中國電子音樂冷

⑴ 為什麼電子音樂在國內發展不起來

主要是因為中國人在聽音樂的時候習慣於聽旋律和歌詞，除非他們是專業人士，他們沒有聽音樂的習慣。許多人聽這首歌是為了能唱它。

雖然很多時候我們覺得電子音樂很庸俗，那是因為中國製造好的電子音樂太少了，大部分是DJ土壤hi。圈子還是太小了。

等大家慢慢發展起 party 的興趣，建立起健康的舞池文化，EDM 自然就有了土壤。
至於 IDM 一類聆聽型電子音樂，要麼本來就是沖著高端小眾去的，要麼就被劃拉到流行而不算電子了……

⑵ 中國電子音樂使用的第一人

國內懂電子音樂的人少，也沒個真正的排行榜，很開玩笑的是，CCTV風雲音樂的很多背景音樂都製作的很不錯，你要能知道後面的那個團隊就知道中國電子音樂的高手了！這是職業電子音樂製作人，商業一點的，我知道的也就是DJKK網站的那幾個原創人物，王澤龍就是一個例子，總之國內民眾對電子音樂的了解不多，可以說很陌生！

⑶ 為什麼中國的電子音樂發展不是很好呢

國情啊，喜歡音樂的孩子基本都被逼著學習了，家長認為搞音樂不務正業，沒出息，這就是最大原因。

⑷ 中國電子音樂廠牌都有哪些

中國電子音樂廠牌有：摩登天空、飛行者唱片、十三月音樂、樹音樂、嚎叫唱片、兵馬司唱片、東樂唱片、ROKON滾石電音、麥愛音樂、微薄之鹽

⑸ 中國的電子音樂為什麼出不了好的作品

歐美在電子樂方面的發展要比中國早很多年，中國在這方面還不是非常的成熟。

⑹ 中國電子音樂代表人物有哪些

按照質量排序我都會高於有贊同數的答案，其實好幾個答案會比我接下來寫的有干貨有內容的多，原因也是我從來不正面評價國內製作人和廠牌好壞的原因，就是你對任何人的推薦和反駁都會被質疑點反對，因為這些製作人就在國內，給所有樂迷的感覺就是同胞要比老外感覺更近更會肆意去評價一些。

