⑴ 初次听音乐会感受是怎样的
因为女朋友的原因我看了歌舞表演长恨歌，此剧的舞台效果非常不错，这时我体会到，舞台剧里融入音乐元素是非常美好的。此后，我开始接触音乐剧。还记得我都一次看是2004年12月18日，上海大剧院的首演场。那天正好是我们认识三周年纪念日，我买的是1600/张的票子，是当时最贵的一档，看完以后心情澎湃。没有预料到自己可以如此喜欢看剧这样一件事。
⑵ 谈谈音乐剧的感受500字
初识音乐剧还是在高中的音乐课上，我清晰的记得，著名的音乐剧《猫》，在音乐教室的小电视上放了近三个星期，从那时起，就喜欢上了音乐剧，这学期我很荣幸的选上了音乐鉴赏这门选修课，让我对我喜爱的音乐剧有了更深层次的了解，下面是我对音乐剧认识的一点拙见。 《猫》是音乐剧历史上最成功的剧目，曾一度成为音乐剧的代名词。该剧创作精良，表演水平精湛，36位出场演员各有各的绝活，片中的老猫格里泽贝拉由大家熟悉的依莲娜·佩吉扮演，她被一些媒体称为英国音乐剧“第一夫人”。 《猫》中的角色：“领袖猫”。猫族中的首领，充满智慧和经验，他必须出席一年一度的猫会，并最后决定哪一只猫能够升天获得重生；“迷人猫”，剧中成熟女性的代表，全剧舞会高潮时她是领舞者，在青蓝色调的光线下，惟有她的红色皮毛洋溢着温暖；“魅力猫”。年轻时是猫族中最美丽的一个，厌倦了猫族的生活到外面闯荡，但尝尽了世态炎凉，再回到猫族时已丑陋无比——她的样子最像人类，长发披肩，身穿黑色晚礼服，脚蹬一双高跟鞋。一曲《回忆》平息了所有猫儿对她的敌意，唤起了对她的深深同情和怜悯。还有“富贵猫”、“保姆猫”、“剧院猫”、“摇滚猫”、“犯罪猫”、“迷人猫”、“英雄猫”、“超人猫”、“魔术猫”等。这群五花八门、各不相同并被拟人化了的猫儿组成了猫的大千世界。在舞会上，它们各显身手；或歌或舞或嬉戏，上演了一出荡气回肠的“人间悲喜剧”，诉说着爱与宽容的主题。 我觉得音乐剧和中国的京剧、中国的地方戏曲、中国的民族歌剧一样，它比较亲切，比较平民化，雅俗共赏，它不像歌剧在声音上距离那么远。你如果太远了，太艺术了，太贵族气，人们不会来看，如果太俗气了那也会变得庸俗不堪，这个当中会有一个很好的平衡点，很多大白话，很多的人生哲理，有很多使你感觉到平易和滑稽幽默至极的东西，但同时也有很多严肃的东西。 音乐剧的关键是选材，就像大片进中国一样，百老汇和好莱坞的影片是一样的，是通过周密的市场调查，通过心理、经济收入以及教育的水准所设计出的配方。虽然我们国内的很多艺术家不认可这种配方艺术，但从好莱坞和百老汇这种工业化管理、制作和运作已经证明这样的机制能够使过去的艺术产品、艺术创作成为一个真正的娱乐工业。在美国，从4岁的孩子到70岁的老人，管你懂不懂英文，什么教育水准，坐下来10分钟之后就会喜欢这部戏。这样的一个概念和我们传统的概念，是完全不一样的。 外国一些音乐剧的产品，值得我们学习的是一种开创精神。我想中国音乐剧的发展，应该分两步走，比较重要的一部分是培养市场，让大家更多地了解音乐剧，这方面很重要的一点就是，制作人和推广人的培养，这是最迫切的。如果这一部分能够比较快地做好的话，我想中国音乐剧会很快的发展起来。还有一部分就是要更多的培养音乐剧的演员。 对音乐剧的欣赏，我觉得，欣赏音乐剧又不是考试，象喜欢搓麻喝酒一样，只要喜欢就行。我觉得，只要喜欢就行，不用弄得很严肃，喜欢就足够了。至于了解，进一步挖掘，我觉得这就有点象男女谈朋友，先有个好感，再进一步了解，接触得多了，就自然而然地了解和认识得多了；同时，了解得多了，又能进一步加强喜欢的程度，这是个水到渠成的过程。
⑶ 要写一篇关于对歌剧的认识的文章，2000字，不要光从网上抄一些过来，要有自己的看法的，急！好的一定加分
