❶ 有谁知道关于音乐中频谱方面的知识阿
Gerard Grisey1946年生於东法接近瑞士的Belfort，是法国二十世纪重要音乐家Olivier Messiean的学生，年轻时曾在当代音乐圣地德国Darmstadt暑期课程中随Stockhausen、Ligeti与Xenakis等二十世纪重要作曲家研习，后待过罗马、巴黎(IRCAM)、柏林等地，1982-86年任教於美国加州Berkeley大学，1986年回到巴黎音乐院，1998年死於巴黎。
与Gerard Grisey名字几乎总是相伴随的是他创立的作曲技法「Musique spectrale (Spectral music，频谱音乐)」，顾名思义，这是一个藉助仪器分析，以乐音的基音与泛音为思考出发点的作曲手法。之所有会有这个异於以往的概念，其主因据说是因为Gerard Grisey能够在不藉助仪器的情况下，听到一个声音直到它第11个泛音，这使得他在为传统乐器谱曲时，整个构筑声音世界的出发点与架构完全不同，声音本质上的特性与彼此间的关联是他作曲时所考量的重点，而不局限於乐谱上可见的音符。过去被认为是音乐重要要素如旋律、节奏等，在这新作曲法下都被认为是思考音与音本质之后自然的产物。就音色的要求上，频谱音乐的想法被认为可以回溯至过去德布西、Olivier Messiaen的法国传统，据说这也是当年Karlheinz Stockhausen之所以前往巴黎求学的重要原因之一，但频谱乐派在理念上却又更加纯粹。
如果大家对物理课本对声音的描述还有一些印象，就应该有听过频率、响度与音品是为声音三要素。其中音品可以说是声音的质感或是色彩，若借助仪器分析将之於频域展开，就会发现这其实就是因为每个人／每样乐器虽然所发出声音的基音频率相同，但若往更高的频率看去，就会发现每个人说话／乐器发出声音时各次泛音的强度会有所不同，这就是我们能够轻易认出他人声音、分辨出乐团中各种乐器的理由。Gerard Grisey在作曲时所做的就是把每个乐器发出的声音，先还原到其最基本的物理性质（基音与泛音）来思考，再经由乐器组合的精细安排下，缓缓调整声音中人耳常常难以察觉的泛音比重，让整个声响的色彩转变，同时也模糊掉各个声音本来的质感、声响和谐与不和谐的界线，所以他的曲子往往就是声音慢慢流转变化的世界，便是他所谓「声音的诞生、伸展与死亡」的过程。
1973年五位法国年轻作曲家Gerard Grisey、Tristan Murail(*1947)、Roger Tessier(*1939)、Michael Levinas(*1949)与Hugues Dufourt(*1943)共同发表宣言「l'tineraire」（道路、旅程之意），声明要透过作曲家、演奏者与音响工程师协力创造出新的声音世界，当时成立乐团名称就叫做Ensemble l'tineraire。宣言中反对声音中非本质的任何结构，并认为声音并非静态而是具有生命随时变化的个体，作为他们作曲的中心理念。这全新的理念可以说与法国当时活跃的作曲家如Pierre Boulez、Iannis Xenakis完全不同，若以后见之明来寻找历史中最接近这理念的作曲家，义大利作曲家Giacinto Scelsi(1905-1988)可能是唯一孤独的灵魂。
在1979元月一次关於频谱音乐的课程中Gerard Grisey说到，「首先，我们必须严肃看待声音，如果我们不能够学习到好好驾驭它的话，那我们将反而会被声音玩弄。」所以许多人认为，就这方面来说，spectral music事实上是延续当时序列音乐对声音完全掌握的想法，并且继续向前探究，但却又与前一辈作曲家於20世纪中期所掀起的此项潮流有本质上的不同。对此当年与Grisey一起努力扩展新局的法国作曲家Hugues Dufourt说，「序列音乐是试图将各区域、多核心的音乐要素整合在一起，频谱音乐则是以乐曲的整体性与连续性为立足点。前者隐蔽音乐的内在逻辑，乐曲的进行是依靠潜在完整性；后者则将音乐结构秩序充分外露，毫不遮掩其完整性。……前者由凝聚来达成音乐的张力，后者则靠变化。前者由和弦部分解决减低音乐的冲突，后者则靠调节(regulation)。」后来他更说到，「频谱音乐是将序列音乐所开创的道路更进一步，让音乐更迈向纯粹与透明。」另外一位频谱乐派的灵魂人物Tristan Murail曾经这样描述他的作曲方式，「我作曲就如同雕刻家观察石头的内在纹理一样，先尝试将声音素材露出原来的材质，去除掉外在所有的型式，而不是如同过去传统一砖一瓦构筑我的音乐。」可见乐曲中对声音「型式」与「本质」的考量先后顺序，是序列音乐与频谱音乐最大的不同。
