❶ 音乐在电影中的作用为题写一篇2000字论文
电影已有百年历史，随着电影艺术的不断发展，音乐已成为这门艺术中不可缺少的一个重要组成部分。电影的彩色化、宽银幕化以及立体声音响的出现，杜比录音系统、数字多轨录音技术的运用等伴随着科学技术的进步不断发展。电影音乐的重要性和可能性大大超出了人们的预想。
《My Heart Will Go On》一曲回忆的、欲以挣脱某种纠缠,悲哀的、带有哭泣的主题音调充满深沉的情绪,立刻将我们带入到了《泰坦尼克号》宏大的世界当中。
在影片的前部分，交响乐配合得天衣无缝。节奏紧凑，气势恢弘。在隆重的交响乐烘托下，铁达尼坚固的形象深深树立在每个人心目中。
影片中“Rose主题”总是伴随着浪漫的情景出现，制造出一种梦幻的氛围。在甲板上Rose欣赏Jack的素描作品时，Rose要求Jack给她画只戴“海洋之心”的肖像时，钢琴旋律随之响起，渲染出暧昧，梦幻的气氛，清脆，优美的钢琴声，跳跃的音符充斥着观众的听觉。预言了一场爱情将要轰轰烈烈上演。
除此之外，影片中还掺差着其他的音乐元素。Jack扮成绅士参加Rose未婚夫邀请的晚宴时，Jack带着Rose参加“真正”的Part时。《蓝色多瑙河》和苏格兰曲风的旋律分别成为了背景音乐。《蓝色多瑙河》愉快，讽刺又滑稽的配合着这个场戏。显示出Rose的不满与嘲讽。而Jack拉着Rose的手奔跑到三等舱时，一切都被释放，欢笑的人们，自由自在的舞蹈。苏格兰调愉快的融入在这气氛里。Rose大杯大杯的喝酒，肆无忌惮的抽烟，跳舞，欢呼。她的灵魂在这刻是自由的。在影片中，Jack 和Rose愉快，轻松的场景，背景音乐总会合着轻快的苏格兰调的旋律。
但冰山的出现，一切美好，平静都被打破。激烈的交响乐给影片带来了另一个高潮。整个节奏迅速起来，急促的节奏伴随着画面里的人们逃窜，强烈悲剧色彩的音乐，音调低沉，激越悲壮，震撼人心。浑厚强大的音乐以及人们惊慌，呼喊，奔逃，形成一股洪流，一泻而下。这里交响乐的完美配合，把这一情节推向高潮点，达到震撼人心的强烈艺术效果。这幕不仅画外音乐很好的配合，画内音乐也密切的配合着。甲板上勇敢的乐队成员们，演奏着小提琴，大提琴，悲伤的旋律混杂在一起，萦绕每个人的听觉细胞，淹没了其他一切不相干的声响。 影片的最后，满头白发的Rose把“海洋之心”丢进了大海，让它和铁达尼永存海底。“Rose主题”最后一次响起，画面进入在海底沉默的铁达尼，一切突然还原，Jack站在楼梯上等待着她，所有的人都向他们投来祝福的微笑，他们再一次的拥吻在一起，完成这个永远无法成真的遗憾。主题歌慢慢响起，一句句歌词流淌出真挚的情感，比任何语言都更有力，动人的披露着爱情，仿佛在弥补片中不圆满的结局，让他们的爱情永远得到释然，见证他们永恒爱情。
❷ 中国电影的背景音乐发展现状如何
大部分都是导演找的自己喜爱的音乐人来做，比如寻枪找窦唯做这种。目前中国没有太多大师级的影视配乐，三宝老师算是最牛的了吧，其他董冬冬老师，樊凡等等也在这条路上算是走的比较远。但能不能达到三宝老师的成就，还有待观察。这个也跟国内电影也不像好莱坞那么发达有关吧。
❸ 求一篇经典电影音乐赏析的论文啊。。。
1900音乐的灵魂,音乐的天使
1900一组数字么？不！他是一个人名，他是音乐的灵魂，音乐, 船 和海是他生命的全部。他是哪里人？这个问题也许是耐人寻味的，他属于海上属于船上 属于上帝但不属于陆地。出现在钢琴旁，也许只能用出现这个字眼，因为觉得他不属于任何人遗留下了的，属于上帝赐给这世间的礼物，那是音乐的灵魂，眼睛是他接纳外部事物的窗口，心灵是他酝酿灵感和体会感受的地方，手指抚摩着键盘所发出的美妙声音是他表达那具有灵魂的音律的方式。