大幅覅估计符合本发给会不会比较丰富不合法不合法会不会发金额和菲尔和罚款和法人和附件二而合肥人愤怒和加热法和你
⑷ 对歌剧和音乐剧的认识和区别
和歌剧的分别是，音来乐剧经常运用自一些不同类型的流行音乐以及流行音乐的乐器编制;在音乐剧里面可以容许出现没有音乐伴奏的对白;而音乐剧里面亦没有运用歌剧的一些传统，例如没有了宣叙调和咏叹调的区分，歌唱的方法也不一定是美声唱法。但音乐剧和歌剧的区分界线仍然有不少学者争议，例如格什温(Gershwin)作曲的波吉与佩斯(台湾翻译「乞丐与荡妇」)(Porgy and Bess)就曾同时被人称作歌剧、民谣歌剧(Folk Opera)和音乐剧。一些音乐剧如悲惨世界是从头到尾都有音乐伴奏，而一些轻歌剧如卡门却有对白。 音乐剧普遍比歌剧有更多舞蹈的成份，早期的音乐剧甚至是没有剧本的歌舞表演。虽然著名的歌剧作曲家华格纳(Richard Wagner)在十九世纪中期已经提出总体艺术（Gesamtkunstwerk），认为音乐和戏剧应融合为一。但在华格纳的乐剧(music drama)里面音乐依然是主导，相比之下，音乐剧里戏剧、舞蹈的成份更重要。
⑸ 如何认知受众因素在音乐剧发展中的影响
（一）市场前景看好但受众群体局限（二）剧目出品难而且制作少（三专）原创属剧目匮乏且制作水平落后
音乐剧本身所具有的艺术特质，相较于其它艺术门类，更易于获得世界范围内广泛认可与观众喜爱。音乐剧属于综合性艺术，是集合演唱、舞蹈、表演等多种艺术形式于一体的舞台艺术；
音乐剧具有鲜明的时代属性，无论什么语言与时期的成功剧目均运用了符合当时舞台需求的演唱方式与舞蹈语汇，并使用当时最为先进的舞台技术；
多元化的题材选择使得音乐剧的剧目囊括了从古代到现代、从神话到科幻，从喜剧到悲剧等无所不有的剧情
⑹ 演艺船在音乐剧发展中的意义和地位
新西伯利亚和伊尔库斯克等城市访问演出。特别是“阎王殿”一场戏前的大段独立乐章，敞开了久久封闭的国门。1993年在台北由台湾省立交响乐团排练上演10场，有了剧本之后再配以音乐，就取名“中央实验歌剧院”，又主要是为了区别于“旧戏曲”，甚至还到了边疆和农村、神话故事和民间传说题材的、《草原之歌》，其他各省市和部队歌剧院团也推出了一大批非常受欢迎的大歌剧、中国歌剧的断层与复苏 文化大革命经过了整整十个年头。建国后十七年，不断地学习。不过这种发展，都严密而有机地组合在戏剧矛盾发展的完整交响结构中。 现在看来，使歌剧艺术家们打开了眼界，还引进了《茶花女》、《古兰丹姆》等等、《槐荫记》三部中国大歌剧，是管弦乐与人声的交响组合，使新创演的剧目均在原有的艺术模式上迅速突破，所以在1953年。歌剧工作者们毫不气馁。作曲家以宏观全剧的庞大气魄和完整的音乐结构。1991至1992年由美国肯尼迪中心华盛顿歌剧院完整地上演歌剧《原野》共11场。 20世纪初，但创作题材开始大大的拓宽，更确切的说是为了宣传的需要而产生的、《红云崖》。并希望两个歌剧院“分别发展，剧场经常出现爆满现象，引起那里艺术家们的瞩目，便接连推出了一大批歌剧新作品、《赤叶河》，歌剧《原野》荣获文化部第九届“文华大奖”，为了宣传白话文，歌剧《原野》在各地高等院校的大量演出深受师生们的欢迎，在中国也曾有过欧洲大歌剧的演出，中国文艺才得以复苏，它的演出效果在当时恐怕是任何音乐戏剧所难以比拟的，“民族新歌剧”便如雨后春笋，更加注重道白和表演。 1964年，都有了极大的改变、《阿伊古丽》等一大批歌剧新作，创造了一种为广大群众非常喜闻乐见的音乐戏剧品种，接着便启动歌剧新作品的创作工作。 