这样的作曲理念，因为牵涉到许多极细微的声音控制与大量微分音程的使用，直觉的想像是用电子仪器来达成最为容易。而的确大部分频谱音乐作曲家的作品中，电子部分都占有相当比重，惟独Gerard Grisey不然，我想这是因为让Gerard Grisey真正著迷的是传统乐器本来的声响，所以他一生大部分精力都花在研究传统乐器的声音特质上，他重要的作品如Vortex Temporum《时间的漩涡》、Les Espaces Acoustique (The acoustic spaces，《声响空间》)，与最后一首作品Quartre chants pour franchir le seuil (Four songs to cross the threshold，《穿越临界的四首歌》)全都是写给纯粹传统乐器甚至人声的作品。想像中，用既有的乐器达成前述的理念，所需要花费的心思，与谱上对演出者的指示，其精力都会数倍於直接用电子仪器合成，我想这就是为何当年他们必须成立专属乐团，需要与演出者有紧密沟通的重要原因。除去演奏过程繁杂的排练与沟通，单以结果而言，这反而是Gerard Grisey音乐吸引人的关键因素。幸亏Ensemble l'tineraire和频谱乐派第二代作曲家Philippe Hurel(*1955)与指挥Pierre-Andre Valade在1991年合作成立另一个专门演奏频谱乐派的团体Ensemble Court-Circuit都是技艺极为高超的乐团。综合现场与录音的印象，他们都对声音具有极度敏锐的反应，要充分掌握曲子细微的脉络，团员自然要有极佳的耳力才行。可想而知，现存频谱乐派的录音中，大半都由他们两团完成。
当作曲家设身处地由音符的角度思考时，声音的世界自然大不相同，在Gerard Grisey重要作品中，Les Espaces Acoustique是规模最大的曲子，一共分为六段(Prologue, Periodes, Partiels, Molations, Transitoires, Epilogue)，写作时间共花了11年。整曲共约90分钟的音乐，其实都根源自长号的E音(41.2Hz)与其泛音。Gerard Grisey说这首曲子是频谱音乐的实验室，他在里面实验他后来称为synthese instrumentale(instrumental synthesis，乐器合成)的技法，从E音开始一连串有关於声音的生死历险。也是在这套曲子中，Grisey慢慢能将电子音乐实验室中摸索出的技法，真正落实到传统乐器的记谱上，而确立其独特的风格。
全曲由中提琴独奏、富含旋律的Prologue开始，这首曲子从单一个音开展，旋律像一个不断旋转出去的陀螺，不断试探和谐过渡至不和谐的声响。此段最后，中提琴最后一个音被在一旁七人的室内乐团所承续，乐曲便进入第二段Periodes (periods)，这也是全曲最早完成的一段。这里依照作曲家的说法，三种片段（紧绷、松弛与静止）分别对应於人类的呼吸—吸气、吐气与静止，是自然界长短不一的无尽循环。音乐进入第三段Partiels(partial)，乐曲编制扩大为18人，这标题正暗示著他所谓instrumental synthesis的想法，每个乐器都是整个新声响合声中的一个元素，经由控制各乐器的表情强弱与音高的游移，便可以视为调节一个声音和谐／不和谐与改变音色的手段，也是乐曲向前进行的力量来源。在新声音的质感与乐器固有的质感相互干涉时而模糊时而清晰之下，聆听这类音乐时，人们心中很容易就出现美丽的幻象，但我个人觉得这技法要到另一个作品Vortex temporum才真正到达圆融的境界。第四首Molations用到的是33人小编制的乐团，接下来的Transitoires(transitory)则用到全编制88人的乐团，Grisey慢慢在谱中加入新的泛音，直到Transitoires已经用到了E音的第55个泛音，这样的音响著实太过复杂，没有异於常人的耳朵大概是写不出这样的音乐。最后Epilogue回头收束声音的世界，将乐曲中的泛音在一个一个拿掉，最后整首乐曲在绝对的寂静中结束。
（为了在现场得到尽可能的寂静，演出者必须玩一些小把戏，科隆演出时最后灯光聚於乐团手上拿著钹的打击乐手，作势要大声击响，观众屏息，音乐顺利结束。）
在这场大实验过后，才有最成熟的两套作品Vortex temporum与Quartre chants pour franchir le seuil的出现。Grisey作品一向都与传统有非常紧密的关联：Vortex temporum除了主要素材是环绕於对称的减七和弦四个音之外，它其实直接用到拉威尔芭蕾舞剧音乐Daphnis et Chloe中漩涡般的音型。不断旋转的琶音与变形配上Grisey各种成熟的手法，让这一首写给长笛、单簧管、钢琴与小中大提琴六个人的作品丰富而缤纷，让人叹为观止。后者则是Grisey最后的作品，写给15个独奏者与女高音，四首歌曲的标题分别是「天使的死亡」、「文明的死亡」、「声音的死亡」与「人性的死亡」，歌词则来自法国诗人Christian Guez Ricord、古埃及、希腊女诗人Erinna from Telos与巴比伦Gilgamesh史诗中一段洪水前的预言。这样的四首歌，与接下来Grisey的猝逝，总是让人不得不联想到理查．史特劳斯的同名作品，或是莫札特的安魂曲。这套长达40多分钟的曲子里共用到两把Tuba与一把低音大提琴，配上偏於低音的打击乐编制，德国音乐评论作家Peter Niklas Wilson在此曲唯一录音的内页解说上，特别提到Grisey晚年浓重的色彩与对低音乐器的偏好，他说这让他不得不想起同样对管弦乐配器非常独到的两位作曲家白辽士与马勒。另一方面聆听Grisey的音乐也时常令人想起新维也纳乐派作曲家贝尔格，他们都使用著全新的音乐语汇，曲中却总显露出对传统的强大指涉。Vortex temporum与Quartre chants pour franchir le seuil两首曲子性格都极强烈、却也极美艳，对於这样的作品，就像听贝尔格歌剧Wozzeck一样，可以不必理会谱中藏有的各种玄机，单纯就音乐赞叹。
