A. 柴可夫斯基生平
柴可夫斯基(1840 - 1893)是俄罗斯最伟大的作曲家。他出生在俄国维亚特斯基省的一个贵族家庭，10岁在彼得堡法律学校读书时，便开始学习钢琴和作曲。23岁入彼得堡音乐学院学习作曲，毕业后到莫斯科音乐学院任教。1877年，他辞去音乐学院的教授职务，在梅克夫人的资助下，从事专业音乐创作，很多优秀作品便是这时期所作的。
1893年10月28日，柴可夫斯基在彼得堡亲自指挥演出他的代表作品《第六交响曲》，9天后便离开了人世。柴可夫斯基的作品繁多，体裁广泛，仅大型作品就有：10部歌剧，以《叶甫盖尼·奥涅金》和《黑桃皇后》最为著名；6部交响曲，以《第五交响曲》和《第六交响曲》最为著名；4部协奏曲，以《降ｂ小调第一钢琴协奏曲》和《D大调小提琴协奏曲》最为著名；3部舞剧——《天鹅湖》、《睡美人》和《胡桃夹子》；以及幻想序曲《罗密欧与朱丽叶》、《一八一二序曲》、《意大利随想曲》和钢琴套曲《四季》等等。他的作品被称为“俄罗斯之魂”。 柴可夫斯基的音乐真挚、热忱，注重对人的心理的细致刻画，充满感人的抒情性，同时又带有强烈的、震撼人心的戏剧性。他的旋律具有俄罗斯民族那种特有的风格，他的和声浓重、丰满，显露着作曲家本人的个性气质，富有难以言传的魅力。一百多年来，柴可夫斯基的音乐作品，以深刻的思想内容和高度的艺术性，广为世界人民喜爱，成为人类音乐宝库中的珍品。
B. 瓦格纳其人其事
理查德.瓦格纳，德国作曲家，生于1813年，卒于1883年，是十九世纪最杰出的作曲家之一。
瓦格纳的音乐向以结构庞大、音响震撼闻名于世。初听这些力度非凡的音乐，你或许会认定瓦格纳不是一个精力旺盛的狂人，就是一个偏激自大的疯子。但是听得多了，你或许会慢慢爱上这样的音乐，绝不是一见钟情的那种，而是渐进的潜移默化日久生情的那种。但是有一个前提，你必须具备能耐得住四天四夜“艰苦历程”的精力和体力。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
在瓦格纳的音乐中你随时会见到你心目中的英雄，不同于贝多芬那种追求精神解放而孤独地向命运抗争的悲剧性的英雄，瓦格纳式的英雄更像他本人，是一个可以随心所欲无法无天恣意妄为的叛逆者、幻想狂，是你我心中那个或大或小若隐若现的“自由之神”。瓦格纳的音乐个性鲜明，恢弘大气，雄浑而又磅礴的气势往往能够慑人心魄，用心的听者往往会不由自主随着音乐的行进一起激昂亢奋，如痴如醉，久而久之自然就会“爱”上这样的音乐，欲罢不能。想来真是太可怕了！未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
十五岁时，年轻的瓦格纳已经读过莎士比亚、歌德和但丁，一次偶然的机会他受到贝多芬“命运”的感染，一时沉迷其中，流连忘返，遂立志毕生为音乐献身。那一刻决定了作为音乐家的瓦格纳的一生，他从此踏上一条不归路，并在以后的漫长岁月中成就了一种真正能体现其典型日耳曼性格以及极富德意志精神色彩的音乐风格。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
翻开音乐史册，我们会发现，瓦格纳实际上只接受过短短一年的学院式音乐教育，却在二十岁之前尝试着写出了几部大型作品。尽管那些早期作品并不成功，却足以显现作曲家身上的音乐天赋和艺术素养。从这个角度来看，瓦格纳应该属于“另类”。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
歌剧史上这样的“另类”并不多见，如果有，那一定是精品。除了瓦格纳，还有一个同样响亮的名字，就是意大利作曲家威尔第。也许是巧合，这两位作曲家同年出生，都只接受过短期的音乐教育，他们同时起跑，同时转折，以同一种语言——音乐编制着同一段历史，却各寻道路，别树一帜，最终都获得了成功。正是这两位大师一起将歌剧艺术推向颠峰。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
威尔第一度被米兰音乐学院指为缺少音乐天赋而拒之门外，却最终成为意大利歌剧巨擎；而瓦格纳则更像是无师自通，并以他的智慧和精神以及坎坷的一生造就了更具艺术高度的大歌剧，从而成为德国乃至全欧洲的神。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
历史证明，像这样缺少正统训练而能在艺术领域潜心钻营，锐意创新，并取得辉煌成就的“另类”，最终都将不朽，今天我们称之为“天才”。就艺术上的孜孜以求和大胆革新而言，理查德.瓦格纳可比文坛中的詹姆斯.乔伊斯以及画坛中的文森特.凡.高。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳是古典音乐史上举足轻重的人物，他创作生涯中的最大亮点，是被后来的德奥系乃至全世界音乐领域奉为“音乐中的音乐”的一系列歌剧和大歌剧：《黎恩济》、《漂泊的荷兰人》、《汤豪塞》、《罗恩格林》、《纽伦堡的名歌手》、《尼伯龙根的指环》（分四部）、《特里斯坦与伊索尔德》、《帕西法尔》等共十一部。瓦格纳另作有序曲九首，交响曲一部，钢琴奏鸣曲四部以及大量的艺术歌曲和合唱曲，并著书《艺术与革命》、《未来的音乐》、《歌剧与戏剧》、《艺术与宗教》等。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳是真正的配器大师，他的音乐是大型管弦乐创作的典范。瓦格纳更是一位艺术全才，他所有的歌剧几乎都是自编脚本，并自行设计舞台布景，作曲家本人也从这些细节上受益多多——他能够随心所欲地将音乐与其它艺术形式完美地结合，从而达到他所追求的最高境界。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
关于这一点，在音乐评论界也曾引起过很多争议。老柴就曾一度对他颇有微词，只因他的“万花筒”性格——瓦格纳涉猎甚广，学识甚深，阅历丰富，一生坎坷，思想复杂多变，体现在音乐方面，大概就如老柴所言，是支架庞大、结构繁复的“万花筒”罢。如今很多古典音乐爱好者的入阶曲目中除了著名的《婚礼进行曲》和《女武神之骑》，怕是很难再找到瓦格纳的作品的。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
而以萧伯纳为首的瓦格纳迷们则对所有的非议不以为然，他们不曾刻意地拉帮结派，更不会敌视任何人，在他们看来瓦格纳是第一，永远是第一，这是不争的事实。直至今日，每届瓦格纳音乐节都会吸引大批的乐迷从四面八方聚拢而来，没日没夜地与“荷兰人”、“名歌手”、“女武神”为伍，以至忘我。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳拥有众多的支持者，多得难以想象，在他们的心目中，瓦格纳的地位丝毫不逊于“伟大的三B”。如果瓦格纳是神的化身，那么这个神注定有无数虔诚的信徒，而《罗恩格林》和《指环》就是圣经。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳性格乖戾，是一个不折不扣的顽固主义者——对艺术、对自由、对女人、对他所钟情的大歌剧以及他的天堂拜罗伊特。随着时间的推移，瓦格纳的支持者和追随者肯定会越来越多，并继续巩固其在德国歌剧、西欧音乐乃至世界艺术史上的崇高地位。在人们的心目中，瓦格纳就是德意志精神的代名词，这种精神的影响一直在延续，直至其后一个多世纪的今天，包括音乐、文学甚至是翻云覆雨的政治领域。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳的个性也有阴暗的一面。譬如，他极其反感犹太人，个中原由众说不一，在此不能妄加评论。史实证明瓦格纳本人就具有犹太血统，不知作曲家为何不愿正面这个事实，以至在很多时候瓦格纳的言行举止都给人留下一种莫名的印象。比如，瓦格纳极为推崇早于他的有着犹太血统的天才作曲家门德尔松的音乐，这注定是一个矛盾体。于是，当时的观众总会看到这样的情景——瓦格纳万分陶醉地弹奏着门德尔松的“无词歌”，却戴着一副扎眼的白色手套，演出结束后再将那副“触摸”过犹太人的手套迅速丢进垃圾堆，好似在躲避一种致命的瘟疫。这在如我辈一般的井底之蛙看来，徒剩莫名其妙的份儿，充其量只能半会心半尴尬地一笑了之。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
无论如何，瓦格纳是对西方后古典和浪漫主义歌剧做出大胆创新和改革的先驱，是西方十九世纪音乐创作中影响最大的作曲家之一，在音乐史上确应享有不朽的地位。瓦格纳被后人尊为一代歌剧宗师。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
晚年的瓦格纳长期滞留在拜罗伊特城，沉醉在自己的大歌剧中，乐此不疲。拜罗伊特属于瓦格纳，瓦格纳造就了今天的拜罗伊特。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
1883年，一代歌剧宗师瓦格纳病逝于意大利水城威尼斯，他的遗体如愿在他的天国——拜罗伊特剧院旁的曼弗雷德墓园安葬。
其余详见：http://www.classical.net.cn/digest/dspnews.asp?ipt=4009