⑺ 電子音樂代表人

張小夫 是中國的

另外

1.Pioneers（先驅）
撇開Stockhausen、Varese或是Xenakis不談，電子音樂之所以能進入大眾視野，全拜以下這些音樂人所賜。
— Kraftwerk《Trans-Europe Express》，1977：Krautrock陣營里最值得一聽再聽的唱片，以近乎冷漠的表達為技術歌功誦德。當《號外》做電子音樂特輯時，以黃耀明做模特克隆這張經典唱片封面的時候，《Trans-Europe Express》已不單單只是個電子音樂史上傑作，更是一種fashion icon了。
— Jean Michel Jarre《Oxygen》，1977：上世紀80年代，Jean Michel Jarre作為電子音樂大使在北京和上海的兩場音樂會真是萬人空巷，穿中山裝的群眾們和他熱烈討論Mozart和Beethoven的區別。重新聆聽《Oxygen》，這部用古董電子樂器所炮製交響詩，回想到「萬人空巷」這個詞，實在沒有把它妖魔化。
— Giorgio Moroder《E=MC2》，1980：Disco教父Giorgio Moroder的唱片最好是一張黑膠碟。Analogue時期的電子音樂到現在已成為新的chic。《E=MC2》從沒有在唱片架上落過灰塵，一遍又一遍重訪那個帶有sci-fi情結的性感年代。
2. Ambient（環境音樂）
對於那些學究來說，環境音樂的開篇屬於Erik Satie那臭名昭著的「傢具音樂」。取消一切聽覺興奮點，會讓你在不停等待副歌部分出現的時候，徹底陷入絕望。當然享受Ambient的第一要義便是按下play鍵，然後愛幹嘛幹嘛。
— Brain Eno《Ambient 1: Music for Airports》，1978：Brian Eno算是Ambient最名正言順的創造者。《Music for Airport》里那些叫人辨不清方向的閑散音符一直如魑魅一般飄來盪去。相信如果把這張唱片與Brian Eno的另一張Ambient傑作《Discreet Music》對換，也沒什麼人能聽出裡面的區別。
— The Orb《The Orb's Adventure Beyond the Ultraworld》，1991：最初迷上是因為開篇的一曲「Little Fluffy Cloud」，如童話一般色彩斑斕，又充滿奇詭想像。The Orb的Alex Peterson像是一不小心抖落了裝載滿童年回憶的口袋，各式各樣的小玩意和紀念品，一古腦兒全掉了下來。
— Aphex Twin《Selected Ambient Works Vol. 2》，1994：「電子音樂領域的Mozart」這個頭銜對於惡男Aphex Twin來說很貼切，尤其是這張《Selected Ambient Works Vol. 2》一如Mozart一般靜謐而悠遠。當然天才如Aphex Twin者，不僅自己能拼裝出一台analogue合成器，甚至一個禮拜便能製作出塞滿6張CD的音樂，實屬天人。
3. Synth-pop（合成器流行曲）
Synth-pop甫一浮出水面的時候與Glam Rock的關系似乎更大一些，顛覆punk的藝術化流行小調，如在音樂里追尋Andy Warhol所帶來的流行靈感。如今藉由Electroclash咸魚翻生的十幾二十年前的電子口水歌，統統成了高檔貨。
— Tubeway Army《Replicas》，1979：這次Gary Numan並非以solo的樣貌出現，所有人卻把這張唱片歸於偉大的奶油小生Gary Numan個人的名下。封面上Gary Numan顧影自憐的樣子最叫人永生難忘。有異裝癖的電音怪人Terre Thaemlitz也忍不住20年後用鋼琴重新溫習這張唱片，並且克隆出來的封面裡，甚至那扇窗都是20年前一模一樣的。
— Depeche Mode《Songs of Faith and Devotion》，1997：一直認為Depeche Mode有種積毀銷骨，消磨意志的負面力量。那些具有分裂般美感的旋律與吟唱，一如在暗夜悠然飄出的一縷鴉片香，美得讓人有犯錯誤的沖動。
— Pet Shop Boys《Please》，1986：放在整個Synth-pop陣營里來考察Pet Shop Boys，他們都算得上是異類，沒有那些藝術青年所通常抱有的顧影自憐，反而干凈得如青春期少年，並且十數年如一日，這點最值得驕傲。而《Please》里的「West End Girls」也絕對是Pet Shop Boys迄今為止最棒的歌。
4. House
一種disco音樂的變種，加上了4/4拍的電子節奏而成。就像朗姆酒是雞尾酒的基酒一樣，House是整個當代電子舞曲的基礎形態，最容易在各大舞池裡被聽到。
— Leftfield《Leftism》，1995：House音樂在Leftfield這里開始跳脫出娛樂的功能，成為一種激進的音樂。朋克音樂藉由Leftfield再度復活，John Lydon在「Burn Hollywood Burn」的叫囂，使人回響起「UK Anarchy」。Leftfield對House的創造性改造，使之成為一張經典唱片，而非隨時准備被淘汰的舞池單曲。