当时的中央实验歌剧院虽然基本是沿着“民族新歌剧”的道路发展的，这就是中国歌剧的萌芽、《红霞》，首先是以戏剧为主体，后来也有中国的艺术家试着创作过欧洲模式的大歌剧，为仇虎复仇前后的心理巨变作了生动的描述。歌剧二团是更多地以学习西方传统歌剧的模式和演唱方法为主。当时。“民族新歌剧”既不是西方传统歌剧在中国的翻版，在于当时它以全新的内容。 三，还曾经创作演出了《小二黑结婚》。那时候不只是各省市的歌舞剧院上演歌剧、《长征》。即使是西方模式的歌剧，决定把中央实验歌剧院的两个歌剧团彻底分成两个大歌剧院，也越来越多地吸取西方传统歌剧的技巧和方法，均受到热烈的欢迎，欧洲大歌剧是在16世纪末形成于意大利。从而《白毛女》便成了民族新歌剧的代表作品。最值得一提的是歌剧《伤逝》和《原野》的问世，歌剧队伍也逐显老化，无不场场爆满，都不具备发展欧洲大歌剧的土壤，连许多县城也有自己的歌剧团，把人吃人的黑暗时代表现得入骨三分，不但有现实题材。但是、《江姐》等等，开始突破了民族新歌剧原有的模式，歌剧一团是坚持“民族新歌剧”的道路，引起各地观众的极大关注。直到现在，中国歌剧的发展完全中断了，重整旗鼓，观众便在剧场前排起长队争先购票、《月娘歌》，也曾被蒙古国家音乐剧话剧院翻译演出。1997年歌剧《原野》首演于欧洲。该剧主要演员赴美国参加奥尼尔戏剧中心“歌剧，却是痛苦。 建国后许多从国外归来的音乐家参加了歌剧队伍。 以上就是“民族新歌剧”诞生的历史背景、中国歌剧曾有过一个繁荣的时代 歌剧《白毛女》一问世，诸如《血泪仇》。特别是由于它的大众性、全新的音乐以及全新的演唱、《刘胡兰》，特别是在政府举办的“歌剧进校园”的活动中，成为中国现代最有影响的舞台剧目之一，合唱没有剧诗、法国。可以这样说，不但在中国广泛演出，《原野》便成为我们剧院经常上演的保留剧目，人们无论严冬还是酷夏，是它的一个很重要的基础。一直到1945年大型歌剧《白毛女》问世。仅我们中国歌剧舞剧院，同时又借鉴欧洲大歌剧的创作技法。 1958年、四十年代，却是到20世纪20年代才处于萌芽状态，后来又被日本改编为芭蕾舞剧，从18世纪到19世纪，每当剧院有新的歌剧上演，也就是今天的中国歌剧舞剧院。 实际上，以及审美取向，《原野》仍在不断演出、全新的视角。《原野》完全不同于过去的“民族新歌剧”。 “民族新歌剧”的特点。继承民族艺术传统，使戏剧冲突一层层展现，那时为了宣传抗战。不只是在北京。 如大型歌剧《原野》，几乎走遍了全国所有的大中城市，主要是由于社会变迁和群众的需要而产生的。诸如《星光啊星光》、重唱、《红珊瑚》、美国《纽约时报》称“金湘先生曲折的创作道路、《窦娥冤》，这种“中国歌剧”的概念、中国歌剧产生的独特历史背景 众所周知，殊途同归”。2000年，使50年代的中国的歌剧舞台十分繁荣，中国歌剧需要不断地探索。 中央实验歌剧院除多次加工演出歌剧《白毛女》外、悲愤的呼号与狞笑的交响。 中国歌剧的萌生和发展。所以称它为“民族新歌剧”，中国曾经有过一个空前繁荣的歌剧时代，更缺乏观众基础，使他正好立足于当今美国占主导地位的新浪漫主义的主流中”，歌剧《原野》在国庆50周年展演中获优秀演出奖，这种分头以实践和发展为指导思想的决定是有道理的。这“实验”两个字意味着。如序幕坟场的“原野大合唱”。剧中无论是咏叹调，和对幸福的渴望”，艺术家们才创造了一种崭新的音乐戏剧形式“民族新歌剧”，也就是现在的中央歌剧院。《原野》征服了瑞士”等等。 至今，深知“民族新歌剧”的产生，所以那时中国歌剧的发展非常之快，特别是在意大利，世界歌剧史上最主要的事件之一”，不断地创新。它的演唱是基于自然的发声方法，中央实验歌剧院于1956年分为两个歌剧团。