C. 求交响曲 ride of the valkyries 下载
http://www.filefarmer.com/2/laoxian/In_a_Persian_Market/05.mp3
理查德.瓦格纳，德国作曲家，生于1813年，卒于1883年，是十九世纪最杰出的作曲家之一。
瓦格纳的音乐向以结构庞大、音响震撼闻名于世。初听这些力度非凡的音乐，你或许会认定瓦格纳不是一个精力旺盛的狂人，就是一个偏激自大的疯子。但是听得多了，你或许会慢慢爱上这样的音乐，绝不是一见钟情的那种，而是渐进的潜移默化日久生情的那种。但是有一个前提，你必须具备能耐得住四天四夜“艰苦历程”的精力和体力。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
在瓦格纳的音乐中你随时会见到你心目中的英雄，不同于贝多芬那种追求精神解放而孤独地向命运抗争的悲剧性的英雄，瓦格纳式的英雄更像他本人，是一个可以随心所欲无法无天恣意妄为的叛逆者、幻想狂，是你我心中那个或大或小若隐若现的“自由之神”。瓦格纳的音乐个性鲜明，恢弘大气，雄浑而又磅礴的气势往往能够慑人心魄，用心的听者往往会不由自主随着音乐的行进一起激昂亢奋，如痴如醉，久而久之自然就会“爱”上这样的音乐，欲罢不能。想来真是太可怕了！未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
十五岁时，年轻的瓦格纳已经读过莎士比亚、歌德和但丁，一次偶然的机会他受到贝多芬“命运”的感染，一时沉迷其中，流连忘返，遂立志毕生为音乐献身。那一刻决定了作为音乐家的瓦格纳的一生，他从此踏上一条不归路，并在以后的漫长岁月中成就了一种真正能体现其典型日耳曼性格以及极富德意志精神色彩的音乐风格。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
翻开音乐史册，我们会发现，瓦格纳实际上只接受过短短一年的学院式音乐教育，却在二十岁之前尝试着写出了几部大型作品。尽管那些早期作品并不成功，却足以显现作曲家身上的音乐天赋和艺术素养。从这个角度来看，瓦格纳应该属于“另类”。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
歌剧史上这样的“另类”并不多见，如果有，那一定是精品。除了瓦格纳，还有一个同样响亮的名字，就是意大利作曲家威尔第。也许是巧合，这两位作曲家同年出生，都只接受过短期的音乐教育，他们同时起跑，同时转折，以同一种语言——音乐编制着同一段历史，却各寻道路，别树一帜，最终都获得了成功。正是这两位大师一起将歌剧艺术推向颠峰。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
威尔第一度被米兰音乐学院指为缺少音乐天赋而拒之门外，却最终成为意大利歌剧巨擎；而瓦格纳则更像是无师自通，并以他的智慧和精神以及坎坷的一生造就了更具艺术高度的大歌剧，从而成为德国乃至全欧洲的神。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
历史证明，像这样缺少正统训练而能在艺术领域潜心钻营，锐意创新，并取得辉煌成就的“另类”，最终都将不朽，今天我们称之为“天才”。就艺术上的孜孜以求和大胆革新而言，理查德.瓦格纳可比文坛中的詹姆斯.乔伊斯以及画坛中的文森特.凡.高。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳是古典音乐史上举足轻重的人物，他创作生涯中的最大亮点，是被后来的德奥系乃至全世界音乐领域奉为“音乐中的音乐”的一系列歌剧和大歌剧：《黎恩济》、《漂泊的荷兰人》、《汤豪塞》、《罗恩格林》、《纽伦堡的名歌手》、《尼伯龙根的指环》（分四部）、《特里斯坦与伊索尔德》、《帕西法尔》等共十一部。瓦格纳另作有序曲九首，交响曲一部，钢琴奏鸣曲四部以及大量的艺术歌曲和合唱曲，并著书《艺术与革命》、《未来的音乐》、《歌剧与戏剧》、《艺术与宗教》等。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳是真正的配器大师，他的音乐是大型管弦乐创作的典范。瓦格纳更是一位艺术全才，他所有的歌剧几乎都是自编脚本，并自行设计舞台布景，作曲家本人也从这些细节上受益多多——他能够随心所欲地将音乐与其它艺术形式完美地结合，从而达到他所追求的最高境界。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
关于这一点，在音乐评论界也曾引起过很多争议。老柴就曾一度对他颇有微词，只因他的“万花筒”性格——瓦格纳涉猎甚广，学识甚深，阅历丰富，一生坎坷，思想复杂多变，体现在音乐方面，大概就如老柴所言，是支架庞大、结构繁复的“万花筒”罢。如今很多古典音乐爱好者的入阶曲目中除了著名的《婚礼进行曲》和《女武神之骑》，怕是很难再找到瓦格纳的作品的。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
而以萧伯纳为首的瓦格纳迷们则对所有的非议不以为然，他们不曾刻意地拉帮结派，更不会敌视任何人，在他们看来瓦格纳是第一，永远是第一，这是不争的事实。直至今日，每届瓦格纳音乐节都会吸引大批的乐迷从四面八方聚拢而来，没日没夜地与“荷兰人”、“名歌手”、“女武神”为伍，以至忘我。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳拥有众多的支持者，多得难以想象，在他们的心目中，瓦格纳的地位丝毫不逊于“伟大的三B”。如果瓦格纳是神的化身，那么这个神注定有无数虔诚的信徒，而《罗恩格林》和《指环》就是圣经。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳性格乖戾，是一个不折不扣的顽固主义者——对艺术、对自由、对女人、对他所钟情的大歌剧以及他的天堂拜罗伊特。随着时间的推移，瓦格纳的支持者和追随者肯定会越来越多，并继续巩固其在德国歌剧、西欧音乐乃至世界艺术史上的崇高地位。在人们的心目中，瓦格纳就是德意志精神的代名词，这种精神的影响一直在延续，直至其后一个多世纪的今天，包括音乐、文学甚至是翻云覆雨的政治领域。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
瓦格纳的个性也有阴暗的一面。譬如，他极其反感犹太人，个中原由众说不一，在此不能妄加评论。史实证明瓦格纳本人就具有犹太血统，不知作曲家为何不愿正面这个事实，以至在很多时候瓦格纳的言行举止都给人留下一种莫名的印象。比如，瓦格纳极为推崇早于他的有着犹太血统的天才作曲家门德尔松的音乐，这注定是一个矛盾体。于是，当时的观众总会看到这样的情景——瓦格纳万分陶醉地弹奏着门德尔松的“无词歌”，却戴着一副扎眼的白色手套，演出结束后再将那副“触摸”过犹太人的手套迅速丢进垃圾堆，好似在躲避一种致命的瘟疫。这在如我辈一般的井底之蛙看来，徒剩莫名其妙的份儿，充其量只能半会心半尴尬地一笑了之。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
无论如何，瓦格纳是对西方后古典和浪漫主义歌剧做出大胆创新和改革的先驱，是西方十九世纪音乐创作中影响最大的作曲家之一，在音乐史上确应享有不朽的地位。瓦格纳被后人尊为一代歌剧宗师。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
晚年的瓦格纳长期滞留在拜罗伊特城，沉醉在自己的大歌剧中，乐此不疲。拜罗伊特属于瓦格纳，瓦格纳造就了今天的拜罗伊特。未得原作者授权严禁转载classical.net.cn任何内容
1883年，一代歌剧宗师瓦格纳病逝于意大利水城威尼斯，他的遗体如愿在他的天国——拜罗伊特剧院旁的曼弗雷德墓园安葬。
D. 维也纳理查德.瓦格纳音乐学校是国立的吗
不算公立（国立），是私立的学校。不过，
理查德.瓦格纳音乐学校教育
具有某些公共教育资格和资源。就其颁发的学位证书和承认学历及毕业成绩来说，几乎与国立大学的证书具有同等效力，其学历不仅在欧洲、美国、亚洲，还有世界上其它的国家都能够得到承认。
简介：
艺术类学位有资格被交响乐团、戏剧乐团和歌剧院聘用，毕业生还可作为音乐会独奏、独唱、声乐师，或任教于音乐学院，高等院校和音乐学校；同样，艺术类学位还有师范类学位有资格自己创立、领导音乐学校和音乐学院。
音乐学院对于外国学生没有特别的限制考试，对于初学者没有录取考试，提供2年的学前班。在这期间留学生参加德语学习，达到B1水平。水平等级考试在每学年或学期期末进行。通过考试既可参加正式班。 从2013年起音乐学院增加教室，提供大学生宿舍，有单人间，双人间，三人间，套间等。
学费：一年17000人民币左右
一.招生专业（:预科生、本科、研究生）声乐（歌剧演唱、艺术歌曲演唱）、小提琴、手风琴、大提琴、古典萨克斯、作曲、指挥、钢琴（表演、音乐伴奏）
二.招生条件：
年满17-30周岁的艺校、音乐学院附中的学生，有音乐特长的普通高中生或毕业生，希望 出国深造的艺术类大学的学生，具有很高音乐或表演天赋的非专业人士。
无需高考和语言成绩.
