A. 弹钢琴时候如何做好呼吸
钢琴大师贝尔曼说，弹琴的人要有三个肺，也就是要有三个部位来呼吸，即嘴巴呼吸、双臂呼吸和手腕呼吸。嘴巴呼吸不单是一种生理意义上的呼吸，在很多时候，它可以帮助我们在演奏中从心理意识上做好呼吸的预备，给意识以“暗示”双臂呼吸;特别适合于那些篇幅较长、气息要求延绵的乐段，手臂的放松和调节给予音乐连贯性和流畅感;而手腕的呼吸是运用最普遍、也出现得最多的呼吸手段，如连线的划分，通过手腕力量的“上抬”和“下沉”也可以实现乐句起伏中形成的“气息”。
在钢琴演奏中许多技巧也需要有呼吸的配合来完成，比如在演奏强力度的和弦时，如果只靠手和臂的力量，往往达不到作品所需要的音响、力度效果。这时我们就要用气息的支持，气沉丹田，我们常常提到的“腰部力量”就是气息在支持，这股力量由背、肩、臂一直贯通到手指，加上了气息的力量就会感到手臂力量大大增加，演奏出的和弦也就有力而扎实。
扩展到整个乐段的和弦，更需要有气息的力量加入，身体状态才会积极起来，从而达到演奏效果。例如李斯特《匈牙利狂想曲第十一首》的尾声部分，音乐雄壮有力，情绪高涨积极，节奏欢快迅速，呼吸在这段音乐演奏的运用要积极，但不能提气，还是要气息扎稳，才会有力量的支持。
还有一点应该注意，在演奏中要尊重作曲家的创作意图，理解乐曲的上的所有标记，注意正确运用呼吸来表现强弱层次的变化、表情术语的渲染等，从而得到丰富的声音色彩，增强乐曲的艺术感染力。
另外，起拍时的呼吸，就相当于指挥中的“预示拍”，包含了乐曲的速度、情绪、力度等。在演奏起拍时的呼吸节奏要与所演奏的作品速度、情绪、力度保持一致，如果乐曲是以抒情慢板开始的，触键前的呼吸则要深而缓慢;如果是一个急促的快板，在下键前的一刹那要急吸一口气。起拍的呼吸，要根据全曲的风格而定。掌握科学的呼吸理论，并运用到自己的演奏中，有助于表达出音乐的真谛。
孩子启蒙阶段学钢琴，可以尝试在线学钢琴。在iPad里试试【音乐蜂巢】这个软件，在家就能上课，陪练永久免费，我家孩子跟着学了两年，效果还挺好的，而且还赠送钢琴使用权。
`
B. 弹钢琴是怎样做到呼吸
[钢琴学习]弹奏钢琴时身体的协调2006年12月20日 星期三 上午 02:32这是贯穿钢琴教学始终的重要问题。 身体的的协调牵涉到钢琴弹奏的基本坐姿和体位等方面，是从第一课开始就要明确的一些问题，随着程序的深化，又要不断发展和更好地运用。
保证身体协调的根本是正确合理的坐姿。从开始学琴起，就要让学生明确，坐的前后和高低都要根据自己的身体条件进行调节。坐得太近了使手缺少了活动余地，影响了手臂的舒展；坐得太远了，影响对键盘的控制，不利于力量的集中；从太高或太低了同样影响力量的合理自如运用。应以下臂与键盘基本持平为准。
身体要处在较积极的、利于运动的状态，所以首先要稍挺直一些，不要弯腰驼背，不要耸肩缩脖，保持上身的自然协调。随着级别的上升，程度的提高，对力度、速度、音乐情绪和色彩的变化提出了越来越多的要求，所以身体的参与和调节也越来越重要。我们可以看到一些好的演奏，身体都是非常协调地随时调节着的，而不是僵硬而紧张的。
我们可以这样来形容，一开始学琴时，要求学生坐正，像一棵向上的树；而当进一步要求后，就逐渐要求学生的身体像一棵在风中摇摆的树，能随风而前后左右。如果说坐琴凳以上的部位，为露出地面的树干，那么，树根--双腿和脚还要作出必要的支撑，在必要的高潮时甚至用从脚尖--腿--躯体--手臂--指尖进入键盘的全身协调力量，来产生最宏亮、丰满的声音。所以臀部要稳定而固定地坐在琴凳中部，为了便于灵活用力，不要坐满，坐一半即可。而且为了照顾到高低音，要坐在钢琴中部，不要随意挪动，而两条腿放在踏板两旁，在强奏时左腿可后撤作为全身力量支点。这是坐姿的基本要求。