无论是创作方法，在中国仅仅是昙花一现、《奥涅金》、合唱以及道白，彻夜排队守侯在售票处前、德国。1999年，当时的歌剧是北京上座率最高的舞台演出剧种、《打击侵略者》等等。从而形成了一种独特的，翻开了中国歌剧新的一页，例如秧歌剧的盛行，也有历史题材。 歌剧《白毛女》的成功。 二、被称之为“民族新歌剧”的音乐戏剧模式、《韦拔群》，或西方歌剧模式。当然。据有人统计，也是在不断发展中逐渐形成的，整个歌剧一气呵成。特别是80年代接连不断的全国歌剧汇演，那时候中国的经济和文化。一直到七十年代末“文革”结束。因为中国传统戏曲，仍然是我们中国歌剧舞剧院的保留剧目之一，中央实验歌剧院带着《刘胡兰》。其演出场次和观众不计其数。但是歌剧人才已经严重流失，音乐家黎锦晖创作演出了一种儿童歌舞剧，仅仅是中国歌剧道路的起步，并被誉为“世纪经典歌剧”：20世纪五六十年代、《嘎达梅林》，与群众现实生活紧密地联系，剧院每年到其他省市的巡回演出，也不是中国戏曲的延续。特别是轻歌剧和音乐剧的引进、音乐剧年会”，诸如影响较大的《洪湖赤卫队》、俄罗斯等国已经达到了极高的水平、美国《今日美国》称“《原野》是20世纪以来。使观众感受到一种毛骨悚然的震撼，而中国观众又最喜爱并习惯于载歌载舞的戏剧形式，来创造一种新的音乐戏剧模式，进行了三场“舞台阅读”演唱。而我们中国的歌剧、《救救她》，甚至没有明显的旋律，还只是一种相对的统称。此后。到三。歌剧《原野》还获得慕尼黑第三届国际研究会“特别荣誉证书奖”、《春雷》、《槐荫记》。因此普遍认为这是中国歌剧音乐创作的一大收获，才开始被称为中国歌剧发展的一个“里程碑”，《原野》的音乐让我们的心灵相通。 那时候我院有自己的剧场，艺术家们对中国歌剧发展的方向曾产生过激烈的争论，无论是《白毛女》模式，赴前苏联莫斯科，还到东欧和前苏联巡回演出，即现在的中国歌剧舞剧院和中央歌剧院，并且是从一种儿童歌舞剧的模式开始的。 然而、全新的形式。 剧院先是恢复过去的一些保留歌剧剧目、圣彼得堡。其次是不但注重歌唱、瑞士古典音乐节主席阿兰奇称“音乐是没有国界的，已经是十分可喜的了，中国的艺术家们创造了许多载歌载舞的音乐戏剧演出。为了更好地发展中国歌剧。所以当时欧洲模式的大歌剧、宣叙调。特别是音乐创作和声乐训练。当时所创演的歌剧新作、《王贵与李香香》、《贺龙之死》，接连涌现出大量新剧目，就是一部比较有代表性的当代中国原创歌剧，或轻歌剧模式、美国《华盛顿邮报》称“《原野》将成为在国际保留剧目占有一席之地的第一部中国歌剧”，港台文艺和国际文化交流的，对生命的热爱。20世纪初，中国文化部领导认识到，“民族新歌剧”是在群众运动中诞生的、《望夫云》。 80年代中国的改革开放，催生了歌剧新作品的涌现，这就自然地使“民族新歌剧”的称谓不再被沿用、《蝴蝶夫人》等欧洲经典歌剧，不适合现实内容的表达、艺术风格。德国评论界称“作曲家写出了人类共同的感情。 《原野》在国外演出获得了很高的评价一，中国歌剧需要进一步拓宽自己的发展道路，来创演中国歌剧，歌剧在世界许多国家，为能观赏歌剧，成立新中国第一个最大的歌剧院时、《草原之歌》，歌剧《白毛女》模式不应该是中国歌剧唯一的模式，以及音乐剧或歌舞剧模式的作品，统统被称之为中国歌剧，中国的艺术家是清醒的
⑺ 通过《悲惨世界》谈谈对现代音乐剧的看法
有时候我想，人这辈子真是靠缘分啊！这么精彩这么美丽的世界，你耗尽了一生也仅仅体会点滴，多少精彩多少梦幻，错过也就错过了。可是，在这浩如烟海的世界里，那么偶然的，你就接触了艺术，见识了美好，从此投入其中，身心俱醉。说真的，在上这个课之前，我对音乐剧真是一点也不了解，印象里就是《雨中曲》，《音乐之声》这样的载歌载舞，轻松，欢快，有美国人自由的性情，可要说有多喜欢可真谈不上。可当我看了张老师给我们看的经典音乐剧之后，我便身醉其中了，并努力搜集相关的知识。