路地对他来说只是世间浮华假象的载体，一个女人？一作房子？一片地？一个平凡或在外人看似奢华的正常人生活？在他看来不存在任何意义，他不属于这样的生活，不属于陆地 他不属于这个世界，他生来没名字 没身份，一生在属于他的地方度过，也许在人们看来他只是一个世间的过客，但也许在他看来每个人才是他人生过客，我们不需要知道他的身份，他的相貌，他的名字等等。只需要记得那些曾经打动人的美妙旋律，只需要记住一组数字1900。
影片中那张《Playing love》的母盘一直是影片的一个重要线索，正是这张唱片打开了“康”记忆的闸门，开始了对1900的回忆。
反观这张唱片，是在1900为“唱片公司”录音的时候恰巧在窗户上正在照镜子的她时即兴创作并演奏的（是否为即兴我还不是很确定）。这张承载了1900纯真唯美的爱的唱片是1900本来准备送给她的礼物，结果却在这纷繁的社会中一次又一次的错过......（不知道是不是也预示着像1900这样纯真唯美的人在这样的社会中也无会法生存）
再到后来1900下船计划失败，将那张唱片亲手毁掉，给我们留下了和“康”同样的疑问。而最终1900也没告诉“康”那张唱片是谁放进钢琴里的。
我思考了很久，也看过好几次影片（当然不是专门为了这个去看的，否则就太......），一直找不出一个导演“布置”的这样一个人物——把唱片粘好放到钢琴里人物。
记得有一天，很平常的一天，我突然很想听那首《Playing love》，就打开电影，快进到那首曲子。合上了眼，静静的享受着耳机里传来的美妙的声音......听着听着突然想到了，是1900亲手粘好这张唱片并放到那架属于他的简易钢琴里的。
海上钢琴师展现了人的天赋的伟大，人情感世界的博大，都想大海一样。但也展示了人的极端脆弱性，无助与孤独，在我们每个人身上都有，所以大部分人的世界不会比那条巨型海上客轮大，我们不敢走下船去，只愿意随波逐流，安稳地在自己的世界里欢笑和烦恼，最后象那条船一样，报废和炸毁，炸毁的是自己，也是自己的那个小小的世界。
大海与船，一个无限大，一个那么小，两者又紧紧地联系在一起。这真是最值得让人冥思的一对矛盾。
没想到在暴风雨中可以阔步而行，虽然别人都被晃得呕吐；更没想到在暴风雨中竟然可以便弹奏，边随着钢琴在大厅里漂游滑行，如花样滑冰一样，但伴随着弹奏者的微笑、轻松、幸福、投入，伴随着优美的乐声，伴随着初识朋友的聆听，人、钢琴、客轮、大海、暴风雨组成了一幅最浪漫的最诗情画意的人生至景，那真是影片中最美妙的时刻，也是每个人梦寐以求的时刻。倘若有一天，一个天才坐在我身边，此情此景，弹奏着随兴而发的乐章，那么，我该是多么幸福的人啊！
无疑每一个观众都喜欢这个不幸与幸运交替，有着惊人的天赋和致命的缺点的海上钢琴师。陆地、城市、人群。连我们每日生活于都市中，习惯于都市生活的人都难以避免忧郁、孤独、哀伤、空虚，我们何苦苛求那位从小在客轮上快乐成长，每日在音乐中幸福畅游的人呢？只是他诞生于客轮，也毁灭于客轮，提醒者陆地上的人：什么是世界，什么是幸福，什么是人生？世界有多大，人生有多长，幸福又如何得到？
他终于没有跨上陆地，大家异常惋惜。回头想想，我自己的世界又比他大多少？我的内心比他更能感受世界吗？谁能真正面对这个世界？也只能象只蚂蚁一样，扎如人群，再也看不到。
好像多了点...自己删吧
❹ 电影音乐论文
字数是够的，可能还超了一点吧。还不行就自己看着办吧！ 电影已有百年历史，随着电影艺术的不断发展，音乐已成为这门艺术中不可缺少的一个重要组成部分。
