音乐剧用哪里发声

① 音乐剧使用什么唱法

1、呐喊

呼吸位置与传统的美声唱法呼吸位置用在腹部和腰部的部位, 并且呼吸的力度是较强且深的, 这样唱出来的高音是极具爆发性的。这种呼吸方式在摇滚风格性强的音乐剧里运用得较多, 如美国 50- 60 年代的音乐剧。

2、 抽泣

这种特殊情绪的演唱吸气主要部位在鼻咽腔,，呼吸的力度较弱且浅的，用这种呼吸方法演唱出来的声音急而短促，形象地表达了生活中哭泣和悲伤的情绪。几乎大部分的音乐剧中表示悲伤情绪的唱段，都会用到这种类型的修饰音。

3、气声

在吐气方面的运用与传统的美声唱法不太相同，传统美声唱法里的吐气讲究阻气，要控制吐气的量，以免漏气失去声音的密度。吐气就是强调漏气让大量的气息和声音同时出来，造成音色略暗、朦胧的效果，我们可以在一些表达角色内心活动和感叹的唱段中，找到这种类型的修饰音。

4、颤音

呼吸方式和美声唱法的也有一定的区别。这里的颤音不是歌剧咏叹调里的tr的意思，美声唱法唱这个音，呼吸的支点在腰腹部，声音在小舌头的部位颤抖，并轻轻的在高位置哼出来。音乐剧唱法中的颤音的呼吸支点虽然也在腰腹部，但力度不同并且抖动的风格较之美声唱法有很大的不同。

(1)音乐剧用哪里发声扩展阅读

1、正确的呼吸

美声强调呼吸是歌唱的基础，要求“用气息托住声音”，肯定了胸腹式呼吸法，提出用调整呼吸状态来调整歌唱状态的观点。

2、准确的起音

认为美声只有完成良好的起音，才能获得轻松柔和、明亮圆润的声音。而要完成良好的起音，一定要正确呼吸，喉头稳定、思想集中、心理上作好充分准备，声带积极闭合。著名声乐家加尔西亚具体地概括出起音的要领：舌头平放、准确地唱到音高，平稳而不能滑动。

3、声音的连贯性

美声强调保持音质的一致、声音位置安放不变，音与音的连接讲究平滑匀净，音量渐强渐弱控制自如。

4、声音的灵活性

18世纪比较崇尚花腔技巧和复杂的装饰音演唱，所以美声注重训练声音的灵活性，发展音域，打开喉咙，锻炼声音的控制能力应多练习快速音阶、快速走句、跳音，要求声音清晰明亮而准确。

5、声区与共鸣

声区是一个复杂的技术问题，很多专家对此都有自己的理论观点。但无论将声区如何划分，Bel canto都始终坚持在教学中统一声区，并认为声区是教学的关键，声区与共鸣是相辅相成的。要达到音色统一动人，富有穿透力，共鸣的位置必须相对稳定、准确。