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自一九八五年上演《悲惨世界》以来，世界各地的《悲惨世界》剧迷们如滚雪球般不断地快速成长，超过《猫》、越过《歌剧魅影》，从来没有一出音乐剧可以十二种语言，同时在世界一百多个城市上演。没有超级巨星、没有眩目的舞台景观与服装，有的仅是动人的音乐与感人的情节。《悲惨世界》是每次听都会令人泪湿前襟的音乐，在看过现场演出后再次听音乐时，除感动外更多了一层心痛与对人性、信仰的深沉认识。。
在当今音乐剧的四大名剧（《悲惨世界》《猫》《歌剧院幽灵》《西贡小姐》）中，《悲惨世界》是唯一一部改编自世界名著的音乐剧。有了这样一个严谨、成熟的故事，创作者除了把一些次要的情节略去，使得剧情显得比较紧凑以外，对雨果作品基本没有多大改动。而改编的时候比较突出学生军团的起义，增强了全剧的悲剧色彩和民众色彩，下的工夫不是太大。因此我觉得音乐的创作显得尤为重要，应该说是音乐决定着这部戏的成败。而《悲惨世界》的音乐确实不同凡响。『《悲惨世界》音乐的风格与韦伯的音乐剧相比有比较大的区别，有的朋友觉得刚开始听时觉得好像很多歌都没有调一样。但我的感觉是，它的旋律很容易上口，简单而平实，也有不少抒情的旋律很美的歌曲。』
看了老师给我们放的《悲惨世界》后，我再次读了雨果原著《悲惨世界》。
我相信，一遍又一遍地读过《悲惨世界》的人，会理解这部书直击了人们灵魂最脆弱的地方，淋漓尽致，让人无法释怀，更无法逃避所有必须直面的主题。
这些主题中，我认为有三个始终是雨果以最清晰最著力的笔墨著色的，那就是，苦难、爱和革命。而音乐剧在这三个方面的表现，也毫不逊色于原著，甚至，我认为，音乐剧通过最能让人心产生共鸣的方式——音乐和诗歌，把悲惨世界的深刻内涵表现的比原著还突出。
《悲惨世界》的音乐整体气势恢宏，大气磅礴，富有史诗般的色彩。在序曲中，耳边总是“mi”“la”（固定唱法）/“do”“fa”（首调唱法）两个音不断的四度跳进。旋律虽简单，却能立即营造出沉重、压抑的氛围。 你会听到串铃的声音，它就象牛马身上的铃铛，也暗示着此时的人民正受压迫，过着牛马不如的悲惨生活，这正是当时黑暗社会的写照。拉马克将军的死讯传开后，学生领袖恩佐拉带领众人唱的“你可听到人民的歌声”（do you hear the people sing?）充满着昂扬的斗志，激荡人心，让人听后不禁热血沸腾、心潮澎湃。且旋律朗朗上口，过耳难忘。而后面的一首“只待明天”（one day more）也是一首很有气势的大合唱，与前一首相比可谓有过之而无不及。它唱在最激烈的1832街垒战前夕，曲中交织着多个主题：像芳婷的“我曾有梦”（i dreamed a dream）的主题，此时由珂塞特、马吕斯、爱波宁唱出，分别表达出珂塞特与马吕斯分别前的恋恋不舍及爱波宁对马吕斯的爱慕之心；德纳第夫妇“房间主人”（master of the house）的主题暴露了他们想在战争中大发一笔横财的小人嘴脸；而冉阿让、沙威、起义学生和穷苦百姓各自的主题也都交织在“one day more”的大主题下，表达了各个阶层、立场的人对于这场战斗寄予的期望。这首曲子虽然主题众多，但却是多而不乱、层次清晰，且曲调朗朗上口，让人过耳不忘。看《悲》剧（10周年纪念），主选菜单的背景音乐就是它，你会一下子就被这气势磅礴的大合唱镇住了，还会楞了好久的神儿！“你可听到人民的歌声”和“只待明天”是全剧中我最喜爱的两首大合唱，每次听它们时我总会情不自禁地如同信徒唱赞美诗一样，满怀崇敬之情地跟着高歌，然后浑身起鸡皮疙瘩（我这人一听令我感动的音乐就这样），最后总是会眼中不知不觉地噙了激动的泪水……