❺ 要写个论文，谈音乐在电影中的作用，谁能给我推荐几部电影分析下
上大学时选修外国音乐的论文，当时是93分。
优雅的舞者
——新世纪音乐大师乔治温斯顿、神思者和他们的音乐小品
我第一次接触新世纪音乐是在高一的寒假。考完试，去图书大厦淘碟，无意之间看到了一张不很起眼的专辑。黑色封底，封面正中是一张淡蓝色的风景：严冬，白雪皑皑，几棵萧索的树径直地站在白雪之中，背后是望不见边缘的森林，静谧而安详。我不曾听说过封面上写到的“新世纪音乐”，更不曾听说过“乔治温斯顿（George Winston）”这个名字。然而我看着封面，看着简单的构图中透出的几分独特的美，喜欢上了它。回到家，带上耳机，按下播放键，清冽的钢琴缓和而优雅地流入我的心头，世界此刻也为之静止。这张专辑出版于1982年，专辑的名字叫《十二月（December）》。
来浙大之前的暑假，收拾行李。我的指尖滑过一整架的CD，最终带上了这张专辑，一张无论何时何地都会让我感到十二月中那种独特的凛冽与澄澈的专辑，它可以轻抚躁动的内心，舒展紧张的身体，让我完全沉浸在这个超然的世界中。甚至此时此刻，敲击着键盘，我还在听，听这张乔治温斯顿的杰作，《十二月》。
那个与《十二月》邂逅的寒假，我在网上搜索这位大师的生平。美国蒙大拿州的爵士钢琴手，创作了十几张新世纪音乐专辑，抒发自己对故乡的眷恋之情。钢琴演奏之余，他研习了经典的夏威夷散弦吉他（Hawaiian Slack Key Guitar）,复兴了这种几乎被人们忘却的传统乐器。他还曾为4部儿童音乐剧配乐，包括著名的花生（Snoopy），一个有才华又不失童趣的艺术家。
随后的很长一段时间中，我一有时间就跑到各个唱片行，想找到乔治温斯顿的其它作品。情形往往是这样：我兴致冲冲地跑进唱片店，垂头丧气的出来。老板们会摇摇头，说道：“乔治温斯顿？就是那个弹钢琴的，很早以前有，现在很少有卖的了。”跑了不下十个唱片店，一个店员说：“我记得好像有一张，是那个弹钢琴的嘛！”然后她进里屋翻箱倒柜了约莫几十年，最后拿出了一张已经落了很多灰的专辑。我小心翼翼地擦去灰尘，激动得眼眶近乎模糊：乔治温斯顿精选集《四季（All the Seasons of George Winston）》。我估计我的确是饥不择食了，因为我从不买精选集。缩略版的音乐在我看来是对艺术家和听众的欺瞒。我本能地抵制速食主义音乐，精选集在某种意义上正是这种满足普罗大众的快餐食品。然而我还是满心欢喜的将它带回了家，聆听，直到困得忘了关掉CD机。
买这张专辑后没多久我遇到了神思者。那是一张封面红得有些俗气的专辑《故宫序曲（Palace Sketch）》。封面的噱头很是吓人，“继喜多郎后唯一享誉全球的日本New Age团体”。出于当时对新世纪音乐疯狂的喜爱，几乎没有什么犹豫就将它买了下来。客观地说，比起神思者的其它许多令人陶醉不已的电影电视配乐，这张专辑并不算较为出色。但是不久我又在同一家店中淘到了故宫系列的另外两张专辑《故宫序曲（Paean to Palace Memories）》和《再见故宫（Palace Seeds）》，我这时才后悔当初对神思者先入为主的看法。神思者的音乐——或者更确切地说，为故宫纪录片所做的音乐——体现了一个对中国文化崇拜者的自己用音乐所做的文化诠释。在其中不仅有宏大的交响乐背景，更加难能可贵的是一些中国特色的乐器（如电子合成的编钟，二胡）所演绎的主旋律，听来源远流长，回味无穷。