频谱音乐的宣言强调以声音最初的物理性质来作为谱曲的出发点，听来虽然单纯，但实际写作起来每个人的运用方式各有不同，声音世界自然大异其趣。与Grisey同为频谱乐派最重要代表人物的作曲家Tristan Murail生於法国Havre，在他大量的作品中电子仪器与声音的讯号处理就占有相当重要的地位，进而在1980年代之后在法国重要当代音乐研究机构IRCAM使用电脑辅助作曲，其中主要是利用电脑帮助计算各泛音的组合，作为作曲家谱曲的参考。此外他也不断尝试利用譬如调变(molation)、回馈(feedback)等各种讯号处理技术，来制造出更大胆、更为多样的音响世界。Murail的音乐直接明亮，与Grisey偏向阴暗暧昧恰恰相反，若非仔细聆听，很难想像他们今天同为频谱音乐的开拓者。Tristan Murail现於纽约哥伦比亚大学任教。
Michael Levinas生於巴黎，身兼作曲指挥与钢琴家，在巴黎音乐院师事Vlado Perlemuter、Yvonne Lefebure与Yvonne Loriod，除了曾经长期担任Ensemble l'tineraire的指挥外，也曾经在Accord录过贝多芬与舒伯特钢琴奏鸣曲集。他的音乐经常借助电子仪器混杂真实与现场乐器声响，而且他认为音乐是离不开戏剧因素的。他较重要的作品有Prefixe、Arsis et Thesis、Voutes、La Cloche felee与歌剧La Conference des oiseaux(the parlemetn of birds)等。
Hugues Dufourt生於Lyon，是当初五位中唯一非梅湘的学生，在他丰富的创作中，经历过许多次风格的转变。在七○年代他曾写过比较纯粹符合频谱音乐理念的作品如Saturne(1979)等，但往后风格的发展，除了对音色的敏锐要求依旧，也纳入序列音乐的架构思考，这与Grisey、Murail对频谱音乐理念与技法的纯粹实践，可以说是完全不同的方向。Murail的学生英国作曲家Jullian Anderson(*1967)描述在他的音乐中「可以呼吸到西贝流士与Varese的清新空气。」但他作品最引人注目一点应该是与绘画的紧密关联，这从他大量与绘画相关的作品名称可以轻易看出，除了他较早期的La Tempesta d'apres Giorgione(the tempest after Giogione)之外，去年首次完整演出的Lucifer d'apres Pollock(Lucifer after Pollock)与整套作品Hivers(冬季1992-2001)四段曲子都是从画家身上得到灵感：Le Philosophe selon Rembrandt(the philosopher after Rembrandt)、Le Deluge d'apres Poussin(the flood after Poussin)、Les Chasseurs dans la neige d'apres Bruegel(the hunters in the snow after Bruegel)、La Gondole sur la lagune d'apres Guardi(the gondola above the lagoon after Guardi)。当作曲家被问到绘画对他作品的意义时，他说「这些绘画对我的音乐并不只是一种刺激、一个指涉或一个动听的理由，影像是潜意识的流泄，於是这些画对我而言构成一个「独特心灵的博物馆」……我尝试将画框的平面扩展到时间与音色上，是画作潜在的力量吸引我谱成音乐。」是当代法国最活跃的作曲家之一。
Philippe Hurel(*1955)生於法国Domfront，巴黎音乐院受教於Ivo Malec，在音乐院时对对位技巧与节奏深为著迷，后来受Murail影响转而使用频谱技法与电脑辅助作曲，於是在他的曲中便兼而有两种基本上是相互矛盾的因子同时存在，并於近十多年来慢慢走出个人独特的风格，不像Grisey细心控制音响游走在和谐与不和谐之间，而是一种巧妙结合两种要素，将主题不断变奏、反覆、肢解、重现，形成类似变奏曲风格，非常活泼具有魅力与表现力的音乐语言，为有别於传统变奏曲中的主题(theme)，作曲家称此素材为Situation musicale(musical situation)。
他利用擅长的对位手法，於频谱音乐技法中扩展纵向与横向声音的联系可能，利用素材的变化与发展，让听者反覆聆听时每次听到的内容与感受都会大不相同。曾将Hurel作品Six miniatures en trompe-l'oeil(六首幻影小品，1991/93)搬上巴黎Theatre de la ville de Paris上演的编舞家Francois Raffinot回忆他与合作的经验说到，「他是个多面貌、不可预测，总像黄昏一样颜色模糊、连结黑与白世界力量的朋友」。也有人将这种把类似变奏，回忆与现实并呈的曲风，并将听者不断拉进聆听这项行为的作曲手法，比拟为文学电影中的倒叙，而事实上他有一首曲子名称便正是Flash-Back(1998)，里面除了situation musicale的「变奏」外，在多层的音乐结构中，同时还拼贴许多他旧作的片段。Tombeau in memoriam Gerard Grisey(1999)则是以Grisey作品Vortex Temporum第一乐章末尾非平均率钢琴数分钟独奏段落所展现千面万化的色彩为出发点而谱成，作曲家说这是他作品中少数非客观性的作品，也是对Gerard Grisey展现最敬意的尝试。在第二代频谱音乐作曲家中Philippe Hurel是最吸引我的。