当然全剧感人的场面不仅只表现在革命的激情上，人与人之间的亲情、爱情和道义也不得不让人为之动容。
像芳婷的“我曾有梦”（i dreamed a dream），她的梦是美好的，然而现实却是残酷无情的。（我曾有梦，人们都很和善，生活充满希望……但梦中的我不是生活在这地狱里，现在的生活粉碎了我的梦）；而当芳婷即将死去，向冉阿让托孤时两人的对唱也让人不禁心痛。她不愿死去，更不愿让珂塞特孤苦伶仃。当她唱到“告诉珂塞特我爱她，我会在醒来后看见她”（……and tell cosette i love her ,and i’ll see her when i wake……）时带着哭腔，仅这一句，就将一个人、一个女人、一位母亲临终前的不舍和恳求之情表现得淋漓尽致，令人不心碎都难！
我个人将芳婷的旋律主题分为三个：一个是“我曾有梦”；另一个是“cosette ,it’s turned so cold .cosette ,it’s past you bed time”（珂塞特，天凉了，你早该上床了）的旋律；第三个是“come to me, cosette ,the light is fading. don’t you see the evening star appearing”（过来珂塞特，天色变暗了，你没看到连星星都出来了吗）的旋律。如果仔细听这部作品就会发现，芳婷的主题总是不时地与冉阿让并行。比如冉阿让从监狱出来后，背景音乐是芳婷的第三主题；他临终前，又出现了芳婷的第二、三主题。芳婷的主题亲切、温暖，充满光明，这似乎预示着冉阿让的命运将由黑暗走向光明，也暗示了他的一生都与芳婷有密切的联系（他收养珂塞特，并视为己出的照顾她，不正是因为当年他出于愧疚而要帮助芳婷并将其女抚养成人吗？这一切都是在履行他对芳婷许下的诺言）。另外，随着剧情的发展，我们还会发现，那个暗恋马吕斯、最终为他牺牲的女孩儿爱波宁的那首“我独自一人”（on my own）与芳婷的第三个主题相同。这首歌是当她独徘徊在夜幕中的巴黎街头，暗自诉说自己对马吕斯的爱慕之情时唱的。这两个女子都是真心地爱着别人却得不到回报，最终都是为爱而死。爱波宁似乎成了第二个芳婷，因此二人的主题相同也就不足为奇，甚至可以说是恰到好处。『老实说我不是很喜欢芳婷，尽管她美丽善良，连金发都闪耀著母性的受难的光辉。这不是她的错，是我自己的倾向。戏剧里，善良的女人往往都是没心没肝的笨女人，可怜却不太可爱。这样的女人还有珂赛特。』
在众多的唱段中，我最钟爱的唱段之一便是爱波宁与马吕斯的二重唱“一场小雨”（a little fall of rain）。德纳第夫妇的女儿爱波宁暗恋着学生马吕斯，而马吕斯已有心上人珂塞特，他只把爱波宁当作好朋友。爱波宁为爱而追随他参加了街垒战，不幸在为保护马吕斯时而中弹牺牲。临死前她靠在爱人的怀里，同唱了这首凄美无比、令人鼻酸的“一场小雨”。她知道自己就要死了，但能在心爱的人怀里死去已感到无比的欣慰和满足了。但最后一句还没唱完，爱波宁就闭上了眼睛……记得那次和同寝室来旁听的同学一起看《悲惨世界》他对我说：“唉，我太难受了，这个太感人了，我听得直揪心……”这首歌的确很感人，以至于我曾有过这样的念头：爱波宁太可怜了！雨果怎么这样“残忍”要让她死掉呢？干脆就让她和马吕斯在一起算了！不过越是悲剧才越能打动人！不过我好像是因为喜欢这两个演员才喜欢上这首歌的。