6、吐字和语言

歌唱要有良好的语言习惯。美声要求语言中每个元音的发声是清晰准确的，歌唱中的元音转换要圆润、流畅，只有这样，Legato的原则才能在吐字和语言中得到真正的体现。

② 唱流行歌曲怎么发声用什么地方发声技巧

唱歌技巧歌曲的演绎是需要很多方面表现的。 第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。以后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。 第二是情感。这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。 第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。 第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众,但一定不能弱。 第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。 理解歌词在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭着自己的感觉唱，我觉得不妥。有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国歌。 在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个激情的长音会拖得很饱满…… 话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。所以唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。 演唱国语歌，还是标准的好。比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。当我们翻唱他们的这些歌曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。 关于粤语歌，劝你们还是学好再唱，要不很容易搞笑的。就像我以前唱粤语歌一样，自认为标准，现在才知道有差距。粤语中也有类似与国语中的“Z、C、S”和“an、ang”的微妙区别，不认真学是学不好的。 气息说道这个话题，就有些茫然，因为这是最不好用言语表达的东西。我在唱歌之前，练美声两年，给我的感悟很深，气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”，没有色彩、没有过滤。以下我就表述一下美声练声的方法。 声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发声的一个共鸣点。接下来把气息下沉，小腹膨胀，稍在小腹用力一顶，在刚才的位置发声，男声喉结压下，女声多注重声音在脑后靠上的位置，你会发现声音比以前要大多了。经常靠墙练习有助于发声，因为靠墙可以接触你的后脊梁，让你更容易找到感觉，并且胸腔的共鸣能和墙产生共振，让你更容易找到胸腔共鸣的感觉。先从“米～妈”的练习开始，逐步升高，有助于练习高音气息；再从高往低练习，这样反复，总有一天你会找到感觉的。美声讲究“通透”，经常想象自己的声音是竖立的，而不是扁平的；另外还讲究的是“共鸣”，声音通过胸腔或胸腔以上的共鸣后，会很圆润、饱满。要体会共鸣，你可以这样做：闭上嘴巴，发出“嗯”的音，稍带点深情的感觉，“嗯”的长一点，会感觉头和胸前在震动，如果气息好，这种共鸣会给你的声音添色不少。仔细听听一些高大的美国人讲话，就会知道什么叫胸腔共鸣了（外国人的胸腔结构更容易产生共鸣）。 另外我还要提到的是肺活量，歌手演唱需要较大的肺活量，比如一些很长、不换气的某句旋律，可不要唱完以后面红耳赤、只喘粗气。肺活量要经常锻炼身体才能保持。还有就是掌握一定的技巧可以弥补一些肺活量不足的现象。首先就要练气息，好的发声方法它能很好的控制声音通过嗓门的流量，比如唱到“……不怕你背叛我……”这一句时，气息不稳的歌手可能一下就把“怕”字的音以爆破的方式唱出来，一下就把本来肺活量不足的气放跑了，如果后面有不换气的长句不把他憋死才怪。而气息功底好的歌手能控制这些爆音的流量，演唱时话筒也不会出现一些扑声。所以我建议大家练声的时候嘴前放一盏蜡烛，尽量练声时保持蜡烛不摇晃吧！这样你的气就会保持在你的体内长一些时间。想想你是一直往外呼气坚持得久还是憋住不出气保持得久呢？当然这还需要歌手要放松，不要紧张，一紧张，心脏跳动加快，你的气息就更稳不住了 这里我只能讲这么多，这些是要靠感悟的。不过我要提醒的是，练声是演唱流行歌曲基础，千万不要用练声的方法直白的演绎流行歌，那样就过于做作，就会像阎维文唱“一无所有”。 有朋友说这样的表述很难理解，要我说说流行歌手里谁的气息很通透，就照着感觉去学更容易领悟，这也是一个有效的方法。个人认为，女歌手你们就多听一下“张惠妹”的吧，她可是天生通透的气息；男歌手就多揣摩一下“满文军”的吧，他可是真正靠气息在唱歌的，另外，张学友的气息很好，但对于教学，满文军更适合高音这是朋友们最喜欢问的一个问题，用他们的话，因为高音“够拽”，呵呵！