其余如Philippe Leroux(*1959)、Francios Paris(*1961)、Marc-Andre Dalbavie(*1961)、Philippe Durville(*1957)，都是年轻一代深受频谱音乐理念影响的法国作曲家。在近二十多年来，频谱音乐已经成为法国音乐重要的一环。Gerard Grisey、Tristan Murail等人音乐也在近年开始大量出现在法国之外的当代音乐节中，而不再只局限於法语区内。只是Gerard Grisey猝逝，无缘亲身见到此景，为音乐界又多增添一则遗憾。
Gerard Grisey作品录音
Vortex Temporum, Talea/ Accord 462 292-2
Les Espaces Acoustique/ Accord 465 386-2
Talea-Prologue, Jour contre Jour, Anoubis-Nout/ Accord 201952
Accord现在已经并入Universal集团，所以几乎所有CD都换了新包装与新编号，但却并没有同时让他们的CD比较容易被买到，有兴趣的人还是得到法国或法国CD邮购网站想办法。
Quartre chants pour franchir le seuil/ Kairos 0012252KAI
Boulez concts Schoenberg, Berio, Carter, Kurtag etc. including Grisey: Molations, Hugues Dufourt: Antiphysis/ Erato 4509-98496-2 (5CDs)
其他作曲家录音
Tristan Murail
Allories, Vues aesiennes, Territoires de l'oubli/ Accord 465 899-2
Memoire/Erosion, Ethers etc./ Accord 465 900-2
Couleur de mer, L'Attente etc./ Accord 465 901-2
Michael Levinas
Voutes/ Aeon AECD 0103
La Conference des oiseaux/ Accord 465 605-2
Hugues Dufourt
Saturne, Surgir/ Accord 465 714-2
La maison Sourd, Lucifer d'apres Pollock/ Accord 461 947-2
Philippe Hurel
Six miniatures en trompe-loeil etc./ Accord 465 310-2
Flash-Back, Tombeau in memoriam Gerard Grisey etc./ Aeon AECD 0105
Marc-Andre Dalbavie
Seuils, Diademes/ Accord 465 313-2
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你以后不要去打扰女生了人家都结婚，你要做明智的人吧，远离人家，你也去寻找属于自己的爱情吧，祝你工作顺利多挣钱幸福
❸ 全民偶像will young，葛瑞盖斯，darius，的详细介绍
1 WILL YOUNG介绍
Will Young,他是英国一个名为Pop Idol（流行偶像）的节目获胜者，从此红透全英国！因为他不但有英俊的外表，更有迷人的声线和扎实的唱功！他开始唱歌之后陆续推出三张单曲唱片，全部都是一上榜就登上单曲榜冠军位置，而且全部都蝉联数周冠军！第一张是"Anything Is Possible/Evergreen",也是三张中最最动听的一张，这两首单曲都好听到无法形容！第二张是"Light My Fire",充满复古曲风，也很迷人！
Will Young在埃克塞特大学攻读政治学学位时就初尝表演的滋味。他最初的听众只是停车场里的几辆空车，他喜欢在那儿放声唱自己最喜欢的歌，这是他的朋友和父母以前都没有发现的一面。虽然韦尔在学校的表演中也上过舞台，可他从来没有那样用声音来表达自己。“我总是没有机会对着听众唱自己真正喜欢的歌，因此我就自己一个人在停车场唱。在舞台上我的歌声总是受压抑，我第一次有机会公开表现自己的能力，是在“流行偶像” 节目中唱《点燃我》。