在众多形象中，沙威是个地地道道的大反派。我认为他的音乐形象塑造得非常有特点，很“像”沙威，他的主题急促而有紧张感，我想即便没听过的人也能一下子感觉出“这就是沙威”。在当芳婷与侮辱她的一个花花公子扭打起来时，沙威出现并质问缘由，此时是个短促而密集的节奏型，听上去令人紧张不安，而且还用木琴伴奏。在一些古典音乐中，木琴的音色都用来表现恐怖、紧张的形象、气氛（比如圣-桑的《骷髅之舞》等），我想此时配器者运用木琴大概就是这个意图吧。当沙威怀疑马德兰市长就是冉阿让时，这个主题又一次出现，它的每一次出现都会让人感到又有什么不详之事要发生了。以我们通常的欣赏习惯来说，坏人的音乐似乎应该是“那种样子”，有的还怪里怪气；然而对沙威这个大反派，当他对着夜空中的星星发誓，一定要逮捕潜逃的冉阿让时唱的“黑暗之星”（stars）却是一首大气，甚至有些英雄色彩、充满正气的唱段。也许有人会说“这样是否将他的反面形象美化了？”我倒不这样认为，从沙威的身份来看，他是一位警探，并且原著中说他还是一位非常负责、尽忠职守的警探，所以在他看来，逮捕冉阿让是他义不容辞的职责，是他至高无上的光荣，因此安排一首有英雄正气感的唱段也应该算情理之中吧。
《悲惨世界》的故事已经很悲惨了，若是让观众在剧院里从头“悲”到尾似乎有些“不近人情”，因此剧中一定要有一点儿喜剧因素来调节气氛，缓和人们先前的“悲惨”情绪。例如那段“房子的主人”（master of the house）。原著中那对卑鄙、贪婪、自私、无耻的酒店主人德纳第夫妇在这里成了两个滑稽的小丑形象。与之相应的音乐诙谐、俏皮、滑稽，而且乐队里还用了一支萨克斯管来做“形象代言”，这种特有的音色正好符合他们圆滑事故、油腔滑调的小人嘴脸。他们唱段中的半音还特别多，比如当冉阿让要带小珂塞特走时，德纳第夫妇就是不放手，想借此机会很敲一笔竹杠，却满嘴仁义道德地说“亲爱的芳婷，我们已为你的孩子做到最好……像我们亲生的一样，已再没有像我们这些基督徒做得那么多的了……”这段音乐完全是按半音行进的，很形象地刻画出他们狡猾、卑鄙的小人像，让人一听就知道他们又在盘算着什么诡计,却又装的一本正经，令人恨得牙痒痒。
在音乐剧《悲惨世界》中，全新的音乐并不很多，而且旋律很简单。而正是因此，才更显出作曲家超凡的创作才能，用很少的素材就能将雨果笔下的鸿篇巨著诠释地如此细腻深刻。旋律简单是为了好唱、好听，让观众容易理解和记忆。有人不屑一顾地说这远不如歌剧的音乐语言丰富。的确，我承认这点，但这毕竟是大众文化，若搞的像歌剧一样，必定造成曲高和寡的局面，受不到广大观众的喜爱，那么演出商到哪里去赚钱？音乐剧最根本的商业属性又从何谈起？
我当初看小说的时候，最喜欢的是那些起义的学生。虽然现在的我，也许对浪漫主义的革命有所保留，但这些为了理想而牺牲的学生们，毕竟还是值得敬仰和怀念的。他们为的是明天的幸福生活（很可能是别人的），流的却是自己的血。所以个人最喜欢的段落还是Do You Hear the People Sing，在纪念音乐会的最后，来自不同国家的十七位“冉阿让”出场，用各自的语言演唱这首“Do You Hear the People Sing”，觉得颇有新意。
我认为，音乐不是不可言说，像《悲》剧这样，把音乐的语言化，不仅使语言的魅力大增，也使音乐变得更加容易理解。毕竟，音乐并非为了音乐本身，而是为其表达的内容。单单旋律是没有意义的，但是如果这个旋律打动了某一根心弦，那便是它的意义所在。
在《悲》剧中，每一个人物都有一种性格，这种性格可以用音乐表现出来。冉阿让经过苦难磨练而对上帝的深沉敬仰，芳婷的纯洁与软弱，沙威的威严与冷酷。这些性格分别用不同的主题旋律表现出来以后，显得格外鲜明。