再次补充一下，好的演唱要综合很多方面，不能说高音越高就是唱得越好。确实，很好的高音能给歌曲的高潮部分增添渲染力，但奉劝朋友们不要只知道高音的价值而忽略中低音，其实饱满的中低音也很有感染力 唱高音的时候，气息一定是以小腹、丹田为根基的，京腔讲究“丹田气”也是指的这种发声位置。 找找感觉1：如果你是一个女孩，鞋子上突然有一只老鼠，你会怎样？估计会“啊～”的一声长鸣，并且还有“假声”的发声位置。等你平静之后，你在“啊～”一下看，大多数再也“啊”不上去了。为何？因为你收到惊吓的的那一刻，你的小腹在紧张，（想想被惊吓的感觉，是不是全身肌肉绷紧？）正因为有了这样的根基，加上一股强大的气流（可以理解成唱歌的气息），直冲嗓子眼，声音不高才怪。所以，你可以把飙高音的感觉理解成“紧张”、“振作”，记住，一切以小腹为根基，要唱高音不是抬起头往上扯的，是感觉重心向下的一种反弹力。 还要告诉大家一点，表现高音的能力与你本身嗓子条件有关，如果嗓子天生高亢是很大的优势，比如“孙楠”就是典型的高嗓子，高音演绎不会那么费力。嗓音条件不好的歌手就要靠大量的气息和方法了，但不管是嗓音条件好或不好，声音都是通过气息唱出来的，就像香烟要通过过滤嘴一样，声音过滤一下会更美。 另外我还告诉大家一种心理方法，高音时想象你是在面对广阔的大海高歌，望不到边的海天一色，这样的风光不值得你大声呐喊吗？中低音中低音一般要饱满、深情为好。但也像高音一样，很多人欠缺中低音的共鸣。低音是要靠胸腔共鸣和宽大的嗓音结构才能体现的，先天性比较强。以我的经验，低音潜不下去的嗓音是很难练低下去很多，能下去几个音阶不错了。如果一定要录制低音丰富的歌，早上起来不刷牙、不洗脸直接录，声音会下去很多。所以，中低音欠缺的人尽量避免这样的歌，扬长避短，同样中低音丰富的人一定要好好发挥它的潜质，中低音唱好是很迷人的哦！ 唱中音要多加以润色，包括吐词换气都具有美感，当然这又与感受唱功有关，中低音多听听“蔡琴”的吧。 整体与风格很多歌手只注意句与句的细节，把演唱的细节单位放在“句”的上面，而不是在整首歌上。 除非有了一定的实力，否则别谈风格。歌手前期我赞成模仿开始，但不要单一，多唱各种风格歌手的歌，耳濡目染的就掌握了一些共鸣、唱腔以及气息的初步体验，这是好事，到了成熟以后，加上自己的练声和感悟，再挖掘自己的风格是水到渠成的事。 演唱要投入，但投入是要有一个度的，不是要你“使劲”投入，过分伤感或喜悦，在理解词意的基础上，有分寸的投入即可。比如有些类似的词：“……你怎么舍得我难过……”，我就见过唱得痛苦至极的人，那样就没有感染力了，反而觉得好笑。但我也见过一个真正失恋的朋友在卡拉ok唱这首歌，演唱的时候面无表情、唱得很平静，嗓音沧桑，唱腔演绎出来的那种无奈和孤独感染了现场的每一个人。我觉得这就是刚刚好的分寸，不需要抱头痛哭。但又有几个人随时能演绎这么到位的呢？这就要靠歌手的音乐感受了。 再给大家举个例子：有些朋友在模仿歌星时，不自觉的夸大了明星的特点，比如模仿张学友时，会过分压着嗓子做出那种怪怪的厚实的声音（那时张学友早期的一个特点，现在好像不多见了）；在模仿张国荣时，会夸大他的那种大舌头似的靠后的共鸣；模仿王菲时更是那种让人觉得好笑的舌头打结的怪音。其实仔细听听原唱，并没有那么夸张。我就听过一个声音很像张学友的朋友唱歌，每次唱学友的歌的时候都没有把握分寸，后来我劝他多些本色，反而更像原唱了。其实有时候旁观者清，多请教朋友们的意见会很有好处。 另外，情感丰富的人唱歌会比情感平淡的人要演绎得好。与歌曲中的情感产生共鸣，也需要歌手的生活阅历丰富。经历得越多，感悟得就越透彻。 颤音，实质是用气息演绎歌曲的时候，强大的气流冲击口腔和鼻腔后部所产生的震动，小腹给予气息的压力产生了气流。我倒不赞成流行音乐一定要用这样死板的方式产生颤音，有些歌星通过喉结的抖动（刘德华）和嗓子眼的一紧一松（张信哲）“做”出了颤音。这些都是一些小的技巧或是一种风格，但在很多高潮部分，他们也具有强大气流的颤音。所以，还是那句话，气息是根本。用了气息，自然会有气流的冲击产生颤音。对于流行歌曲，有些低调的地方不需要像唱民歌一样每个字都在气息上，有时似一种悄悄话，有时像一种无奈的叹息，不会有强大的气流支持你的颤音，这时就需要你用一些小技巧来修饰你的尾音，我认为流行歌曲的颤音表现不完全靠气息顶出来，有时候抖抖喉结，控制嗓子眼里的声音也未尝不可，只要整体在歌曲的氛围之中不受影响即可。 没有颤音的朋友如果铁定对颤音垂涎三尺，就从模仿开始吧——模仿救护车叫唤。好笑吧？这只是没有声乐老师在身边、一种自我揣摩的方法，当然不属于常规的声乐练习。发出“呜呜”的依次循环高低的滑音（稍快），他能让你找到抖动喉结的感觉，慢慢的吧“呜呜”的发音转变成“嗯嗯”的发音，再慢慢的转成“你～”的发音，再唱一些“你”结尾的一句歌……呵呵，这只是一种感受喉结抖动的颤音方式，与气息发声不一样，保准声乐老师看了会气死！但没件事都需要循序渐进，慢慢揣摩，不妨试试。 最后再次发表一下我的观点，我们如果眼光放高一点，这段历史时期流行强调颤音的唱法，也许再过5年后就不流行强调颤音的唱法了。何必为了没有颤音而苦恼呢？颤音虽然能有效的渲染歌曲气氛，深沉而具有穿透力，但我也愿意喜欢听一些质朴、纯洁的声音。所以，只要用心唱就好，也许你会更有特色。