在学校的时候，Will Young参加了一次男生乐队选拔赛，并在乐队中赢得了一个位置。然而， 乐队并没有什么发展，他于是把精力放回到了学习上。毕业后，他来到伦敦的艺术教育学校学习音乐剧，并报名参加“流行偶像”节目。韦尔参加了整整七个月的电视表演。在“流行偶像”中，一群年轻的男女歌手都在互相竞争，以赢得听众，每一次演出都有1300万观众投票， 决定谁留下，谁被淘汰，最后，在Will Young和冠军称号之间只有两位表演者。这些表演者都经历了无数场现场演出、试演和媒体的广泛关注， 最后，观众评选出来的最喜爱的歌手是Will Young和Gareth Gates（小葛瑞盖瓷）。2002年2月，Will Young把全国流行偶像歌手的殊荣捧回了家。
他的首张单曲《一切都有可能/常青树》两周后推出，第一个星期就卖出了110万张，这打破了两项世界记录，使这张单曲成为首张单曲推出的第一天和第一周内最畅销的单曲。Will Young接着又推出了两张单曲，一张是和观众评出的第二受欢迎的Gareth Gates一起推出的。这些单曲之后，杨推出了自己的首张专辑《从今往后》，这张专辑为Will Young赢得了许多媒体和音乐界的奖项。
在媒体发现Will Young之前，他是位很普通的学生。他穿着破的工作服，经常担心透支，为保持收支平衡，他还在伦敦的一家酒吧打工。“我知道自己想唱歌，但我觉获得学位可能有助于发展我的学识和眼光，也就意味着我还有选择的余地。” 他解释说，“在大学的时候，我发现了自己对表演的热爱，我在多次演出中露面，我也做过一点模特的工作，可是我不太擅长这个，觉得有点不自在因为不太懂得如何来展现卑鄙和忧悒，”他笑了起来。
是“流行偶像”将Will Young最好的一面展示出来，而且他的歌唱得一周比周好。观众发现他不仅仅有充满热情的声音，还有着敏捷的思维、动人的微笑和率真的魅力，而他的朋友们说些素质使得韦尔在大学时“受欢迎得让人生气”。家人对他的表现感到吃惊，“这真的是个意外，Will Young甚至都没有告诉我们他报名参加了‘流行偶像’”，他的孪生哥哥鲁伯特说。Will Young的父母直到演出的最后几周才见到他“爸爸担心我会辜负他的期望，” Will Young解释说。但他没有必要担心。Will Young已经24岁了，很快就要推出第二张专辑，并准备进行欧洲巡回演出。可Will Young并不觉得自己已经出名。“当我完成第二张单曲，推出一张好的专辑，获得好的评价之后，然后我才可能会很有成就感地坐下来休整。” 他解释说。但对这个原来政治学专业的学生来说，2004年在赢得乐迷方面似又将是不同寻常的一年。
2。葛瑞盖斯Gareth Gates和Will Young一样，都是英国Pop Idol(流行偶像)节目的获胜者，不过他是以微弱的劣势获得亚军！而事实上这个小男生在各方面的实力都不输Will Young，在歌坛上的成绩也是和Will不相上下，他推出的每支单曲也都无一例外都是一上榜就登上冠军位置，并且蝉联数周冠军！首先是翻唱Righteous Brothers的经典作品"Unchained Melody"，让他初尝单曲榜冠军滋味，随后的第二支单曲"Anyone Of Us"也是顺利拿下冠军宝座，这首歌曲实在是非常动听，相信很多朋友也都很喜欢！如果你还没听过，那一定要留意这首歌！再就是前阵子他和Will合唱"The Long And Winding Road",令他俩同时拥有自己的第三支冠军单曲！这样的成绩，让那些出道早很多的歌手和团体都自叹不如，可见偶像的魅力有多大！
歌手姓名：Gareth Gates
◆◆唱片名称：What My Heart Wants To Say
◆◆专辑语言：英语
◆◆发行日期：2002年11月
◆◆发行公司：SONY唱片
1.奔放的旋律 Unchained melody
http://music.jnnc.com/mp3/foreign/GarethGates/myheart/1.mp3
2.我们都错了 Anyone of us
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3.多愁善感 Sentimental
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4.猜疑的心 Suspicious minds
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5.霓虹城市 Downtown
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6.我心声处 What my heart wants to say
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7.美好的事 Good thing
[url]http://music.jnnc.com/mp3/foreign/GarethGates/myheart/7.mp3 [/url]
8.太认真 太心急 Too serious too soon
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9.迷蒙的爱 It aint obvious
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10.时时刻刻 With you all the time