神思者是一个由两个擅长电子音乐的艺术家所组成的团体。成立之初名叫Sensitivity Project（感性企划室），86年为NHK电视台的纪录片《海上丝路》配乐后改名为S.E.N.S.，取sense 和cense的谐音，四个字母分别代表sound nature earth spirit。神思者主要以电影和电视剧的配乐为主业，出版了很多精彩绝伦的原声碟。我收藏了一张电影《悲情城市》的原声碟。这部由侯孝贤导演的中国台湾电影，获1989年威尼斯电影节金狮奖，而由神思者所做的深沉而婉转的配乐在其中功不可没。
乔治温斯顿和神思者仿佛在我心中开启了一扇新的门，一扇通往一个全新的音乐世界的门。我不再流连于唱片店排在最显眼的位置上的流行音乐专辑，而是如饥似渴地寻找新世纪音乐专辑，因为比起新世纪音乐，流行在某种意义上显得那么肤浅。新世纪音乐——无论是从最早的曼陀凡尼（Mantovani Orchestra）改编古典大师如肖邦，李斯特的作品使之成为雅俗共赏的轻音乐，还是喜多郎范吉利斯为电影和电视纪录片的精妙绝伦的配乐——囊括了音乐的各个角落。这群对未来充满希冀的艺术家们将古典与现代相结合，展现出一种空前绝后的艺术流派。以前在看相关资料的时候找到了一位青岛大学音乐学院教授对这类音乐所下的定义：“所谓新世纪音乐就是以现代化的音乐器材、音乐手段来演绎古典音乐、民族音乐、地方音乐。”（“语言的尽头是音乐出现的地方—— 新世纪音乐” 作者：青岛大学音乐学院音乐系 姜良君）虽然我远不及这位教授的艺术造诣高，但我个人并不是很同意这种说法。诚然，诸如神秘园（Secret Garden），姬神（Himekami）等众多音乐家在探索本国民族音乐方面做出了不朽的贡献，曼陀凡尼，马友友（这两者的新世纪音乐家地位还有所争议）在发掘古典音乐方面独树一格，然而新世纪音乐绝对不尽仅是民族、地方和古典。在我看来，新世纪音乐的独特魅力正在于它没有确切的界限，各种想要表达内心深处冥想的旋律都可以算作是新世纪音乐。从德国电子曲风浓厚的橘园之梦（Tangerine Dream）到中国的充满佛教内涵的邓伟标，从西班牙热情奔放的吉普赛国王（Gypsy King）到美国冷静优柔的苏珊西亚尼（Suzanne Ciani），还有久石让那些日本民族风格的动漫配乐，旅韩华裔钢琴家Daydream跨越国界略带忧伤的钢琴旋律，所有的所有，都指向一种全新的音乐理念。这种理念或许用喜多郎自己形容自己的音乐时所用的词非常恰当，那就是spiritual，灵魂的。美国女作家奥尔科德说：“眼因流多泪水而愈益清明，心因饱经忧患而愈益温厚。”我想，新世纪音乐这种spiritual的特点或许同样的会令听者心中“清明而温厚”，而这恐怕也是为什么新世纪音乐会如此与众不同吧！
乔治温斯顿的十张钢琴小品集都由广州星外星公司在国内正版发行。我陆陆续续买齐了所有的专辑，每一张都仔细而认真地听，听到熟到每一个音符，修饰音都能背得出来。乔治温斯顿不仅仅用他娴熟的技巧打动了我，更多的是他在音乐中注入的真情实感，听起来没有一点造作的感觉，完全是发自内心对自己故乡蒙大拿州的赞美。我也听过几乎所有的班德瑞的作品，然而不知是因为国内销售商们不遗余力地推广使之最终俗到烂掉，还是这帮瑞士音乐家们本身就是将自己的音乐理想建立在虚幻的现实上，反正那些音乐都有类似什么“微风山谷”“梦花园”之类虚无缥缈的名字，但是听过以后绝对不会产生真实的意境，仅仅是虚幻的好听的音符而绝非旋律。乔治温斯顿有一张专辑《辞冬（Winter into Spring）》，当音符连续而密集地响起时，我竟不由自主地想到了春天的雨，以及春天万物生机勃发的场景。翻开专辑插页，惊讶地发现这首曲子就叫做《雨（Rain）》。而这种感觉，是听班德瑞无病呻吟的曲子所绝对无法享受到的。