③ 声乐人体发声的声位在哪里啊

音域一般人在D-f3 内 两个八度左右
你要是问发声的位置 就是声带

④ 唱歌是用那个部位发音

唱歌发声器官：它包括喉头、声带。喉头是一个精巧的小室，位于颈前正中部，由软骨、韧带等肌肉组成。

人体的发音器官可以分为三大部分：动力区声源区 调音区

语音是由声音器官发出声音器官及其活动决定语音的区别。

1、动力区—— 肺 、横膈膜、气管

肺是呼吸气流的活动风扇，呼吸的气流是语音的动力。肺部呼出的气流，通

过支气管 器官到达喉头，作用于声带、咽腔、口腔 、鼻腔等发音器官。

2、声源区——声带

声带位于喉头的中间，是两片富有弹性的带状薄膜。两片声带之间的空隙叫声门，肌肉的收缩，杓状软骨活动起来可使声带放松或收紧，使声门打开或关闭，从肺中出来的气流通过声门使声音振动发出声音，控制声带松紧的变化可以发出高低不同的声音来。

3、调音区————口腔、鼻腔、咽腔

口腔（包括唇、齿和舌头）后面是咽腔，咽头上通口腔、鼻腔，下接喉头。口腔和鼻腔靠软腭和小舌分开。软腭和小舌上升时鼻腔关闭，口腔畅通，这是发出的声在口腔中共鸣，叫口音。软腭和小舌下垂，口腔成阻，气流只能从鼻腔中发出，这是发出的音主要在鼻腔中共鸣，叫做鼻音。

如果口腔没有阻碍，气流从口腔和鼻腔同时呼出，发出的音在口腔和鼻腔同时产生共鸣，叫鼻化音（也叫半鼻音或口鼻音）。

(4)音乐剧用哪里发声扩展阅读：

发音器官是由生理作用各不相同的人体器官构成，当这些器官参与发音活动时，它们被称作发音器官，形成一个具有社会功能的独特系统。除了上述各器官，耳在发音过程中具有不可少的监视和调整发音动作的特殊作用。因此，有的语言学家认为人耳也应被看作是发音器官。

⑤ 从歌剧过渡到音乐剧,有哪几条脉络

一：题材选择
歌剧带有强烈的贵族情趣与精英趋向。而音乐剧以轻松、谐谑和生动作为自己的追求目标，有些带有赞扬民主，鄙视富人贵族的情绪。至此，歌剧和音乐剧形成了两个相互平行、风格迥异的戏剧形式。
二：音乐结构
歌剧的结构、风格基本上沿袭着自浪漫主义以来所奠定的路线。音乐剧的结构非常自由、多变。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。音乐剧的长度都介乎两小时至三小时之间。通常分为两幕，间以中场休息。如果将歌曲的重复和背景音乐计算在内，一出完整的音乐剧通常包含二十至三十首曲。
三：音乐风格
歌剧的音乐大都是以比较传统的管弦乐队为基础的古典音乐作曲技法。音乐剧在音乐风格的选择上更自由，往往有爵士、摇滚等流行音乐因素的介入，配器也往往大量使用电声乐队的乐器。
四：声音表现
歌剧的歌唱者采用的是美声唱法，采用了大量的咏叹调和宣叙调，并且靠独唱的咏叹调引领全局，而咏叹调伴随着每一次戏剧性的转折将整部戏推向了高潮。音乐剧则属于流行音乐范畴，多数用流行唱法，也有用美声唱法的。声乐部分讲究自然平易的发声、亲切随和的歌唱以及表达词义曲情的诚挚动人。
五：舞美设置
歌剧的舞美装置写实。音乐剧的舞美装置抽象。音乐剧的舞台技术现代化，一些先进科技的布景技巧和印象、灯光方面的先进技术都登上了音乐剧的舞台。
六：舞蹈动作
在歌剧中，舞蹈大多以交谊舞、芭蕾这种形式出现，但芭蕾通常也是由专业演员完成。在音乐剧中，为了传达剧情，不惜用了大量的舞蹈场面来表现人物的不同特征和性格。既有轻松活泼的踢踏舞，又有凝重华丽的芭蕾舞，还有充满动感的爵士舞和现代舞。歌剧是以音乐作为各种艺术元素的基础的，一个歌剧演员最主要的是把角色的唱段表达完善。舞蹈，只是歌剧的一个小部分。在音乐剧中舞蹈是一种级为重要的表现手段，其重要性甚至不在戏剧和音乐之下，因此可以说是歌、舞、剧“鼎足三分”。演员对剧情的表演和对歌唱的处理同样重要。