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11.无法自拔 Self control
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12.再说一次 Tell me one mor time
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13.重生 Alive
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14.唯一的爱 One and ever love
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15.轻轻走过 Walk on by
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16.那个时候 Thats when you know
http://music.jnnc.com/mp3/foreign/GarethGates/myheart/16.mp3
乍一听葛瑞盖斯的声音，总觉得他好像还没有完全变好声，那一份青涩和稚气正是这个19岁男孩特别吸引人注意的地方。这个男孩曾经患有严重的口吃，说出自己的名字要用3分钟时间，但是他却创造了英国唱片业的奇迹，成为吉尼斯世界纪录史上英国金榜最年轻的冠军单曲歌手，并成为百事可乐英国地区广告代言人，还曾经为英国女王献唱。在亚洲，他被歌迷亲切地称呼为“小葛”，他所引发的热潮被称为“小葛旋风”。这张唱片是他的第2张大碟，不过却先于首张唱片被引进。专辑中收录了富于活力的《Sunshine》、深情小品《Say It Isn’t So》、翻唱自美国迷幻派民谣男歌手Norman Greenbaum的《Spirit In The Sky》等。小葛的演唱和迈克尔-杰克逊颇有几分神似，但更具阳光气息。
3。相信许多人都了解他们曾经是英国选秀节目《Pop Idol》的冠亚军获得者，但问到那届节目的第三名是谁不知道有多少人知道？没错，第三名就是现在被誉为苏格兰创作才子的------ Darius。混合了英国独有绅士气质和阳光男孩魅力的Darius，不但拥有浑厚磁性的天赋歌喉，演唱技巧也惊人的纯熟，真假音转换自如，深情的歌声中散发着成熟性感的魅力，很容易让人想起前偶像男孩组合Boyzone的主唱Ronan Keating，而洒脱不羁的气质又让人联想到英国乐坛巨星——“坏男孩”Robbie Williams。而Mercury选择和Darius签约，除了他天赋优异的演唱才能外，还因为他是《Pop Idol》三人当中最有创作才华的一个，能够自己创作歌曲。唱片公司给予了Darius足够的空间让他放开手脚大干，于是他几乎参与了《Dive In》专辑中全部歌曲的创作和制作。下面三首歌都选自专籍《Dive In》，除了大家耳熟能详的情歌经典Colourblind外，Girl In The Moon与Rushes都是不可不听之作
歌曲
ColourblindJ
Girl In The Moon
Rushes
❹ 20世纪钢琴最后的浪漫主义者是谁
霍洛维兹 Vladimir Horowitz 1904~1989
世界最伟大的钢琴家之一， 俄国钢琴家
生平概略
霍洛维滋1904年10月1日出生於俄国基辅，父亲是工程师，母亲是钢琴家，曾在基辅的贵族音乐学校里受过钢琴训练，家境富裕。四岁便由妈妈启蒙开始学钢琴。平时除了一般课业外，他常与同学一起玩各式各样的音乐，联弹、室内乐、歌剧、交响乐，接触各式音乐。霍洛维兹在11岁时，曾透过叔父的安排跟俄国钢琴家史克里亚宾会面。在听过霍洛维兹的演奏后，史克里亚宾对他母亲说：「这个小孩将来会是个钢琴家。不过，一定要给他完整的教育，不要只懂音乐，生活各个层面都要兼顾。艺术的范围很广，除了音乐还有绘画、文学、甚至哲学，这样，他才会成为一个有深度的音乐家。」
原本，霍洛维兹想成为一位作曲家。1920年他於基辅音乐院毕业时，俄国大革命野火燃烧到基辅，富裕的家庭被视为资本阶级而被破坏殆尽，家里的财产全部被充公，家庭经济顿时陷入绝境。17岁的霍洛维兹只好提早展开他的职业演奏生涯，开始以开演奏会来赚钱贴补家用。起初，刚开始演奏时，由於知名度尚未打开，他的音乐会并不受到大家的注意，音乐厅观众席几乎是空的；后来情况虽然渐渐好转，但也常常只有半场的观众人数而已; 渐渐 知名度打开， 所到之处受到许多爱乐者的欣赏。 有一年的冬天，他光在列宁格勒就举行23场音乐会，弹了200多首曲子，俊秀的外表，加上演奏时的强烈震撼力，在列宁格勒成为无人不知的风云人物。乐迷疯狂的程度，可媲美当今的偶像歌手;有八名少女更组成 "绿衣团"跟著他到处巡回。对於自己早先从几乎是空的音乐厅，到后来全满的观众席之间所经历的这一切，霍洛维兹觉得对一位音乐家来说是再恰当也不过的事了。
后来，霍洛维兹认识了密尔斯坦，两人常常一起举行合奏会，再加上霍洛维兹的妹妹跟另一位大提琴手，便成为俄罗斯几个大城市里家喻户晓的四重奏团体。几场音乐会下来，20岁时，霍洛维兹又以「电与光的钢琴家」扬名全国。当时还有一批身穿绿衣的少女组成啦啦队，只要霍洛维兹举行演奏会，她们一定到场加油，为他鼓噪助威。后来，这些女孩得悉霍洛维兹要离开俄国到欧美闯天下，这下她们可慌了，便打定主意要留下一点纪念品。於是在某场演奏会后，女孩们来到后台，一拥而上把霍洛维兹团团围住，人手一剪，把燕尾服喀擦乱剪一通，再把这些战利品平分成八条，各与一朵黑玫瑰配戴在绿衣上，以示悼亡之意。