相比之下神思者的音乐在国内发行的较少，除去故宫三部曲之外，还有一张精选集《透明的音乐》和一张电视连续剧配乐《二千年之恋》，仅此而已。很不好意思地承认，我的《悲情城市》也是盗版的。我在网上下载了神思者的其它所有的专辑，一次又一次地被他们所震撼，所折服。有很多曲子，简单到只有八个小节的主旋律，然而钢琴与弦乐的交织融合却产生了不可思议的和谐与充盈。比如神思者2000年出版的音乐专辑《Asian Blue》中有一首曲子《Sican-Prayer》，钢琴旋律重复两遍，变调，接着同样的旋律融入弦乐，重复，再变调。结构简单得夸张，然而那种静默的柔情却令人回味无穷。
我有时候喜欢作这样的比喻：乔治温斯顿的作品好比轻快清新的现代诗，听来有一种若即若离的感觉，听者与乐者既不遥远，也不过分亲近，乐者隔着这段既定的距离，让听者产生共鸣。而神思者的作品更像是雍容华贵的散文，以一种势不可挡的力量完全地包裹住听者内心。这种温情无微不至，让听者彻底沉醉于他们所营造的艺术世界中，敞开心扉，用炽热的心直接去感受这种唯美的旋律。至于现代诗和散文孰优孰劣，我想并没有定论。两种文体各有千秋，同样感召着一代又一代的生命，使他们的生活中充满令人难忘的回忆的片段。
如果你在网络中搜索乔治温斯顿，最先出现的（同样也是出现最多的）是电影《我的野蛮女友》中全智贤弹奏的缩略版的由乔治温斯顿改编的约翰帕赫贝尔的《D大调卡农》。约翰帕赫贝尔（John Pachelbel）这位对巴赫影响巨大的巴罗克时期音乐家恐怕永远也不会想到自己的这首卡农被改变了几十个版本，被不断演奏，经久不衰。不过另一方面，乔治温斯顿恐怕也不会想到，自己创作的几百首美妙绝伦的钢琴小品竟比不上一首改编曲在电影的推广下所产生的流行热潮。在我看来，有时艺术是一种无奈尴尬的矛盾统一体：一方面，艺术家不断创作更新更好作品，为的是让更多艺术的受众们享受更好的精神层面的食粮。另一方面，艺术又不可以完全屈尊下顾，完全抛弃高雅的“嫁妆”，让所有的普罗大众勉为其劳地为其推广，以至最终失去艺术本应享有的感召力。我还是拿班德瑞的例子来说。这群与世无争的瑞士音乐家们将自己封闭在瑞士的原始大森林中，全身心地投入创作之中，为的是让更多的人了解他们心中所向往的精神世界。我不清楚在世界的其它地方情况如何，至少在中国，班德瑞的出版发行单位很是混乱，许多家出版社同时“正版发行”班德瑞的专辑，并且配上与专辑内容毫不相关的莫名其妙的插图。唱片店，超市、购物中心的老板们仿佛抓住了救命稻草一般，以为不断在自己店里放这种“高雅音乐”就能招徕更多顾客 。于是乎，班德瑞迅速在大街小巷中走红，几乎所有的人都有意无意的听过许多班德瑞的作品。即使这种音乐再高雅，它最终也只能走向俗套的流行音乐的道路。同样的问题似乎也在侵蚀着恩雅，莎拉布莱曼，肯尼基，甚至是亚尼，神秘园，英格玛。我不知道多久以后路边孩童会哼着《Shepherd’s Moon》上学，我对这位爱尔兰唱诗班出身的女音乐家有着十二分的崇敬，但恩雅的天籁也正在大众化，平民化，最终……但愿“最终”不会发生，起码能晚一些发生，好让我们这群准“爱乐者”们能够将享受她的音乐这一小小的“特权”延续的时间再长一些。