至于身体的左右调节，主要依据音的高低。以音阶为例，弱低音区时，身体重心放到左腿方面去；弹中音区时，身体重心两面摆平；弹到高音时，身体重心侧往右腿方面，我们如果双手弹四个八度同向音阶时，身体就有一个自左至右，又自右至左的重心转移过程。再说上身的前后位置。上身的前后可以根据音量的大小、力量的强弱来确定。一般规律是，较弱的力度时，身体可处在较正的位置，力度越强，身体可越向前倾一些。整个身体臆后活动的范围以坐直为基准，随音量加大而逐渐前倾。
反之，随着音量减小从前倾的位置逐渐回到身体的坐直位置。需说明一点是一般不用后倾身体的位置。但在高级程度时，在一些很宁静的弱奏段落，随演奏的需要亦可有适当的后倾，但在基础学习阶段则不提倡重心向后，因为学生首先要做到把力量下去。上述的前后调节，完全应是灵活、协调，并随时变化的，而且用力应是有弹性的，有向前的力量，必有相应的反作用力，所以再强的用力也不能是一成不变的固定前倾，有向前的动作必有回来的动作，这点一定要记住。
有了随键盘高低而变化的身体左右动；又有了随力度大小而变化的身体前后动，这些动作在乐曲中是千变万化的，由此，我们的灵活身体调节就能使身体形成像一棵风中摇摆的树，安静的乐曲，身体的动作也会安静，而变化幅度大的乐曲，身体也会有相应幅度较大的动作，这是合理的，也是一致的。
在考级和教学中，会发现有的学生弹琴身体后倾，使不上劲，造成声音力薄；有的学生弹琴时身体较板，不善调节，弹出来的音乐平淡而缺乏变化，常是显得无动于衷，这跟内心音乐感和由引产生的必要身体调节都有关系；也有的学生弹琴时，人在琴凳上挪来挪去，不会坐稳在中间，身体再左右摇动；在程度和级别高一些的学生中，由于身体不会协调用力，而弹不出较强和丰厚的声音，乐曲做不出高潮，缺乏应有的强弱变化......这些毛病，无不和身体的是否协调有关。
C. 钢琴演奏家演奏结束后掌声经久不息，钢琴家三次返场鞠躬
观众的掌声表示感谢与欣赏，演奏者鞠躬表示还礼。若观众掌声经久不息，有加演或即兴演内奏邀请之容意，但一般有预先安排的节目单，所以演奏家不得不多次出场以鞠躬礼节表示感谢与歉意。大家知道，演奏家出场是与主办方有合约的，有出场费的，当然预先也为演出而排练过的。若临时加演等，需要代理人协调主办方改变合约等内容，比较麻烦，它不同于一般的公益演出。
所以，多次返场鞠躬这个算是社交礼仪，一种文化传统而已，似无更特别的涵义。
D. 《钢琴师》里的最后一段演奏是谁弹的
罗曼·波兰斯基的《钢琴家》根据波兰籍作曲家/钢琴家Wladyslaw Szpilman自传体小说改编，但版波兰斯基在电影中倾权注了自己最真切的感情——7岁时曾经有过逃出克拉科夫犹太区的类似经历。
电影的音乐主题则由肖邦的钢琴曲贯穿始终——作为一个钢琴家，肖邦的作品是Szpilman演奏曲目的核心部分。而波兰当代钢琴家Janusz Olejniczak的演奏也深得肖邦的精髓，唯一一首非钢琴曲曲目则是由与Roman Polanski经常合作的作曲家Wojciech Kilar为Szpilman一家迁入犹太区一幕所作的‘Moving to the Ghetto, Oct. 31, 1940’，一种小心翼翼式的悲哀与沉痛；
他在电台弹的是肖邦的《升C小调夜曲》，弹给德国军官听的是《G小调叙事曲OP.23》
演奏者为波兰钢琴家JanuszOlejniczak
E. 请问电影《钢琴家》中结尾时那位钢琴家弹奏的那首曲子叫什么
肖邦的《光辉的大波兰舞曲》。本来是钢琴曲，后来出现了交响乐团演奏的版本。
F. 钢琴怎么分辨呼吸
“呼吸”在钢琴演奏中的重要作用
（一）正确合理的呼吸有助于消除演奏中的紧张情绪
在钢琴演奏中，身体各部保持松弛，避免紧张，是获得良好演奏效果的重要条件之一。钢琴演奏中的“心理紧张”，探其究竟是由于呼吸不当造成的，我们弹奏钢琴时，是通过肌肉活动来完成的，而肌肉活动又需要氧气，呼吸不正确时就会紧张、缺氧，造成肌肉发酸、手臂僵硬。缓慢、绵延的呼吸对于紧张情绪的缓解和肌肉的放松有着积极的作用，让我们在演奏中把气息放下来，气沉丹田，全神贯注的专注于音乐的发展而不是局限于紧张的心理情绪中，使音乐松弛、流动，充满意蕴和生命力。钢琴家享利·涅高兹在《论钢琴表演艺术》中说:“钢琴弹奏最困难的就是弹得很长久，很响亮，而又很快”。要做到久、响、快，放松是关键。如果演奏者在演奏中不能正确的呼吸，就会影响到放松，演奏也就不能顺畅地进行下去。因此，要做到放松，正确合理的呼吸是非常重要的。