⑥ 唱歌应该哪里发声哪里用力

首先，站立，用双手尽力试着抬起一架钢琴或者一张桌子(一切你抬不动内的东西!)，同时屏住呼吸。

是不容是感觉到腹部某处在用力?那也就是唱歌发声是需要用力的地方。

为什么要用力呢?当然不是要你用力扯破嗓子去唱高音，而是用力将肚子里的气息传出来，利用气息唱歌。
这样才可以少的到伤嗓子

⑦ 发声怎么发声用哪里唱歌 嗓子还是真确的发声是什么感觉

我想你说的来是用声用气源的问题。唱歌这个东西说来话长，但新手容易出现两个问题:
1.喉部夹太紧，喉部就是下巴底下那段，唱歌时容易紧张，导致气道不通畅，唱起来费劲，伤嗓子
2.鼻子习惯性不通气，听起来像感冒。

总之呢，唱歌学会用气是个漫长的过程，在学会用气之前一定要学会放松气道，呼吸自如。

另外一点，唱歌有的时候会被人理解得过于神秘，其实原理倒是很简单，当然是声带负责发声，鼻子和嘴负责出气。
但是首先要明确声带的位置:声带在脖子中下部，如果是男生，可以理解为被喉结挡住的那个部位再略向下一点。
其他发声部位都是为声带服务的。
仅就流行唱法而言，小腹和胸部负责呼吸（的延长），口腔和鼻腔负责吸吐气息和声音的集中。
说白了，我之前说的唱歌的第一大误区（喉部发紧），是因为误会了声带的位置；而第二大误区（气道不通畅），是因为不习惯延长的呼吸方式（鼻子尚未出气，胸部和小腹已经松劲）。
所以这样一说，是不是就一点也不神秘了？

⑧ 怎样发声

当然是声带
又称声壁，发声器官的主要组成部分。位于喉腔中部，由声带肌、版声带韧带权和粘膜三部分组成，左右对称。声带的固有膜是致密结缔组织，在皱襞的边缘有强韧的弹性纤维和横纹肌，弹性大。两声带间的矢状裂隙为声门裂。发声时，两侧声带拉紧、声门裂缩小、甚至关闭，从气管和肺冲出的气流不断冲击声带，引起振动而发声，在喉内肌肉协调作用的支配下，使声门裂受到有规律性的控制。故声带的长短、松紧和声门裂的大小，均能影响声调高低

你嗓子不但疼而且声音嘶哑把
属于功能性声音嘶哑，例如教师、演员等使用语言频率较高的人，容易引起声带紧张导致声音嘶哑，这部分人只要休息得当，一般也能恢复
和你锻炼之后 有时胳膊腿会疼是一个道理

⑨ 怎么唱歌发声用哪里发声最直接简单的说下。。。

你让简单明了的说就是用（气息）唱歌。可是这样说你就会了吗。建议多练习

⑩ 唱歌到底从哪里出声，哪里发声谢谢 不用太专业！

你好来，
可以练习打嘟，做到气声连接源、以气带声（让声音和气息同步进行，音色自然可以唱出来）关于打嘟的练习要求： 1.声气同步，千万不要先出气后出声 2.舌根平放，嘴唇放松，轻轻合上，丹田缓缓内收 3.读“嘟”字的音色要跟打嘟时的音色一样 4.身体放松，不需要刻意用力发大音量 5.声音和气息都应该自然向前，暂时不带任何位置 6.无论高中低音，音色应该尽量
鼠标移动到我网络用户名，查看获取更多相关内容
希望我的回答对你有所帮助