三.考试时间：2015年2月15号之前 地点：上海、北京考试时间：考试前十天给予给学生通知 ；
四.主副考官：
瓦格纳音乐学院院长
副考官：Giuseppe zhong
预科生要求：两首意大利或德奥艺术歌曲
本科生要求：声乐四首作品 包含 德奥意法艺术歌曲及咏叹调
研究生要求：声乐六到八首作品 包含 德奥意法 咏叹调
钢琴的要求：巴洛克作品一首 浪漫时期的钢琴奏鸣曲一首 近现代乐派作品一首
其他乐器：各准备三到四首 欧美古典和近现代的艺术作品
五..报名费1500元
六. 报名资料：
1、身份证复印件或护照复印件
2、两寸照片6张
3、留学报名表
4、艺术类考级或比赛获奖证书复印件（如果有请提供）
5、学生在读证明及在读成绩单(此项可以考试完开学再补
E. 奥地利瓦格纳音乐学院中国承认学历吗
不算公立（国立），是私立的学校。不过，理查德.瓦格纳音乐学校教育具有某些公共教育资格和资源。就其颁发的学位证书和承认学历及毕业成绩来说，几乎与国立大学的证书具有同等效力，其学历不仅在欧洲、美国、亚洲，还有世界上其它的国家都能够得到承认。简介：艺术类学位有资格被交响乐团、戏剧乐团和歌剧院聘用，毕业生还可作为音乐会独奏、独唱、声乐师，或任教于音乐学院，高等院校和音乐学校；同样，艺术类学位还有师范类学位有资格自己创立、领导音乐学校和音乐学院。 音乐学院对于外国学生没有特别的限制考试，对于初学者没有录取考试，提供2年的学前班。在这期间留学生参加德语学习，达到B1水平。水平等级考试在每学年或学期期末进行。通过考试既可参加正式班。 从2013年起音乐学院增加教室，提供大学生宿舍，有单人间，双人间，三人间，套间等。学费：一年17000人民币左右一.招生专业（:预科生、本科、研究生）声乐（歌剧演唱、艺术歌曲演唱）、小提琴、手风琴、大提琴、古典萨克斯、作曲、指挥、钢琴（表演、音乐伴奏）二.招生条件：年满17-30周岁的艺校、音乐学院附中的学生，有音乐特长的普通高中生或毕业生，希望 出国深造的艺术类大学的学生，具有很高音乐或表演天赋的非专业人士。无需高考和语言成绩. 三.考试时间：2015年2月15号之前 地点：上海、北京考试时间：考试前十天给予给学生通知 ；四.主副考官：瓦格纳音乐学院院长 副考官：Giuseppe zhong 预科生要求：两首意大利或德奥艺术歌曲本科生要求：声乐四首作品 包含 德奥意法艺术歌曲及咏叹调研究生要求：声乐六到八首作品 包含 德奥意法 咏叹调 钢琴的要求：巴洛克作品一首 浪漫时期的钢琴奏鸣曲一首 近现代乐派作品一首 其他乐器：各准备三到四首 欧美古典和近现代的艺术作品 五..报名费1500元六. 报名资料： 1、身份证复印件或护照复印件 2、两寸照片6张 3、留学报名表 4、艺术类考级或比赛获奖证书复印件（如果有请提供） 5、学生在读证明及在读成绩单(此项可以考试完开学再补
F. 天鹅湖的作曲家是谁
彼得·伊里奇·柴科夫斯基
柴科夫斯基出生于沃特金斯克一个贵族家庭，从小在母亲的教导下学习钢琴，由于父亲的反对，进入法学院学习，毕业以后在法院工作。22岁时柴科夫斯基辞职，进入圣彼得堡音乐学院，跟随安东·鲁宾斯坦学习音乐创作，成绩优异。毕业后，在尼可莱·鲁宾斯坦（安东·鲁宾斯坦的弟弟）的邀请下，担任莫斯科音乐学院教授。
柴科夫斯基性格内向而且脆弱，感情丰富，与崇拜自己的女学生的婚姻破裂后，企图自杀，他的朋友把他送到外国疗养。他被认为有同性恋倾向，并且在当时的社会环境中一直试图压制，因此有意见认为这是婚姻破裂的原因。这期间开始和一个热爱音乐的梅克夫人通信。后来梅克夫人成为他的资助人，他后阶段的许多作品都是献给这位夫人的。但奇妙的是两个人从来没有见过面。当他们十四年的书信往来因为这位夫人宣布公司破产而终止时，柴科夫斯基受到了很大的打击，在独自度过忧郁的三年后于莫斯科去世。他的死疑点重重，官方说法是他喝了带有霍乱病毒的水而染病身亡。但是据后来学者的考证，很有可能是自己服用砒霜而自杀。但是，这都只限于猜测，真的原因直到现在还是一个谜。
在音乐创作上，柴科夫斯基很崇拜莫扎特，甚至模仿他的风格创作了一部管弦乐组曲（Suite No. 4 in G major, "Mozartiana", Op. 61）。 对于瓦格纳音乐中的一些特性他却很反感，认为瓦格纳过于重视管弦乐队而忽略了声乐，柴科夫斯基主张用现实主义手法来表现歌剧，主导动机只用以描写心理感情等内在方面。
G. 谈谈音乐
19世纪下半叶的歌剧——法国喜歌剧
在梅耶贝尔以后的一个时期里，在意、德歌剧的冲击下，法国大歌剧出现颓势。可幸的是一直受法国人喜爱的喜歌剧仍保持着发展的势头，并从19世纪中叶开始，逐渐出现两个分支，即以流行曲调为主的讽刺性轻歌剧和以日常生活中的普通人为题材的抒情歌剧。喜歌剧成为19世纪下半叶法国歌剧的主流，这一时期的法国歌剧作曲家，大多是喜歌剧的作曲家。奥芬巴赫和托玛便是这一时期的主要代表。
奥芬巴赫
雅克·奥芬巴赫(1819-1880年)，德裔法国作曲家。奥芬巴赫出生在德国，原姓埃伯斯特，后以原居住地奥芬巴赫为姓。他父亲是科隆大教堂的合唱指挥，并成为奥芬巴赫的音乐启蒙老师。1833年，父亲送24岁的奥芬巴赫进入巴黎音乐学院学习，此后他便定居于此。奥芬巴赫曾从阿莱维学习过作曲。他担任过巴黎喜歌剧院的演奏员、法兰西歌剧院指挥，创办了巴黎人的轻歌剧院。1870年普法战争爆发，他移居到意大利和西班牙。1876年到美国参加世界博览会，并作访问演出。 1880年，奥芬巴赫在《霍夫曼的故事》排练期间去世。
奥芬巴赫最主要的成就是轻歌剧，直19世纪中叶，他在20多年里创作了近100部轻歌剧，这些作品在巴黎盛极一时。奥芬巴赫于1853年写成了第一部喜歌剧《佩皮托》。1858年10月21日，他创作的《奥菲欧在地狱》在巴黎喜歌剧院动上演，该剧取材于古希腊神话，奥芬巴赫将其改编得面目全非，当局指责这部作品亵渎了古代文学，影射政府。但观众却很买帐，票房直线上升，这使作为剧院经理的奥芬巴赫喜大于忧。
奥芬巴赫最著名的喜歌剧是《霍夫曼的故事》，1881年2月10日在巴黎喜歌剧院动上演后很受观众欢迎。这部喜歌剧有三个独立的故事组合而成，讲述了霍夫曼与三位女子的爱情遭遇，情节滑稽、怪诞。剧中的《木偶之歌》、船歌《美丽的夜》《啊，上帝，多幺迷人》等，都很优美动听。
奥芬巴赫其它的喜歌剧还有《美丽的海伦》(1864年)、《巴黎人的生活》(1866年)、《盖罗尔施泰因公爵夫人》(1867年)、《拉·佩丽肖尔》(1868年)等。
奥芬巴赫是法国轻歌剧的奠基人和杰出的代表。他面向大众,把舞台剧的传统，喜歌剧的形式，巴黎林荫略的活报演出与城市民谣相结合。他的曲调贯穿着大众喜闻乐见的民间情调，广泛采用生活舞蹈，如华尔兹，加洛普舞 、康康舞的节奏。他的轻歌剧充满嘲笑与讽刺的内容：帝国的当权者在政治和道德上的腐败。但也有迎合权贵口味的一面，娱乐性强，甚至有色情性的表现二重性也正是他的艺术所以能在第二帝国存在的原因。奥芬巴赫的音乐对奥地利的苏佩、施特劳斯、沙利文匈牙利的、莱哈尔以及现代的美国音乐剧都有影响。