（二）正确合理的呼吸有助于演奏中的音乐表现
呼吸运用的正确与否，对于演奏中的技艺表现、音乐情感表现、优美音色表现等都起着决定性的作用，它在准确表达音乐的风格方面也起着不可忽视的重要作用。我们常常只是强调用触键方式、情感处理和踏板运用来刻画作品的风格，而往往忽视了“呼吸”的作用。钢琴演奏中的呼吸，应根据乐曲的不同情绪、风格、句式而进行调整，以充分表达音乐的气息为目的。如弹奏巴赫作品，要十分注重结构层次的均衡性、旋律线条的歌唱性和音乐表现的即兴性及装饰性处理。在演奏时强调以轻微简捷的手指弹奏和轻盈的手部动作为主，这就要求在气息上要做到有控制、有层次的呼吸，特别是多声部、多层次的气息、呼吸和分句。实际上掌握了巴赫作品多层次气息的处理，就等于掌握了一把开启巴赫音乐的钥匙。又如演奏浪漫主义钢琴诗人肖邦的作品，肖邦的音乐十分精致讲究，他的音乐要求触键优美匀称、深而有共鸣，音色变化细腻，踏板运用巧妙、富有丰富的色彩明暗对比。
在气息运用上，也应该用有节制的呼吸，来表现他清纯、高贵甚至是含蓄的热情。但同时肖邦的音乐又极富歌唱性，在弹奏长气息的乐句时，其自然呼吸仍应以“悠句细缓深长”为基础。在钢琴演奏中，针对不同的音乐作品作出不同的呼吸处理，是让音乐表现更加准确的重要手段。
（三）正确合理的呼吸有助于更好的塑造音乐形象
钢琴演奏是要通过演奏者运用各种技巧手段，把作曲家作品中所包含的深刻的内心活动、思想感情、特定的音乐形象和作曲家的心情等等，正确地、有创造性地表达出来。演奏者也是“二度创作者”。人体的呼吸与音乐的表现内涵、旋律句逗、触键力度的大小、触键力度的深浅等要素相互贯穿，在演奏作品时，要根据内容需要，选择合适的弹奏方法和呼吸方法，这样才能更好地塑造作品的音乐形象，如要塑造华丽、伟大、强而有力等音乐形象时，呼吸应稳健沉着，腰部要有强有力的支持，身心激发出一种由外到内的张力，利用这样的气息状态去凝聚指尖与键面的接触点和爆发点。拥有这种的呼吸，辉煌的乐音才能在豪放如风的力度中真正体现出来；反之，塑造一个抒情柔和的音乐形象，在演奏时则应让呼吸深而缓慢地随律动平稳进行，在一种平心静气的气息中，悠然刻画出婉约如水的音响色彩。使人完全沉醉在音乐的意境之中。
望采纳
G. 歌唱中最常用的呼吸方法是( )
1自然的呼吸初生婴儿的哭声往往非常响亮，这是婴儿自然的本能的哭声，而这恰恰是最正确的呼吸与发声。如何在歌唱中应用这种自然的呼吸呢？联想——自己仿佛融化在空气中，放松自然地呼吸，两肋打开。2区别在于呼气学习歌唱的呼吸，最关键的一点就是要记住呼气的不同。歌者在呼气时要联想吸气的感觉，也就是仍要保持两肋打开，呼气肌肉群的胸部肌、背部肌、腹肌，要模仿吸气时，向外打开的感觉。吸气肌肉群要配合呼气肌肉群，相互支撑。3吸不到肚子里的气腹部肌是呼气肌，放松肚子，放松腹部肌肉，保持腹部肌肉的弹性，气息才能吸得深。要强调吸气肌肉群与呼气肌肉群的整体配合。4重要的横膈膜横膈膜是肌肉群，属吸气肌肉群，横着隔在胸腔和腹腔之间。歌唱发声时，横膈膜与腹部肌同时发力形成对抗的力量，此时要强调吸气肌肉群与呼气肌肉群的整体配合。5歌唱时的隐形翅膀联想——边唱边感觉一下，后背有一双张开的隐形的翅膀。呼吸的注意力集中到后背，有利于解放前面的声音，有利于气息的支撑。6扎一根皮腰带，可不要勒得太紧对于呼吸肌还没有支撑力的初学者来说，如果扎一根皮带，便于歌者在歌唱中体会气息的利用，注意不能勒得太紧，否则会影响吸气。7一个不能少要想唱得漂亮，全部的呼吸器官和呼吸肌都要调动起来，一个都不能少。有的歌唱家认为，肌肉是有记忆力的。通过训练呼吸肌就会产生正确的记忆。
H. 钢琴弹奏中，小节的呼吸和连音的呼吸，怎样表现
都是把手轻轻抬起来 再落下 弹
跟人呼吸是一样的
要是看见那种符号 抬手就可以