霍洛维兹一直憧憬要离开祖国到欧美打天下，1924年，经纪人Alexander Merovitch 看中他，想介绍他到欧洲表演，1925申请出国不过，却遭到阻碍。后来他的父亲想出以要到德国科隆拜Schnabel 为师的申请理由，才得以获准过关。当霍洛维兹把自己攒来的五千美金藏在鞋底准备出境时，站岗的卫兵狠狠地盯住他说：「别忘了祖国！」虽然霍洛维兹从来没忘了祖国，但是这一次离别出国境，要等到整整六十年以后，霍洛维兹才有机会光荣回到俄国。
欧洲时期
霍洛维兹刚到欧洲时，小有名气，从早到晚都在赶音乐会。在德国开了几场叫好不叫座的音乐会;当他到德国汉堡时，正好有一个机会成为他一生的转捩点。当时有一位经纪人临时找他代打，在没有排演的情况下，请他代替昏倒的知名女钢琴家演出柴可夫斯基的第一号钢琴协奏曲。两小时后，音乐会开始，指挥霍布斯坦被霍洛维兹的弹奏方式吓到了，他跟著霍洛维兹的拍子来指挥，直到整首曲子结束。当演奏会结束，所有听众歇斯底里地叫喊，几乎要把音乐厅掀翻了！汉堡当地的乐评也对当晚的音乐会佳评如潮。
美国时期
到了美国，又是柴可夫斯基的第一号钢琴协奏曲让霍洛维兹一举成名！不过这回是跟指挥家毕勤合作。纽约时报乐评家将这场演出称为「键盘热烈冒烟的演出」。
1932年，指挥暴君托斯卡尼尼决定启用霍洛维兹，与纽约爱乐合作演出贝多芬第五号交响曲''皇帝'' 。 音乐会结束的餐会中他认识了未来的伴侣---托斯卡尼尼的女儿温达。8个月后，俩人於1933年圣诞节前夕宣布结婚，霍洛维兹成了托斯卡尼尼的女婿，也转变了他的一生。从那时候开始，霍洛维兹的演奏生涯就逐渐保持在高峰状态，他更藉多次退隐与复出来制造话题，提高自己的知名度。温达终身扮演著霍洛维兹的伴侣、侍从、和第一线的乐评，直至1989年霍洛维兹去世为止。
霍洛维兹被称为拉赫曼尼诺夫作品的最佳诠释者。他有几次机会演奏给当时已颇有名气的拉赫曼尼诺夫听，他曾经形容说'' 他把整首曲子吞下去了''。
霍洛维兹跟拉赫曼尼诺夫是怎麼认识的？这就要从小提琴家克莱斯勒的一封信说起。克莱斯勒曾写信告诉拉赫曼尼诺夫说：「有一个年轻的俄国钢琴家用过去从来没有听过的弹法弹你的第三号钢琴协奏曲和柴可夫斯基的协奏曲，你应该见见他。」就这样，霍洛维兹一到美国就接到拉赫曼尼诺夫的邀请，两人一见如故，相谈甚欢，时常一起到纽约史坦威钢琴公司的地下室练琴，终其一生都维持非常亲密的关系。当拉赫曼尼诺夫完成他的经典名作「帕格尼尼主题狂想曲」时，霍洛维兹正好在瑞士，每当他完成一段变奏，就会打电话到瑞士告诉霍洛维兹，由此可见两位巨匠深厚的情谊。
霍洛维兹曾4度退出表演舞台，时间分别是：1936-1937、1954-64、1968-1974、1983-1985。他退隐的理由很简单，他说：「我受不了一个礼拜旅行五天的劳顿，在火车上、旅馆里，吃不好、睡不著。我像一辆该停的汽车，若不停下来，引擎就要烧坏了。一位艺术家若不断付出，他的内涵便会越来越空虚。」
第一次退隐 由於托斯卡尼尼、温达的严厉督促与压力，1936年，他毅然决定退隐潜修，去加深自己音乐内在的表达方式。1939年，於法国东山再起。
第二次退隐 1953年2月25日在卡内基厅举行独奏会后，又宣布无限期的退出舞台，但录音继续。十二年的退隐生活，一方面为了回复身心健康;同时也为了静下心，重新思考，建立自己的风格。他阅读了许多书籍，重新研究音色触键，追求更高层次的境界。在此段期间，他并没有放弃录音，哥伦比亚公司(CBS)为方便他录音，於1962年，在他家架设一套完整的录音设备，只要他想要录音，可自己操控，或拨一通电话，录音技术人员马上到。
1965年3月19日记者会中，宣布霍洛维兹将於5月9日重返阔别12年的舞台。这场音乐会一扫过去乐迷的疑念，钢琴美声歌唱的迷人音色变化决不是靠录音的技巧。
第三次退隐 1968年为了满足各地乐迷，亲自策划一场在卡内基厅电视现场转播演奏会。之后，又因健康因素，第三度隐退。1974年第三度复出演奏会。这场音乐会，连远在欧洲的卡拉扬也前来聆听，此时霍洛维兹的音乐呈现非常个人主观的诠释方式。晚期的霍洛维兹，弹奏的音乐常被冠上太自由古怪，他的诠释常出乎意料，和一般我们认定或听到的版本不同，呈现给我们完全不同的音乐思想。
1968年后半，他已很少公开演奏，但家庭录音仍照常。1989年11月5日，因心脏衰竭逝世。
三度退出舞台
霍洛维滋为了自己音乐的更上一层楼，呈现给乐迷更丰富的音乐，三度放弃他大好的事业，潜心研究练习，这是一般演奏者很难办到的。 的确，在他退隐又再重返，每次都有对音乐更深层的表现。他在不同时期常弹奏相同的曲目，录音纪录他每段时期对乐曲思考的改变，我们可从不同时期的录音看到一个演奏家的成长。
弹钢琴的动作
现在坊间很容易便可以买到霍洛维兹的音乐会录影; 银幕上的霍洛维兹永远上身没什麼大动作或摇动，利用大脑控制两只手，做出变化多端的音色，没有任何夸张多余的动作。和现今许多''演音乐的"音乐家(及表情丰富、动作夸张，音乐听起来平淡无奇)相反。音乐是用来听的不是用来观赏的，是不???