托玛和他的喜歌剧
夏尔·路易·昂布鲁瓦茨·托玛(l811-1896年)，托玛出生于音乐家庭，托马幼年随其父学习小提琴和钢琴，17岁进巴黎音乐学院，1832年21岁的托玛获罗马大奖。从1837年开始创作了歌剧第一部喜歌剧《双层梯》，曾获柏辽兹的赞赏，很快获得成功。1849年即以《总督》占上当时喜歌剧作曲家的榜首。但是此后连续出现一些败笔之作，最后新创作的时期才来到。毫无疑问地，那是受古诺《浮土德》的刺激。从这样的体验而于1866年孕育出的，就是使托玛之名留传青史的《迷娘》，《迷娘》1866年11月17日在巴黎喜歌剧院首演，此剧则获得空前的成功。随后的半年间居然上演一百次之多。此剧的法语剧本，是由巴毕耶和卡雷共同执笔。这两位当时颇负盛名的作家，《迷娘》一剧中最著名的《君知否南国》是直接从原作的诗翻译的。它是根据歌德的小说(威廉·迈斯特的学习年代)改编，剧情梗概是：到处卖艺的吉普赛女艺人迷娘，与富有的大学生威廉相爱。而剧团的老演员洛塔里奥对迷娘也怀有好感，他为了阻挠这对年轻人的爱情，竟企图烧死迷娘。威廉计划把迷娘带回自己的故乡意大利，并为她卖一座豪华城堡。而这座城堡唤醒了洛塔里奥的回忆，他便是城堡原来的主人，而迷娘则是他的女儿。最后，父女相认，迷娘和威廉终成眷属。它的音乐体现了托玛旋律优美动听，感情缠绵的风格。这部喜歌剧中有不少精彩的唱段，如迷娘的《你可知道那个地方》、菲利雅的《我是蒂塔妮娅》、迷娘和洛塔里奥的二重唱《轻盈的燕子》等。《迷娘》是一部深受观众欢迎的喜歌剧，在19世纪的后30年里，它上演了1000多场，并始终保持了很好的上座率。
过了一年多后，也就是1868年3月9日首演于巴黎喜歌剧院的五幕歌剧《哈姆雷特》再获佳评。这部作品除了音乐创作相当成功外，还是第一部把萨克斯管引进乐队的歌剧。《迷娘》和《哈姆雷特》这两部作品显然都和古诺有关。也由于这两剧的成功，他才得以替代古诺担任巴黎音乐院长。托马一生作有20部歌剧，他的作品旋律优美，抒情性与戏剧性有机结合，富有传奇色彩，但在表现上缺乏应有的深度。
杰出抒情作曲家古诺
进入19世纪的后半期，法国歌剧的抒情性加强，大歌剧逐渐衰弱，而适合现实生活的喜歌剧形式--可以夹带对白的、主要人物不多的简洁的歌剧形式--与意大利风格结合，得到发展，它不仅用以表现喜剧性的内容，甚至可以表现悲剧性的内容。一批创作个性和美学观念并不相同的作曲家们以自己的作品形成了法国的抒情歌剧流派。古诺即是其中的杰出代表。
夏尔·弗朗索瓦·古诺(1818-1893年)，法国杰出的歌剧作曲家。古诺出生于巴黎，自幼随母亲学习音乐，向雷哈学习作曲。1836年进入巴黎音乐学院，他的老师有阿莱维、勒絮尔、齐默尔等当时最著名的作曲家。入学第二年，即获得该院的音乐大奖--罗马大奖的第二名，又过两年，他以压倒多数的选票荣膺罗马大奖的第一名。1839年，获奖后的古诺赴罗马学习进修，并访问了维也纳、柏林、莱比锡等地，接触到各国著名的音乐作品和音乐家。古诺于1852年出任巴黎最大的奥菲翁合唱协会的指挥。1858年任职于巴黎抒情剧院，在那里创作出了第一批歌剧。古诺最著名的歌剧是《浮士德》。这部典型的抒情歌剧作于 1859年，在巴黎抒情剧院上演，但演出效果并不理想。于是，古诺用10年时间对其做了修改。1869年3月，《浮士德》在巴黎歌剧院再度公演，从此成为最受人们欢迎的歌剧之一。成为抒情歌剧的第一部典范。在以后的8年里，仅巴黎歌剧院就上演了1000场，而在20世纪头10年中，它在德国共演出了3000多场。《浮士德》取材于歌德的同名戏剧，但故事情节与原作相去甚远，只是采用了其中浮士德和玛格丽特爱情故事的框架。《浮士德》的音乐较多地吸取了城市通俗歌曲的曲调，对玛格丽特内心情感的描绘十分成功。她的咏叹调《珠宝之歌》是一首旋律优美华丽，能够充分表现花腔女高音才华的优秀歌曲。在重演时，古诺将原来的对白改为宣叙调，增加了法国人最爱看的芭蕾舞场面，更使这部作品熠熠生辉。
古诺其它主要的歌剧作品还有《萨福》(1851年)、《萨巴女王》(1862年)、《米雷叶》 (1864年)、《鸽子》(1866年)、《罗密欧与朱丽叶》(1867年)等。
1870年普法战争爆发后，举家迁往伦敦避难，由于他成功地创作了歌剧《浮士德》而成为英国王室的贵宾。1874年，古诺回到法国，创作了一批优秀作品。例如《波里厄特》(1878年)、《萨莫拉的贡品》(1881年)等。
古诺是杰出抒情作曲家，他共写过12部歌剧，除《浮士德》获得过辉煌成功之外，《罗密欧与朱丽叶》(1867)也十分出色。古诺缺乏剧场感觉和经验，尽管旋律优美，由于缺乏发展的动力和新鲜感，因而影响了歌剧应有的魅力。
19世纪下半叶的歌剧
浪漫主义歌剧在19世纪下半叶发展到了顶峰，在欧洲三个音乐大国中，都出现了世界级的杰出作曲家。
在意大利，威尔第使歌剧达到了登峰造极的地步，并因此成为最伟大的歌剧作曲家。最重要和最伟大的作曲家是德国的瓦格纳。如果说他以前的浪漫主义作曲家只是在某一方面或某些领域取得了辉煌成就的话，那么瓦格纳是他们的集大成者。他对19世纪歌剧事业做出的贡献，无论怎样评价也不会过分。法国的古诺和比才虽然与瓦格纳、威尔第不能相提并论，但他们的作品对世界产生的影响绝不能低估。特别是比才，由于在创作中表现出了自然主义的倾向，实际上成为浪漫主义终结和真实主义兴起的接力者。
威尔第的浪漫主义歌剧
罗西尼跨越两个时代，即古典主义和浪漫主义时代。威尔第则是完全属于19世纪的艺术家。他出生于1813年，卒于1901年。19世纪是一个在人类文明和文化方面都充满决定性的世纪。威尔第从1839年至1893年为舞台而创作，在这期间，他走过了19世纪浪漫主义的全部领域。
威尔第的歌剧作品洋溢着炽热的情感旋律，其成就代表了意大利浪漫主义歌剧的高峰。他的歌剧中的合唱被改编成爱国歌曲，在意大利国家统一运动中表达着自由与独立精神。威尔第非常注重题材的选择和舞台效果的处理，但有时也因其太过标新立异，导致不能通过当时的检查。
朱塞佩·威尔第(1813-1901年)，1813年10月10日出生于意大利北部帕尔玛公国布塞托市的小镇隆科莱。父母经营着一家兼做杂货铺的小饭馆。他们沉默寡言、忧郁孤僻的性格，遗传给了威尔第，并成为他一生中的“种子”性格。威尔第出生时，帕尔马正遭到奥地利人的大肆侵犯，他们想赶走拿破仑的军队(19世纪早期欧洲大陆的大部分时间不是遭受拿破仑的侵略，就是遭受那些想赶走拿破仑的人的侵略，总归是脱不了拿破仑的干系)。由于当地条件和家庭经济状况所限，威尔第没有学习音乐的良好环境。但这并没有妨碍他对音乐的爱好。 1925年, 12岁的威尔第开始做管风琴师。威尔第的父母希望扩大孩子的音乐视野，于是把他送到附近的布塞托城，他在那里住在另一个名叫安东尼奥·巴雷奇的食品杂货商家中，安东尼奥·巴雷奇掌管着当地的音乐会社。年轻的威尔第很快就为该城的乐队写起进行曲和其它音乐，不过更多是写为他自己和巴雷奇招人喜欢的女儿玛格丽塔弹奏用的钢琴二重奏。