有一天傍晚，我在学校广播台上听到了熟悉的神思者的音乐，《海上丝路》中的“Aphrodite”和《疾走》中的“Rain”，一首是纪录片的配乐，一首是电影配乐。唯美的旋律在校园广播不甚协调的喇叭中播放，竟还保留着几分原曲的优雅与温存，令我激动不已。可是听着音乐，心情又不觉地变得复杂。我曾向寝室的同学推荐过神思者的音乐，最终发掘神思者的号召力远不及周杰伦，只好作罢。我当时很希望能找到可以分享听神思者的音乐的乐趣的人，但倘若校园广播也不遗余力地推广神思者，最后浙大学生都喜欢上了这个组合，神思者不断被推广，最后变得和周杰伦一样。到那时我猜我绝不会缺少倾诉我自己音乐感悟的对象。但当所有人都在听着同样的音乐，都在自我感觉良好地发表或深刻或肤浅仿佛领悟又不甚了解的看法时，我估计……我肯定我会选择沉默。但我现在还在向人推荐，还在用论文介绍乔治温斯顿，介绍神思者，介绍新世纪音乐，介绍这群优雅的舞者，迈着轻快的舞步，在艺术的世界中翩翩起舞，留下一首首令人难以忘怀的经典的音乐。而我，只希望做一个观众，用我诚恳的心去感知。感知大师们的艺术世界同时，自己的心仿佛也跟着变得澄澈。心因聆听音乐而愈益清澈，我相信，爱音乐的人可以做到。
希望能帮到你。
❻ 求经典影视配乐论文
《罗马假日》（Roman Holiday）是1953年由美国派拉蒙公司拍摄的浪漫爱情片，故事讲述了一位欧洲某公国的公主与一个美国记者之间在意大利罗马一天之内发生的浪漫故事。影片由格利高里·派克和奥黛丽·赫本联袂主演，取得了巨大的成功，成为好莱坞黑白电影的经典之作。奥黛丽·赫本也因该片获得了她一生最重要的奖项——奥斯卡最佳女主角奖。电影上映后，片名成为很多商号争抢的名字，也有用罗马假日作为品牌的摩托车。
某国王室[1]的安妮公主作为王位继承人将出访欧洲的各大城市，消息传出，引起了极大的轰动。
欧洲之行的最后一站是罗马，安妮公主很想尽情地饱览一下当地的优美风光，可侍从们以公主身份高贵、不宜在黎民百姓面前抛头露面为由拒绝了，并给她注射了镇静剂，公主假装睡着了，待侍从们出去后，她偷偷越窗溜了出来。然而没逛多久，医生给她注射的镇静剂就发生了效力，她在广场附近喷水池边的一条长椅上迷迷糊糊地睡着了。 这时，美国新闻社的穷记者乔·布莱德里恰好经过这里，以为这是一个在狂欢中被灌醉的少女，就租了一辆出租车想把她送回家，可是公主睡得特别沉，怎么也叫不醒，无奈，乔只好把她带回了自己的住所。 第二天，报纸上的特别公告使乔意识到他带回的少女就是安妮公主，于是他欣喜若狂，打算写一篇关于公主内幕的独家报道。公主醒后发现了陌生的乔，乔连忙解释，公主才安心了。她向乔借了一些钱，然后告别了他，又到罗马大街上闲逛了。 乔连忙给他的摄影师朋友欧文打电话，同时跟踪公主，在花园广场上佯装和她偶遇，便自告奋勇地要为公主做导游，骑着摩托车带着她游览罗马城，同时，欧文也驾驶着小汽车跟在他们后面，拍下了许多珍贵的镜头，而这一切，公主浑然不觉。
公主的失踪引起了人们的惊慌，国王秘密派出了许多便衣四处寻找公主的下落。乔带领公主来到水上舞厅参加舞会时被便衣警察发现了，他们请公主和他们回去，而公主坚决不肯，警察们要强行绑架她回去，乔和欧文同他们厮打起来，而任性调皮的公主也大打出手，十分开心。趁着混乱，乔带着公主逃之夭夭…… 一天过去了，公主终于要回宫了，可此时她和乔发现彼此间擦出了爱的火花，坠入了情网。怎奈公主毕竟是公主，平民终究是平民，两人只能依依惜别。乔抛弃功成名就之良机，将照片送予公主留念，在深情的四目对望中，公主轻轻地对乔说了声再见……影片特色
作为20世纪50年代的电影，《罗马假日》的社会背景比如今保守许多，某国公主安妮莅临罗马，生性