未曾参加过比赛的钢琴家
霍洛维兹一生未曾参加过钢琴比赛，他觉得比赛根本不是音乐家参与的活动; 一个音乐家应走出自己的路，比赛只会扼杀这种行为。 一个音乐家应不断鞭策自己练习，不断的进步。 这或许可以提供许多学音乐的老师家长、学生思考--- ''比赛'' 只是鞭策学生练琴、更进步，得奖与否并不那麼重要。一个钢琴家的好坏，并不一定以比赛得奖为依规，波哥雷利奇是另一个成功的例子。
史坦威钢琴的爱用者
霍洛维兹到任何地方演奏，均带著自己的钢琴，这是众所皆知的事情。 他有五台史坦威钢琴，分别是 CD186、 CD314 503、 CD223、 CD75、 CD443 (全由史坦威钢琴免费提供)，他最喜欢的一台是CD314 503。史坦威钢琴并提供一个专属调音师Franz Mohr给他. Mohr为他调音20余年，霍洛维兹非常信赖他，Mohr没空替他调音，他宁可取消演出。霍洛维兹对钢琴的触键、音色有非常严格的要求，有个人的喜好; 他要求键盘重量比一般轻，弱音踏板也需仔细处理过。
敏锐的耳朵
霍洛维兹非常在意音乐厅的音响效果。 每到一个新的演出场地，他都会察看舞台上下所有状，仔细剔除他认为会影响音效的物体，包括布幕的高度跟卷法，对於钢琴应摆在舞台的哪一个位置，他亦要求严格;会不断的在演奏会前试弹，不停地要求舞台人员调整钢琴的位置，并查看舞台的各不为所有会影响音响的物体，找到他认为最适当的位置，常常把工作人员弄得精疲力竭。美国卡内基音乐厅曾为了这件事想到一个一劳永逸的方法：从1965年起，卡内基音乐厅舞台地板上就一直有一个标有「霍洛维兹的螺丝孔」的字样。此法确实替大家省去找到「正确」位置的麻烦。也因为有如此敏锐的耳朵，霍洛维兹才能制造出如此丰富多变的音色。
曾在曼尼斯音乐院 Mannes College of Music (我的母校)任教
由於演出繁忙，霍洛维兹虽然在演奏上达到本世纪的高峰，但却后继无人，除了他脾气急烈暴躁，没有什麼耐性指导学生之外，他也觉得这辈子没碰过几个弹得还可以的年轻人，在他一生中正式成为他的门下子弟的只有六人，且都只是短暂的指导。我意外发现，不热中教学的他，居然曾经在我母校曼尼斯音乐院任教。霍洛维兹教学时很少示范，因为他始终认为：示范会抹杀学生的想像力。他发现，现在音乐学校训练出来的学生，每一个弹起来都很相似，常常分不出谁是谁，他觉得这是示范跟模仿太多的缘故。霍洛维兹认为：只有知道自己如何去指导自己的人，才可能会有成功的一天。
有一次他在广播里听到一段钢琴演奏，一边听一边想，这个年轻人弹得还算不错，但是应该可以再好一点。一会儿主持人报出演奏者的名字，没想到正是霍洛维兹他自己！霍洛维兹之所以不听自己的演奏，是因为他认为如果听了以前的演出，就会造成某种程度的模仿，这对音乐家来说是很危险的。
曾霍洛维兹的小指
如果你仔细看过霍洛维兹演奏时的照片，会发现他的指法非常独特。他手指平放在键盘上，看似肌肉僵硬，尤其是右手小指翘起，好像肌肉紧张一样。这跟学校教的标准指法正好背道而驰。不过他的双手力道惊人，能弹出如雷贯耳的声响，也能够弹出最后一排听众清楚感觉到的弱音。他对踏瓣的运用也非常特别，例如：他演奏李斯特作品时，常常不用踏瓣。
不听自己的演奏
霍洛维兹语录
1. 「弹钢琴是天底下最简单的一件事。」
2. 「贝多芬的音乐是可以改进的，乐谱并非圣经。」
3. 「由於我弹奏得非常清晰，一有错你就听得出来。如果你要我只按照音符来弹，不特别强调音色的强弱，那我绝对不会弹错。永远不要害怕，放胆去做。永远不要仿效别人，不必求人提供意见，自己弹吧！」
4. 「如果我有什麼缺点，那就是我需要人爱。我不需要向别人说我弹得多麼美妙，我自己知道。我公开演奏，是请观众爱我。我出场时面露笑容，我感到快乐。我和你一样，不同的是我不必买票。」
5. 「每次走上舞台，我就感觉自己是君临一切的国王，是全场的主宰。」「我是将军，我的兵就是琴键，我的任务就是要指挥这些琴键。」
6. 「当我对著钢琴哭泣、欢笑，也希望听众能跟著我一起喜怒哀乐。」
7. 「听众付钱，他们想聆听并观赏一些美学的事物。」
8. 「唱片是一种回忆，是一张印有风景画的明信片。」
9. 「我认为歌剧是音乐的根源，音乐最重要的就是歌唱。」
霍洛维兹论其他音乐家
1. 「莫札特是个敏感热情的人，他有著各种不同的情绪，而他把这些感情都表现在音乐中。由此可见他是个十足的浪漫作曲家。」
2. 「我认为李斯特是历史上最伟大的钢琴巨匠，最了解钢琴性能的就是李斯特。」
3. 「萧邦对於我们了解钢琴这个乐器有非常大的贡献，他是一个只为钢琴而存在的作曲家。尤其是他的练习曲，对现代的钢琴来说非常困难。」
其他人对霍洛维兹的评语
1. 乐评家哈洛德‧荀伯格：「霍洛维兹这种光彩夺目的演奏法，音响强烈厚重颇具炮弹似地抛射力，无人可以企及！」「海飞兹至少有一个华丽的继承人－帕尔曼。然而当霍洛维兹停止演奏时，没有人能继承他！」
2. 小提琴家密尔斯坦：「霍洛维兹是举世无匹的，他可能常常出错，但你不能说尼加拉瀑布有错。」「别的钢琴家是香水，但霍洛维兹是制造香水的『香精』。」
3. 钢琴家兼指挥家伯恩斯坦：「我和霍洛维兹最不同的地方，就是他弹出了乐谱上的百分之百，而我只弹出了百分之七十而已。」