1828年的威尔第从布塞托音乐学校毕业。他选择音乐作为其终身职业，并尝试创作了几部协奏曲，他为在布塞托剧院上演的《塞维利亚的理发师》写了一首序曲，引起了小城的轰动。此间，巴雷奇为威尔第的成名立业，甚至生活起居，都提供了难能可贵的支持和资助。这种支持和父爱般的关怀，一直持续到他逝世。
到1832年威尔第19岁了，巴雷奇认定在音乐上他已经没什幺可以教威尔第的了，因此鼓励他申请人米兰音乐学院。
1832年6月，威尔第来到米兰。他以极大地热忱报考米兰皇家音乐学院，米兰音乐学院的教师们对威尔第的天赋印象颇深，但规矩就是规矩：他们说他超龄四岁，太大了不能接收。从此，威尔第就再没有接受过正规音乐教育。除了师从著名的歌剧作曲家拉维尼亚进行私人学习外，还大量抄写了巴赫、亨德尔、莫扎特、贝多芬等音乐大师的作品，并观摩了唐尼采蒂、贝利尼歌剧的演出。
对米兰音乐学院的决定，威尔第深感羞辱，以至于一生中对此都不能原谅。当威尔第许多年后成了世界闻名的作曲家时便对米兰音乐学院还以颜色，断然拒绝了他们以威尔第的名字命名这家音乐学院的请求。他说：“他们没有接受年轻的我，那么也不能要老年的我。”事情就是这样。
威尔第的初创期
1836年4月，威尔第和相爱已久的巴雷奇的女儿玛格丽塔结婚之后，便开始了艰难的创作生涯。1839年初，威尔第夫妇移居米兰。同年11月，他的第一部歌剧《博尼法乔的奥贝尔托伯爵》在斯卡拉歌剧院上演，这部作品非常成功观众和舆论给予了很高的评价。称威尔第是一位了不起的年轻的歌剧作曲家。《奥贝托》虽然算不上是一部杰作，但在威尔第的创作生涯中有着重要的影响。后来剧院经理巴尔托诺米欧·梅雷里结账后请他再写一部歌剧，这次是要一部喜剧。
但不幸的是，1840年夏，威尔第的小儿子和与威尔第患难与共的爱妻玛格丽塔，在三个月内先后被病魔夺去生命。威尔第在巨大的打击面前，坚持创作完二幕喜歌剧《假斯坦尼斯拉奥》，后更名为《一日之王》。遗憾的是，这部喜歌剧遭到了观众的冷遇，舆论对此也进行了抨击。由于《一日为王》的失败，威尔第在以后的50年里，再也没有写过喜歌剧。
妻儿的亡故加上《一日之王》的失败使威尔第有点打不起精神来。他离家出走，闷闷不乐约有三年光景。梅雷里最终设法让他又开始了工作，他用一个有发展前途的意大利诗人塞米斯托克利斯·索莱拉的一个新颖的歌剧脚本来吸引威尔第。 这部新的歌剧脚本是《纳布科》，讲的是一个巴比伦的疯国王皈依犹太教的故事。是一部以反映意大利民族主义情绪为主题的歌剧。威尔第为这部歌剧的第二幕作了一首激动人心的合唱，还为第三幕作了另一首令观众喜欢的唱段--“飞吧!思想插上金色的翅膀”。
1842年3月9日，《纳布科》，在首演后大获成功。它在客观上煽起了意大利人的爱国热情，主人公在异族统治下的反抗，引起了观众的强烈共鸣。罗西尼称威尔第是“我们当中惟一能写大型歌剧的人”；《米兰日报》《费加罗报》纷纷给予高度评论，说威尔第“具有极大的可以说是宏伟的创造力”，“歌剧震撼了观众，他们疯狂鼓掌，不断喝彩”。《纳布科》在几个月里连续上演，其中的合唱《飞翔吧思想，展开金色的翅膀》，是欧洲歌剧艺术中最伟大的合唱曲之一，并在威尔第逝世后的葬礼上被成千上万的人们吟唱。《纳布科》的成功，使威尔第登上了意大利歌剧之王的宝座。
威尔第的探索精神
就在1842年排练《纳布科》的时候，威尔第开始对朱塞平纳·斯特雷波尼产生好感，这位女高音塑造了疯国王狡诈的女儿阿比加耶这一角色。不过一直到几年后斯特雷波尼告别舞台在巴黎教学时，他们才开始同居。最后他们还结了婚。威尔第叫她佩皮纳。
后来，威尔第以惊人的速度写出一部又一部歌剧。写完《纳布科》的歌剧脚本后，索莱拉又与威尔第合作了《伦巴第人》、《阿蒂拉》和《焦万娜·达尔科》。其中一些作品不是太好，这他也知道。但这些作品对于增加他的知名度是很有益的，并为他挣得了足够的钱，使他在过去踏足的土地--布塞托的乡间买一个农场。每当威尔第又完成一部歌剧，他就种上一棵树庆祝一下。
1844年3月，威尔第具有强烈震撼力的歌剧《厄尔南尼》，再次赢得声誉。这部洋溢着青春气息的歌剧，被青年人竞相传唱。此后，威尔第在荣誉和观众的呼声中，无法停下创作活动。他几乎成为一个“音乐苦役犯”，连续创作了《福斯卡里父子》(1844年)、《奥里昂姑娘》(1845年)、《阿尔吉拉》(1845年)、《阿蒂娜》(1846年)、《麦克白》(1847年)、《强盗》(1847年)等水平不一的歌剧。
1848年初，在巴黎革命的影响下，意大利各地也相继爆发了革命。威尔第认为，现在意大利最需要的是“大炮的音乐”，他应该用歌剧的方式“发出爱国的炮弹”。于是，威尔第创作了《莱尼亚诺之战》，剧中的主人公费鲁乔被威尔第称之为“一个顶天立地的形象，为意大利的自由而斗争的最伟大的受难者”。1849年的狂欢节期间，《莱尼亚诺之战》在罗马上演，“人们像旋风一样冲人大厅，剧院挤得水泄不通。威尔第在舞台上谢幕20次。第二天，无论是一张票，还是一份载有歌剧内容的节目单，都无法弄到--全部卖光了。当第一幕的合唱《意大利万岁》响起时，全场的观众挥舞着旗帜，起立高唱，而扮演占领者的演员差点儿遭到观众的毒打。
1849年12月，威尔第创作完成了歌剧《露易莎·米勒》。这部歌剧中的几首歌曲，如男高音咏叹调《当晚上一片寂静的时候》，是音乐会保留曲目。
威尔第震惊世界的歌剧作品
1849年底，威尔第回到故乡布塞托。以后，他接连写出了3部震惊世界的歌剧作品。威尔第在回故乡前，被雨果的剧本《国王寻乐》深深吸引，并兴奋不已。1851年初，威尔第用了40天创造完成了《利哥莱托》(又译《弄臣》)的全部音乐。其中最著名的唱段之一“女人善变”就在该剧第四幕里。这是一部关于驼背弄臣、好色公爵和一个叫斯帕拉弗奇莱的职业刺客的歌剧。《利哥莱托》的歌剧脚本取材于维克多·雨果的话剧剧本，该剧几年前冒犯了巴黎观众的道德观念。起初，官方审查员不允许威尔第写这部作品，但他改了改人物的名字就蒙混过关。1852年3月31日，《弄臣》在威尼斯首演。为了在首演中给观众一个惊喜，威尔第直到演出的前一天，才把那首著名的歌曲《女人善变》的乐谱交给演员。果然，首演一再被观众的欢呼声和掌声打断。《弄臣》和《女人善变》不胫而走，传遍了意大利各地。罗西尼在观看了演出后感慨地说：“在这部作品中，我终于看出了威尔第的天才。”而在此前，这两位歌剧大师多少有些貌合神离。
1853年，威尔第度过了他最好的一年。这年，他创作了两部最成功的歌剧《游吟诗人》和《茶花女》。 他写《游吟诗人》仅用了28天。就是在这部歌剧中，第二幕有一段“打铁”合唱，还有乱成一团的吉卜赛的咒骂声。 1853年2月19日，威尔第的浪漫主义杰作《游吟诗人》在罗马首演。它所取得的成果和《弄臣》相似。