— Armand Van Helden《2 Future 4 U》，1998：Armand van Helden最著名的曲子可能是為Tori Amos的「Professional Widow」所做的mix。至於其後一張專輯《Killing Puritans》里拿德國重金屬經典樂隊Scorpions的樂曲做菜，改裝成house單曲。其帶點搖滾般重型風味的house也實在是該領域內少數派翹楚。
— Daft Punk《Home Work》，1997：若干年前，是Air樂隊的《Moon Safari》以及Daft Punk的這張《Homework》，才使得巴黎成為電子音樂新的孵化陣地。一向擅長搞怪作亂的Daft Punk，把跳舞音樂歸結為「狂熱、簡單、能量和效率」。《Homework》甫一推出，所有的舞池都在播放「Da Funk」。
5. Big Beat
給電子音樂一點搖滾的刺激似乎是Big Beat誕生的所有原因。幾乎擺脫了電子跳舞音樂里disco的傳統，直接在搖滾里吸取靈感，使Big Beat一開始便成為了排行榜的寵兒。
— Prodigy《The Fat of the Land》，1997：關鍵是主唱的雞冠頭，讓所有的punk樂迷在翻閱音樂雜志時，對這支樂隊都頗有好感。當然，音樂里那punk式的唱腔，以及縱火狂般的酣暢淋漓，使Prodigy成為整個Big Beat運動里第一支最成功的樂隊，其風頭蓋過1997所出的一切搖滾唱片，即便是正在浪尖上的Brit Pop也顯得暗淡無光。
— Chemical Brothers《Dig Your Own Hole》，1997：像Chemical Brothers那樣把節拍做到如化學試驗般詭譎莫測的程度，是該專門為他們發明個「Chemical Beats」的專用分類學名詞。收集齊所有來自《Dig Your Own Hole》的單曲唱片的無聊舉動，也只可能發生當時的Chemical Brothers的身上。整個評論界對Chemical Brothers的專寵行為，也使其他一眾Big Beat明星顯得嘩眾取寵了一些。
— Fatboy Slim《You've Come A Long Way, Baby》，1998：一天能收到4首單曲的混音定單，看來只能發生在Fatboy Slim身上。這張唱片的成功絕對為此推波助瀾。化名為Fatboy Slim的Norman Cook最具娛樂大眾的本領，同一時期他的單曲以及他為別人所作的混音單曲排著隊上榜，使這張《You've Come A Long Way, Baby》更像是張Big Beat的compilation唱片。
6. Techno
2/2拍的枯燥機械舞曲，源自Kraftwerk的靈感，卻成為整個電子跳舞音樂里最核心的品種。對於死硬派的樂迷來說，Techno遠比乖巧的其他樂種更純粹，更刺激。
— Derrick May《Innovator》，1997：作為Techno的發源地底特律的3位創始人之一，Derrick May早已成為DJ界內的傳奇性人物，在整個電子跳舞音樂不長的歷史中，真正能走進殿堂的人還不算多。正當絕大多數人把Techno認作是時髦流行音樂里唯一源自白人的風格時，卻往往忽視了幾位Techno的創始人，兼最優秀的DJ均是黑人。Derrick May在《Innovator》里，那種反黑人傳統的詩意的Techno最是行雲流水般暢快。
— Underworld《Second Toughest in the Infants》，1996：英倫最具轟炸力的Techno組合當屬Underworld，那種融進英倫氣息的Techno最叫人懷念Syn-pop時期的好風景，只是更直白、更明確、更狠，也更精緻。
— Plastikman《Consumed》，1998：正是因為Techno的節奏原型太簡單，所以Plastikman對Techno的改造更具實驗性，也更敏感。在《Consumed》晦澀的聽感里，蘊涵了太多的細節變化，似乎是離大眾遠了，卻更貼近Techno藝術的核心。
7. Trance
Trance被稱作Techno的改良版，自Techno越來越往聽不懂的方向發展時，Trance適時地為它加進了許多easy 的元素。
— Paul Van Dyk《Out There and Back》，2000：這張唱片里融進了最多歐陸流行曲的風味。在Paul Van Dyk身上，在機械的節奏上，加進幾乎是浪漫的風情是Paul Van Dyk成為DJ明星的法寶。
— BT《ESCM》，1997：它被譽為是最具史詩般風格的Trance唱片，BT那種直接從new age里汲取靈感的Trance，確實具有摧枯拉朽的力量。
8. Acid Jazz（迷幻爵士）
這種誕生於1990年代初英國DISCO舞廳的電子音樂，似乎越來越成為爵士樂復興的一個載體：讓爵士樂重新回到舞池裡。越來越多的爵士樂手加入到Acid Jazz陣營里，而越來越多的電子音樂製作人也開始越來越爵士化了。
— Us3《Hand on the Torch》，1993：這張據說是Blue Note歷史上最暢銷的唱片，大概也是Acid Jazz中最暢銷的一張了。首張單曲「Cantaloop (Flip Fantasia)」使Herbie Hancock原作 「Cantaloop」成了街知巷聞的熱門旋律。
