形象，在演奏時則應讓呼吸深而緩慢地隨律動平穩進行，在一種平心靜氣的氣息中，悠然刻畫出婉約如水的音響色彩。使人完全沉醉在音樂的意境之中。
望採納
G. 歌唱中最常用的呼吸方法是( )
1自然的呼吸初生嬰兒的哭聲往往非常響亮，這是嬰兒自然的本能的哭聲，而這恰恰是最正確的呼吸與發聲。如何在歌唱中應用這種自然的呼吸呢？聯想——自己彷彿融化在空氣中，放鬆自然地呼吸，兩肋打開。2區別在於呼氣學習歌唱的呼吸，最關鍵的一點就是要記住呼氣的不同。歌者在呼氣時要聯想吸氣的感覺，也就是仍要保持兩肋打開，呼氣肌肉群的胸部肌、背部肌、腹肌，要模仿吸氣時，向外打開的感覺。吸氣肌肉群要配合呼氣肌肉群，相互支撐。3吸不到肚子里的氣腹部肌是呼氣肌，放鬆肚子，放鬆腹部肌肉，保持腹部肌肉的彈性，氣息才能吸得深。要強調吸氣肌肉群與呼氣肌肉群的整體配合。4重要的橫膈膜橫膈膜是肌肉群，屬吸氣肌肉群，橫著隔在胸腔和腹腔之間。歌唱發聲時，橫膈膜與腹部肌同時發力形成對抗的力量，此時要強調吸氣肌肉群與呼氣肌肉群的整體配合。5歌唱時的隱形翅膀聯想——邊唱邊感覺一下，後背有一雙張開的隱形的翅膀。呼吸的注意力集中到後背，有利於解放前面的聲音，有利於氣息的支撐。6扎一根皮腰帶，可不要勒得太緊對於呼吸肌還沒有支撐力的初學者來說，如果扎一根皮帶，便於歌者在歌唱中體會氣息的利用，注意不能勒得太緊，否則會影響吸氣。7一個不能少要想唱得漂亮，全部的呼吸器官和呼吸肌都要調動起來，一個都不能少。有的歌唱家認為，肌肉是有記憶力的。通過訓練呼吸肌就會產生正確的記憶。
H. 鋼琴彈奏中，小節的呼吸和連音的呼吸，怎樣表現
都是把手輕輕抬起來 再落下 彈
跟人呼吸是一樣的
要是看見那種符號 抬手就可以