在结束了《游吟武土》的创作后，威尔第立即着手《茶花女》的创作。这部作品仅花费了威尔第一个月的时间。1853年3月6日，《茶花女》在威尼斯首演。《茶花女》1853年3月在威尼斯的首演彻底砸了锅。男高音患了重感冒，一直沙哑着声音。最主要的是，观众认为威尔第的悲剧是他们多少年来听过的最滑稽可笑的东西。扮演患有肺痨的维奥莱塔的女高音萨尔维尼·多纳泰利十分粗壮健康，因此她一开口，观众就爆发出一阵阵笑声。这可不是好兆头。由于演员选择不当，观众并未认可。但威尔第是笑到最后的人，《茶花女》在一年以后重新演出时，获得巨大成功，并很快风靡全欧。在全世界(包括威尔第在一封信中写到的在美国纽约的一次演出)的演出都赢得了巨大的掌声。
《弄臣》《游吟武士》和《茶花女》的问世，使威尔第在歌剧界的成就和声望，迅速超过唐尼采蒂和贝利尼，甚至连罗西尼都屈居其后。威尔第从此成为意大利最伟大的歌剧作曲家。
《阿依达》、《奥赛罗》、《福斯塔夫》更上一层楼
1868年6月，威尔第拜访了他心仪已久的83岁的老作家曼佐尼。1870年，声望卓著的威尔第当选为意大利众议院议员，但他宁愿呆在自己的庄园里享清福，很少去罗马参加他不感兴趣的政治活动。在这前后的一段时间里，他过着离群索居的生活。此间，威尔第还创作了《梅菲斯特费勒斯》，修改了他以前创作的《命运之力》。
1869年此时的威尔第出现在世人面前，他关注歌剧的脚本，使剧情更富于创造力，完全改变了以往歌剧家的形象。他接受了埃及的赫迪夫(1867-1914年间土耳其苏丹授予埃及执政者的称号--译注)的邀请，为庆祝苏伊士运河开通写了一部歌剧《阿依达》。苏伊士运河如期开通了，但这部歌剧却没有如期上演：由于普法战争，所有的布景和服装都压在了巴黎。这部歌剧于1871年12月24日。威尔第创作的以古埃及传说为背景的歌剧《阿依达》在开罗首演。健壮的女主角儿们大显身手。赫迪夫对这部歌剧倍加喜爱。威尔第因为晕船没有参加首演式。
两个月后，《阿依达》又在意大利的米兰举行了首演，著名女高音泰雷萨·斯托尔兹饰演阿依达。几乎所有的人都认为《阿依达》是一部精彩的歌剧。再一次掀起了对威尔第的狂热。观众的情绪极其亢奋，60岁的威尔第出台谢幕竟达40次。
1873年5月，曼佐尼病逝。悲痛万分的威尔第没有勇气出席他的葬礼。他怀着无限的崇敬之情，在家中专心致志地为死者创作了一部《安魂曲》。在曼佐尼逝世一周年之际，《安魂曲》在圣马尔科大教堂演奏，威尔第亲自指挥。这部杰作是威尔第除歌剧之外惟一享有盛誉的作品。
在此后大约13年的时间中，威尔第几乎没写过任何东西。他轻松度日，各处走走，看看这部歌剧或那部歌剧的演出，在首演夜总要把胡子梳理得整整齐齐。农场的事物总是让他忙活。
1887年为了证明威尔第的音乐生命并没有就此结束。古稀之年的威尔第再次拿起笔，用了几年时间，构思创作了《奥赛罗》，为此他倾注了全部的精力，并亲自挑选演员、排戏、指挥合唱、审查服装、道具，检验每一个细微的环节。1887年2月5日，《奥赛罗》在斯卡拉歌剧院首演。首演的场面激动人心，一些国家的政要、文化名流和观众一起，如痴如醉地沉浸在剧情中，欢呼声、掌声震耳欲聋。74岁的威尔第和主要演员的谢幕花费了15分钟。散场后，欢腾的人群抬着大师回到住所。威尔第几次到阳台上与人们挥手告别，直到扮演奥赛罗的演员塔马尼奥高声清唱了一曲《欢腾吧》之后，热情的观众才陆续散去。
1893年，眼见着亲朋故交相继离开人世，威尔第自感来日不多。这位高龄的老人以每天工作7、8个小时的超常效率，又完成了一部杰作--《福斯塔夫》。这既是威尔第最后一部喜歌剧，也是他漫长而辉煌的创作生涯中的最后一部作品。在完成厚厚三大本总谱后，威尔第在最后一页写下了一个“完”字，并意味深长地写到：“去吧，去吧，往前走--往前走!别了!!!”1893年2月9日，《福斯塔夫》的首演获得了与《奥赛罗》相同的成功。
威尔第的一生，写过的成功的歌剧比我们有些人一生看过的还要多。他始终是最著名的和最受爱戴的歌剧作曲家。1901年1月27日，威尔第在米兰逝世。意大利举国哀痛，人们倾城出动，情不自禁地涌上街头，送别这位最伟大的歌剧艺术大师。
瓦格纳
浪漫歌剧对于瓦格纳来说绝不是简单歌剧和音乐剧，而是从名称上就能看出来的“大歌剧”风格，“它是一种行为表现、是神圣的戏剧，或者也可以什幺都不是，”瓦格纳就这样描述自己的歌剧作品，因此也就有了背叛的理由，还没有人能够为音乐史带来如此彻底的革命，瓦格纳不仅仅是音乐作曲家，而且还是一个知识分子和诗人，剧作家和思想家，是合唱、歌唱家和乐队的指导和指挥，是艺术、习俗和人生的导师。他的歌剧作品应该是德意志民族、西方音乐，甚至整个人类文明期盼已久的成熟的硕果。他成功地指挥演奏了贝多芬的第九交响乐曲，那是典型希腊式的悲剧。他对韦伯略感兴趣，在审视着贝里尼同的时又欣赏着格鲁克的作品。他认为传统歌剧的最佳作品，也只是美妙的音乐。然而，新的歌剧音乐绝不仅仅是通常所说的美丽动听的音乐，它应该摆脱自我孤立的音乐。
过去的歌剧音乐总是考虑多样化的形式和剧本的要求，而现在，瓦格纳则把哲学、宗教和道德编织在戏剧和音乐之中。瓦格纳的新歌剧，就是神话和宗教。因为他所表现的是古代典型的事件和人物，上帝和神灵，恶毒凶残的男人们和背信弃义的女人们，伟大感人的英雄豪杰和救世主般的伟大女性。在他的作品中给观众眼前展现了生与死、好与坏、拯救与摧毁这一系列人世间最高精神境界。它是超凡人生的真正检验，具有重要的道德意义。
他在歌剧发展史上占有重要地位。他早期创作的歌剧属浪漫派大歌剧样式，后来他渐渐对这种样式的歌剧感到不满，认为歌剧这一形式，应该是各种艺术的结合，并按自己的美学理想和理论，创立了“乐剧”的形式。他不仅是一位杰出的音乐家和歌剧改革家，而且是积极的社会活动家和著名的思想家。他在政治思想、音乐戏剧美学上的著述，对当时的社会政治生活和文化生活起过重要的影响。在这方面，他是空前绝后的，是任何一位杰出的音乐家无法比拟的。
威廉·理查德·瓦格纳(后来他省去了“威廉”)1813年5月22日出生于莱比锡的一个警官家庭。出生于莱比锡。他的母亲原来叫约翰娜·帕茨，是面包师的女儿，她当时的丈夫是一个警官，名叫弗里德里希·瓦格纳，他在瓦格纳出生后不久就去世了。不久后，母亲再嫁给剧作家、演员盖伊，举家迁往德累斯顿。 童年的查德以盖伊为姓，直到十来岁时才又改回到瓦格纳这个姓氏。继父对幼年瓦格纳的艺术启蒙起到了重要的作用，在他的影响下，瓦格纳从小就对古希腊神话、莎土比亚戏剧和德国民间文学产生了浓厚的兴趣。由于继父的关系，瓦格纳在很小的时候就经常出入剧院，这对他未来的乐剧创作大有裨益。瓦格纳和继父的感情甚笃，当他得知继父在临终时希望他成为音乐人才后，便发誓从此要怀有在世界上获得成就的抱负。1827年14岁的瓦格纳他把大部分时间用于写一部长长的、错综复杂的歌剧剧本，他把这部叫做《洛巴尔德》的剧本看成是莎士比亚式的悲剧作品。从而显示了这位少年的戏剧创作才华。在这部歌剧和莎士比亚的《哈姆雷特》一样，剧中的主人翁也见到了被暗杀的父亲的鬼魂。与哈姆雷特不同的是，洛巴尔德采取了更直接的复仇行动：他几乎杀死了所有有的人，最终成了疯子。在第四幕结尾时，死去的人太多，瓦格纳不得不在第五幕中让一些人作为鬼魂回来，以使剧情发展下去。