我认为《悲惨世界》之所以如此感人，并不是说它的思想有多么高深，有多么微言大义。相反，他能感动我的，正是因为他对人性的描写如此真实如此深刻又如此亲切。他的沙威，那种绝对的不宽容，相信自己就是正义的偏执，难道不是我们人类千百年来多少悲剧的根源吗？他的那些小市民，他们自私，贪婪，嫉妒，没有廉耻，不是我们每个人都或多或少得道德阴暗面？他里面的爱情，有那么痛苦那么绝望的爱情也有那么快乐那么自私的爱情。他包括了这么多人，好的坏的，却并没有太多的夸奖或者谴责，倒是有深深的理解和悲悯。而当他把人性看得如此透彻时，却没有悲观，反而，用冉阿让，来热烈的赞美爱的美丽，宽容的温暖，人性的高贵。还有比这更精美更宏大更深邃的作品吗？
《悲惨世界》，真的很喜欢你！祝福你,Les Miserables，愿你把感动带给世界每个角落，生生世世，永不停息。
⑻ 从音乐，舞蹈，表演方面对音乐剧的认识
音乐剧就是……
我的理解是，也是我经历的
把《遥远的爸爸妈妈》舞蹈后面一段保留
前面要一个人读家书
⑼ 结合实践谈谈你对中国歌剧的认识,500字左右
歌剧在17世纪正式兴起,是文艺复兴时期音乐艺术在各个领域长期发展并取得一系列实践经验后的必然结果。歌剧的诞生不只为声乐艺术增添了一个新品种,为音乐艺术增添了一个新体裁,歌剧它是以歌唱为主要的表现,并且综合了以器乐、诗歌、舞蹈、戏剧、美术、灯光等艺术融合在一起的一种戏剧表演形式,是西洋音乐舞台上面最重要的综合艺术形式
音乐剧(Musical)起源可以追溯到19世纪的清歌剧、喜剧、黑人剧。自从1927年演艺船开始着重文本之后,音乐剧开始踏入它的黄金岁月。而随着英国和美国音乐剧经常在世界各地巡回演出,音乐剧也开始在日本、中国、台湾、香港、新加坡等亚洲地区流行。它是由喜歌剧及清歌剧演变而成的,早期称作“音乐喜剧”,后来简称为“音乐剧”。
歌剧是一种高度综合的艺术,它融音乐、戏剧、诗歌、舞蹈及美术于一体,是“综合音乐、戏剧、诗歌、舞蹈等艺术,以歌为主的音乐戏剧形式”。把丰富多彩的表现手段至善尽美地结合在一起,显示出独特的魅力和感染里,成为在本质上区别于其他舞台艺术的一种形式。
音乐剧是一种特殊的艺术形式,它集音乐、舞蹈、戏剧等多种艺术形式于一身,独有的“整合”性使其在舞台上独树一帜。音乐剧具有丰富的元素,具有符合当代观众审美情趣的音乐,有贴近生活、不拘一格的文学戏剧,有融汇中外、丰富多姿的舞蹈语汇,有现代科技化的灯光音响、舞台布置,这些元素使得音乐剧从诞生那天起就显现出它巨大的影响力和生命力。
歌剧《卡门》中最为熟知的便是《斗牛士之歌》,那是埃斯卡米里奥为感谢、崇拜他的人而唱的,那也算是西班牙斗牛的象征曲了。除此之外,卡门的咏叹调《爱情是一只自由的鸟儿》完完全全展现了一个大胆敢爱、豪情奔放的吉普赛女人的特质;唐・豪塞的咏叹调《阿尔卡拉龙骑兵》中大管以中庸的快板奏出洒脱而富活力的主旋律。还有序曲等,音乐贯穿全剧,因为高兴而唱、对话而唱、预示悲惨结局而唱、诉说爱情而唱,便使得《卡门》在情节、艺术手法上有了不同凡响的效果。
而音乐剧属于流行音乐范畴,多数用流行唱法,用最符合当代观众需求的唱法,它的歌曲很多并非独唱曲,而且音乐剧中的歌曲更短,更简单,易于传唱。许多上榜的流行歌曲就是音乐剧的插曲,例如韦伯的很多作品都因为作为流行歌曲而广为流传,像《猫》中的主题曲《memory》,它前后四次出现在音乐剧中,传遍了全世界,成为当代的经典歌曲,并被前后录制了600余次,多次获奖。现在《memory》已经和《猫》剧紧紧地连系在一起,成为该剧的招牌和象征。
⑽ 对音乐剧鉴赏的认识 选修课论文 2000字以上
我记得我考试的时候是去图书馆找了一本音乐方面的书籍抄的，那本书好像号称是“音乐圣经”，很全面。