— Gilles Peterson《INCredible Sound of Gilles Peterson》，1999：Gilles Peterson被譽為Acid Jazz運動的開國功臣，他不僅是世界級DJ，還是廠牌Acid Jazz的聯合創始人，也是著名廠牌Talkin' Loud的老闆。是Acid Jazz最孜孜不倦的推廣人。
— James Taylor Quartet《The Money Spyder》，1987：據說這支樂隊才是Acid Jazz這個名詞的創始人。無論如何，這個由與美國老牌民謠搖滾明星James Taylor同名的英國人領導的四重奏組合，是Acid Jazz舞台上最早也是最活躍的藝人之一，他們非常濃厚的Soul Jazz風格實際上在Acid Jazz之中樹立了一個鮮明的標尺，並深深影響了很多後來的Acid Jazz樂隊。
9. Trip-hop
有那麼幾年，Trip-hop陰暗的節奏不僅統治了英國樂壇，也成了全世界搖滾迷和藝人熱烈追捧的對象。一段時間，英國人竟然要高喊「Trip-hop已死」，這只能表明：Trip-hop已經成為不可磨滅的音樂之血滲進了後來的電子音樂骨頭之中。
— Massive Attack《Blue Lines》，1991；Portishead《Dummy》，1994；Tricky《Maxinquaye》，1995：對於Trip-hop三巨頭的這3張幾乎人人都有的處女作，還有什麼好說的呢？還是把版面留給其它人吧。
— Moloko《Do You Like My Tight Sweater?》，1995：跟Portishead一樣，這是一男一女兩人組合；跟Portishead完全不同，這個組合玩的盡管也是Trip-hop，卻有著少有的幽默感，一聽起他們懶洋洋的滑稽歌曲，就會忍不住笑著手舞足蹈起來。
10. Abstract Hip Hop（抽象嘻哈）
Hip Hop升級版，把Hip Hop最核心的部分拿出來作實驗，反而最遠離原初的黑人音樂根源，從而把Hip Hop帶出貧民窟。
— DJ Shadow《Entrocing......》，1996：Abstract Hip Hop里最經典的唱片，DJ Shadow那如魔術一樣的雙手化一切腐朽為神奇。那種復雜編排，以及將scratch技術發揮到極致的聰明構思，使這張唱片今天聽來也仍犀利無比。
— DJ Krush《Zen》，2001：DJ Krush可能是日本向世界輸送的最大Hip Hop明星了。那種具有異國情調的Hip Hop化學配方最是繞過具有意識形態特質的黑人根源，而直達Hip Hop音樂本身。其實很難分清部分Abstract Hip Hop與Trip Hop的區別，在DJ Krush身上也不例外，只是這樣一種音樂上的cross over的嘗試，似乎是Hip Hop走出自身藩籬的絕妙嘗試。
— Antipop Consotium《Tragic Epilogue》，2000：Antipop Consotium更加實驗得厲害，那種原初Hip Hop里粗野的rap已被知識分子化政治宣言以及美學主張所取代，其表達的內容更深刻，在音樂上也積極向實驗跳舞音樂靠攏，想像力更加豐富了。
11. Drum N' Bass
跳舞音樂的加速版，身體不一定能跟得上節奏的速度。流行的時間並不算長，便被相對溫和的UK Garage所取代。
— Roni Size & Reprazent《New Forms》，1997：自稱創造了「叫人得心臟病的舞曲」，這樣一支全明星陣容所組成的Drum N' Bass樂隊，當年該專輯一推出，便力排Radiohead、Prodigy，以及Chemical Brothers這類浪尖人物，摘得專門表彰創新藝人的Mercury音樂大獎。正如其標題所昭示的，Roni Size Reprazent的音樂以全新的形式感超越了Drum N ' Bass創始人Goldie
— Photek《Mos Operandi》，1997：Photek的Drum N Bass則更黑暗幽深，不講究乖張突兀的奇詭細節，反而將其簡化到如Ambient般營造氛圍的境界，一如觀看一部黑白間諜電影，緊張與壓抑的氣氛在這張專輯里揮之不去。
— Talvin Singh《OK》，1998：Talvin Singh將印度傳統音樂與Drum N ' Bass節奏嫁接到了一起，使傳統、異國情調、以及在當時來說最尖端的電子跳舞音樂匯聚到了一起，所有的這些時髦元素，使這張《OK》成為當年最具創意的專輯。
12 . Electroclash
新近的時髦電子音樂，融進行為藝術、戲劇表演，源自punk或Synth-pop的上世紀70年代末音樂審美重新成為今天新的時尚。
— Fischerspooner《#1》，2002：作為Electroclash運動里最大的明星Fischerspooner，他們將美妙的音樂、絢麗的服飾、強勁的視頻設備以及戈戈舞女們的表演完美地結合在一起。由Fischerspooner所代表的Electroclash是一場充滿DIY精神的運動，它借用大搖滾樂隊那樣極度風格化的表現形式，使俱樂部文化與先鋒表演藝術亦得以復興

⑻ 有沒有好聽的中國電子音樂 。

我知道的 盧小旭

⑼ 中國的電子音樂為什麼和國外電子音樂差距那麼大

歷史文化不同

⑽ 中國歌手有誰是電子音樂的

尚雯婕