瓦格纳断断续续地听过一个叫米勒的人的音乐课，但瓦格纳主要是自学的。瓦格纳极其推崇贝多芬的音乐，他对少年瓦格纳产生决定性影响。瓦格纳曾抄录了这位大师的几乎所有的作品。特别是他在1829年观看了《菲德里奥》的演出后，对音乐和歌唱家的演唱感触极深，并称是这次演出决定了他作为职业作曲家的命运。即使在睡梦中，瓦格纳也曾为贝多芬和莎士比亚激动地泪流满面。正是这两位伟大人物，奠定了瓦格纳以后从事乐剧创作的坚实基础。
1931年，瓦格纳进入莱比锡大学读书。此间，他用短短6个月的时间，向作曲家魏利格学习作曲理论和技法。
瓦格纳早期的歌剧作品
1833年，瓦格纳在马格德堡找到了一份工作：在一个小歌剧团做合唱指挥。尽管他担当此职的资格差一些，但他们还是雇用
H. 捷克的音乐
二十世纪初期，捷克的音乐创作面临着一种新的情况，一方面，在捷克的音乐生活中起重要作用的老一辈作曲家如德沃夏克(1841—1904)、费比赫(1850—1900)等人已经先后逝世；另一方面，捷克的音乐创作也和周围的其他资本主义国家一样，处在各种以“革新者”面目出现的资产阶级音乐流派的包围中。当时，不少音乐家都受到它或多或少的影响，特别是在后来两次世界大战的中间时期，欧洲普遍流行的形式主义在捷克现代音乐创作中有相当明显的反映。用四分之一音和六分之一音原则来进行创作的哈巴(Haba，1893一)便是这种倾向的代表之一。在作曲家马尔丁努(B．Martinu,1890一)的创作中，斯特拉文斯基的影响非常显著。
但是，在捷克也有另外一批作曲家在积极地从事创作活动。他们与捷克的古典音乐传统和民间音乐保持着密切的联系，他们的音乐始终保持着健康、朝气的性格以及质朴、新颖的民族特色。创作中的这种倾向，使他们免于陷入二十世纪西欧各种颓废的资产阶级音乐流派的泥坑。杨那切克(L．Janacek，1854—1928)、苏克(B．Suk，1874—1935)、诺瓦克(V．Novakl870)等人便是属于这一类的音乐家。他们的某些作品成为二十世纪前半叶捷克现代音乐文化中比较有价值的文献。
杨那切克(1．Janacek，1854—1928)生于莫拉维亚东部的胡克瓦尔德，父亲是热爱音乐的教师。杨那切克从童年便参加教会的唱诗班，20岁时进布拉格的风琴学校学习风琴、钢琴，歌唱。在这里结束学习之后，二二十三岁时到了布鲁诺，任师范学校的临时音乐教师。当时杨那切克只能业余进行创作，他曾在莱比锡和维也纳的音乐学院学习，但不久又失望地回到布鲁诺，仍在原地工作。从此，他开始了创作生活。在这个时：朗中重要的作品有：歌剧《莎尔卡》(1887年)、《耶奴伐》(1894年)、《命运》(1904年)，大合唱《阿玛鲁斯》(1897年)，钢琴套曲集《沿着扎罗斯的小路》等。在理论著作方面，有《论和弦的构造及其结合》、《和声学教程》等。
不久，杨那切克被民间音乐强烈地吸引，他进行了收集研究民歌的工作，并出版了《莫拉维亚的民歌集》。从1904年开始，杨那切克最后放弃了教育工作，开始用全部精力投入创作。1916年，他的优秀的代表作歌剧《耶奴伐》在布拉格上演，获得巨大成功，这位六十几岁的作曲家新的创作力又重新振奋起来。
第一次世界大战期间以及生命的最后几年是杨那叨克创作的高潮时期。这时期的作品包括歌剧《布罗乌契克先生的奇遇》(1917年)、管弦乐狂想曲《塔拉斯·布尔巴》(1918年)、室内乐《消逝者的随笔》(1919)、交响诗《布兰尼克叙事曲》(1920年)。歌剧《卡加·卡巴诺娃》、以托尔斯泰的《克莱采奏鸣曲》为题材的《第一弦乐四重奏》(1923年)、管乐六重奏《少年时代》(1924)、小交响乐(1926)、《格罗格尔弥撒曲》以及最后一部根据陀斯妥耶夫斯基的小说写成的歌剧《死屋》(1927—1928)。
杨那切克一生的主要作品包括：七部钢琴作品、十部室内乐、十一部交响乐作品，九部歌剧、许多声乐作品、民歌改编曲和理论著作等。杨那切克的创作才华突出地表现在歌剧创作方面。
杨那切克对歌剧的意义有很高的估计。他说：“有一些作品，需要付出长年的艰辛劳动，那就是歌剧；通过它最能使我们认识一个国家的人民”。在歌剧中，杨那切克创作里那些较珍贵的特征，完美地显示出来了。他是捷克第一位用散文体的词来谱歌剧的作曲家。他把歌剧中最主要的部分，主要交给了声乐。他不大使用一些歌剧作曲家所惯用的乐队的复调语言，他怕乐队的音响淹没了清晰的诗词。杨那切克既放弃了瓦格纳歌剧创作中所用的主导动机体系，同时也不去对主题旋律做广阔的展开。他走的完全是另一条新的道路，即直接从活的语言当中去掌握它的音调特性，发展它们，并在这个基础上创造独特的、有表现力的旋律语言，这样就构成了杨那切克歌剧风格中最鲜明的特征。杨那切克的九部歌剧中有代表性的两部是：《耶奴伐》和《卡佳·卡巴诺娃》。
歌剧《耶奴伐》(Jenufa)原名《她的养女》，是杨那切克早期的第三部歌剧，写于1894至1903年间，原脚本的作者是普列索瓦。
杨那切克在歌剧中通过一个被玩弄、被蹂躏的少女——耶奴伐的悲惨的遭遇，揭露了二十世纪前期捷克农村中人与人之间的关系。杨那切克热情地站到被欺骗的、被蹂躏的人们方面来，鞭挞了资本主义农村小业主的罪恶。
这部歌剧由于它独特的、以语言的音调为基础的声乐风格，而成为一部真正革新的作品。杨那切克成功地将诗词与音乐有机地结合起来，由于对语言音调的旋律性的发掘和应用，就为揭示人物的内心体验，感情的细致变化提供了更大的可能性。歌剧许多段落的音乐处理都是很出色的。
杨那切克的另一部歌剧《卡加·卡巴诺瓦》写成于1921年。这部歌剧取材于俄国著名作家奥斯特洛夫斯基的戏剧《大雷雨》。歌剧脚本是由作曲家自己写成的，它的情节与原著基本相同。这是一部叙述一个在宗法社会压迫下的妇女的爱情和苦闷的悲剧。被压迫和被侮辱的女主人公卡加，是歌剧的戏剧发展的中心。如果说，在前一部充满辛辣、讽刺的歌剧《布罗契克先生的奇遇》中，音乐的抒情性还没有得到充分发挥的话，那么在《卡加·卡巴诺娃》中，抒情因素则得到了丰富的体现。杨那切克的交响乐处理在这部歌剧的音乐发展过程中起了很大的作用。乐队演奏的音乐不仅是作为声乐部分的伴奏，而且与剧情的发展紧密地结合在一起。
杨那切克的音乐具有独特的风格。构成这种独特风格最重要的特征是：他在自己的创作中吸取了捷克语言中的旋律性因素。他沉醉于对拉夫柯地区方言的研究，他简直把这种语言当作一种音乐，从人们说话时的音调中去观察人们的心理状态和感情体验。他认为不同民族、不同地区在这方面都有不同的特点。杨那切克研究了人们哭笑等的音响特性，从中去发掘它们的旋律因素。活的语言的音调成为杨那切克的歌剧音乐风格的出发点。这种音调，对他整个音乐语言的风格的形成，起了重要的作用。在这个基础上，杨那切克创造了风格新颖的，音调独特的旋律语言(特别是声乐的旋律语言)。节奏极其生动而富于活力，它与拉夫柯地区方言的韵律以及民间舞蹈的节奏有密切的联系。杨那切克喜欢用不规则的，不均匀的节奏形式，常在弱拍上出现重音。在和声方面，杨那切克的处理比较大胆，除了常用的三音、四音的和弦之外，他也运用五音和更多音结合的和弦；和弦的四度结构，全音音阶等，在杨那切克的和声语言中是常见的。而在另一方面，他的和声又非常质朴，简明而富于表现力。在他晚期的作品，特别是歌剧中，他的和声语言变得相当复杂了。例如时常出现五音、六音的和弦结构，以及带有小二度不协和音程的连续三和弦，古老调式的运用等。
杨那切克进行创作活动的年代正是各种颓废的西欧资产阶级音乐流派猖狂活动的年代，杨那切克不可能完全不受它们的影响。但是杨那切克没有去追求那些虚伪的所谓“革新”。在内容方面一般也比较健康，没有完全失去与现实生活的联系，音乐有比较鲜明的个性。因此，他的创作在捷克音乐文化的发展过程中仍占有一定的历史地位。
苏克(Josef Suk，1874—1935)于1874年生于柯尔日乔维兹(波希米亚南方的一个小镇)。父亲是职业音乐家，从事音乐教育和合唱指导工作。苏克早期的音乐学习是在父亲的严格指导下进行的。进入布拉格音乐院后，苏克在杰出的捷克作曲家德沃夏克的直接指导下学习作曲。在这里，他接受了传统的音乐教育，系统地钻研了传统的作曲经验和技巧； 同时苏克也在贝内维兹班上学习小提琴。
苏克一生的音乐活动包括三个方面：创作，小提琴演奏和音乐教育。苏克在捷克四重奏乐团工作了四十年，随着这个乐团在欧洲各地旅行演奏，大大地扩大了自己的艺术眼界。苏克也精力充沛地从事教育工作，从1922年起他开始任布拉格音乐院的作曲教授，后来并成为该院的院长。由于具有长期的创作实践、广博的学识、丰富的艺术修养和生活经验，使他在教育工作中作出了贡献。1935年，苏克逝世于别涅肖夫城。
苏克的最重要的作品，主要是器乐作品。其中以《E大调交响乐》、《e小调交响乐“阿兹拉爱尔”》、交响诗《夏天的故事》、《成熟》、组曲《童话》、弦乐队的《小夜曲》最重要。此外，象为提琴和管弦乐队所写的《幻想曲》、话剧《拉杜兹和玛格丽娜》的幕间音乐、一系列的室内乐曲、著名的钢琴曲《恋歌》、合唱曲以及供合唱队交响乐队演奏的《走向新生活》等，也较突出。
苏克大部分作品的题材内容都是与他个人生活中的各种情感体验直接联系的。在苏克的前期作品中，反映着他对故乡的大自然的热爱，例如著名的《乡村小夜曲》、钢琴曲《生活与梦幻》等许多作品，都与波希米亚南部的自然风光和生活风俗有密切的联系。其他如《c小调钢琴三重奏》、管弦乐《戏剧序曲》、《a小调钢琴四重奏》，《g小调钢琴五重奏》等作品，也有鲜明的浪漫主义气质。从这些作品的音乐风格可以看到捷克古典作曲家斯美塔那和德沃夏克对他的影响。苏克对德沃夏克的长女奥蒂丽的爱情和幸福的体验，在他当时的不少作品中都有所反映，如《B大调弦乐四重奏》、《献
给奥蒂丽的钢琴小品集》(Op．12)、《E大调交响乐》等。
1904年，苏克参加四重奏乐团在西班牙、葡萄牙演奏旅行的时候开始构思一部歌颂首都布拉格的作品。不久后，交响诗《布拉格》写成了。这首单乐章交响乐，分为三个部分。第一部分的主题是取自胡斯教的圣咏合唱《你们，上帝的士兵》。斯美塔那在他的交响诗《我的祖国》中，也采用过这个曲调。苏克在这里又加添了一个辅助的主题，用来表现他对这座城市的热爱。整个第一部分充满对这座古老城市的肃穆的爱戴之情，它的结尾宏伟壮
丽。第二部分出现了骚动的快板，把人们引到历史的回忆中去。苏克在这里回颐了过去在敌人蹂躏下所掀起的英勇反抗斗争；同时也出现与这个残酷景象形成对比的、和平宁静的音乐，使焦虑不安的心灵得到一些慰藉。在第三部分中，苏克得出了乐观主义的结论：英勇的人民终于战胜了侵略者，保卫了这座城市。布拉格的主题在管风琴和钟声中响彻云霄。这部作品，整个说来是充满热情的、豪迈宏伟的赞歌。苏克自己曾说：“《布拉格》这部作品，门始至终是怀着无比的热情写作的，我希望在这部作品中，突出地表现布拉格的伟大”。但是，在这部作品中，也在广定程度上渗透一些苏克当时精神生活中所存在的不安和焦虑，以及急于摆脱这种骚扰、渴望恢复平静生活的心情。因为当时苏克正被妻子的重病所折磨，陷入烦恼和不安。这种情绪在当时其他的作品(如《小提琴和管弦乐的幻想曲》、《谐谑幻想曲》)中都有所反映。
苏克的后期创作，不仅内容较为深刻，而且艺术表现力、专业技巧也获得不少提高。《c小调交响乐“阿兹拉爱尔”》是他创作趋向成熟的一个起点，同时也是他创作的一个顶点。与这部交响乐一起构成苏克交响乐四部曲的另外三首作品，是《夏日的故事》、《成熟》和带有声乐部分的《后奏》。它们在音乐的感情内容上和乐曲构思上，与《c小调交响乐“阿兹拉爱尔”》有密切的联系。
1904、1905这两年里，苏克在精神上遭到了沉重的打击，他的老师德沃夏克和他的爱妻奥蒂丽(即德沃夏克之长女)先后逝世。苏克的平静的生活，被这两个不幸事件摧毁了，精神上、情感上都遭受了无法弥补的创伤。苏克正是在这个时期写出了他的《c小调交响乐“阿兹拉爱尔”》。他把由于亲人的亡故而引起的深刻悲痛，全都贯注在这首作品中。可以说这是为悼念德沃夏克和奥蒂丽而写的独特的“安魂曲”。它的标题“阿兹拉爱尔”，原文字义即“死的天使”。交响乐的规模很庞大，共分五个乐章。前三乐章是德沃夏克死后不久写戍的，后两乐章则是在奥蒂丽死亡之后写成的。第一乐章充满浓厚的忧虑不安的气氛和悲剧性的色彩。在激烈的情感斗争中，精疲力尽的主人公终于倒下了。这个乐章虽然是建筑在奏鸣曲快板形式的基础之上，但苏克在形式上摆脱了传统公式的束缚。第二乐章常被人们称为“恐惧之歌”，它暗示死亡的幽灵在逼近。高音区中的主题是以德沃夏克的《安魂曲》的动机为基础的。命运和死亡的主题在音乐中又不断地出现，逐渐高
涨，终于发展成为气势汹涌的“死亡的进行曲”。第三乐章是谐谑曲，它给人们带来一种狂热的梦幻印象，似乎是一场可怕的魔鬼们的舞蹈，具有怪诞的色彩。中间部分“行板”，在情绪上有了大的转变，音乐转到宁静的冥想中去，把人们引到一种对已经消逝了的幸福的回忆中去。但这一切很短暂，音乐很快又回到原来的境界。第四乐章写对奥蒂丽的追忆。这里，已经没有深重的痛苦，出现了一个美丽纯真的形象，仿佛奥蒂丽又重新在苏克的思
想里浮现出来。音乐不断地揭示作曲家当时复杂的内心感受，追忆已经失去的幸福和欢乐。在最后一个乐章里，命运和死亡的风暴重新袭来，开始了最后的搏斗，暗示他已经从痛苦和悲伤中又站立起来，抵抗住了这剧烈的袭击。音乐的处理富于戏剧性，充分发挥了乐队的表现力量。乐曲的结尾音乐暗示着：人终于战胜了，他(苏克)终于又抱着重新燃起了的希望，回到生活中去。苏克在这部情感真挚的作品里，把他创作中最鲜明的特征都体现了
出来。
苏克在欧洲的音乐史中虽然没有占据杨那切克那样重要的地位，但他的音乐朴素近人。二十世纪的前期，在欧洲盛行着资产阶级各种颓废没落的音乐流派，影响着当时资本主义国家作曲家的创作。但是，苏克却没有陷入到这个泥坑中去，他的音乐始终保持着朴素的特色。优美动人的旋律是他的音乐中最重要的因素，他的创作始终与捷克古典音乐的传统、特别是德沃夏克和斯美塔那的传统保持着直接的、密切的联系。
I. 柴可夫斯基是欧洲哪个时期的作曲家
柴可夫斯基属于欧洲浪漫乐派时期，在西方音乐史中在俄罗斯民族乐派这一章出现。