活泼的她早已烦透宫廷的桎梏，在罗马的第一个晚上便偷偷跑出戒备森严的官邸径直到了罗马街头。夜色里，她体验到了从未有过的自由。在街上可以大摇大摆的走路，丝毫不用在乎贵族的繁文缛节。以往矜持的性格变得荡然无存，当其大意的躺在街头石阶上昏昏欲睡时，如果不是碰到派克饰演的记者，天真的公主恐怕就过不了后来的假日了。 人只有在昏迷的状态里才会展示自己最原始的本性，就算公主也不能幸免。因为在逃跑时御医打的安定剂使夜游罗马的计划未遂，昏沉的状态里的她更显亲切、可爱。《罗马假日》童话般的叙事也从她和记者的奇遇展开。虽然那是个无名记者，但在她昏睡的时候他就像把自己领回家的丈夫，男人成熟俊美的外表使其“甘心”被带走，这梦幻般的巧遇在现实生活里显然是极少见的。但电影作为被编织成的梦，有义务提供一种美丽的情感供人享用。 派克饰演的记者显然是个好男人，开始还不知道夜宿街头的女孩就是公主。某个时候，他还以为女孩是暗娼。只是当看到那纯净的眉宇中所透出的天真和可爱后便打消了抛开女孩的念头，也就是从那时起，属于他们俩的假日开始了。
影片剖析
《罗马假日》里这个“假日”实质上是指记者和公主共同渴望的“自由生活”，把片名改成《罗马自由一日》罗马假日影片封面照(18张)更能说明影片主旨。在对待自由的追求上，公主开始是顽皮和不顾一切的享受自由；记者则是渐渐的被身边的公主所感染，其实在他那里，与公主“游玩”罗马最开始是作为职业计划的一部分，这充满名利熏心的计划是“反自由”的。如果没有之后对公主产生感情，他永远都是一个疲于奔命的记者，记者的使命便是发现新闻，这种使命作为个人欲望体现在其生活的方方面面：他不可能有享受自由的机会，因为记者这个职业就是扼杀别人自由和自己自由的刽子手。
在影片结尾，公主回到了官邸，翌日便举办了记者见面会。这时候，他最后一次看到美丽的公主，和第一次在街头碰见的女孩一样，只是此刻华贵的白裙将她牢牢包裹。紧接着影片最揪心的情节开始了，高高在上的安妮痛苦的装作不认识他，但眸子里射出依恋的光随时都通过空气反射到他心上。 赫本神奇的演技在见面会结束时得到了最大发挥，细致的观众会发现在这个长长的笑靥里，包涵的是从见到情人的喜悦到发现离别哀伤的痛苦过渡。用“神奇”去形容这笑靥是因为赫本把矜持也融进了笑容里。那种公主的矜持既不允许流露欣喜，也不容许一点哀伤。在情感的巨大波澜中，就算最吹毛求疵的人也只能察觉到在美丽的黛色眸子下闪过的一丝忧郁。但在台下的男人眼里，这矜持的微笑是对自己不能使心上人自由的责备。但他自己又何尝能自由呢？只不过俩人不能自由的理由相异：公主是因为人民和国家，记者则是为能继续生活。 格利高里•派克曾说：《罗马假日》是赫本的电影，我只是配角。派克的这句话不仅是对赫本演技的赞叹，也是片中记者的感叹。片尾，男人伤心的凝望着公主离去后的前台，虽然经历过比这更大的发布会，但那天真的女孩留给这位记者的震撼太大了。在短暂的一天里，他体验到比疲于奔命寻找新闻更珍贵的追求，那便是自由和爱一个人。
明星解读
格里高利·派克（Glegoly Peck）于1916年出生于加利福尼亚州南部圣地牙哥的拉贺亚，他大学原
本主修医科后转为英语，毕业后开始了自己的演艺生涯。派克自20世纪40年代开始从影，拍摄过60多部影片，曾5次获奥斯卡提名。他于1963年以《杀死一只知更鸟》，又译为《梅岗城的故事》）中的出色表演而获得奥斯卡最佳男演员奖。演出的其他著名电影还有：《百万英镑》、《爱德华医生》、《王国的钥匙》、《鹿苑长春》、《君子协定》、《晴空血战史》等 奥黛丽·赫本（Audley Hepbuln）于1929年出生于比利时布鲁塞尔，父亲是一名英国银行家，母亲是一名荷兰女男爵。她后来进入伦敦
的一所芭蕾舞学校学习，毕业后，成为一名职业模特。1948年开始演电影，1953年因电影《罗马假日》获得了奥斯卡最佳女主角奖。赫本一生共拍摄了31部影片，后来还因《蒂梵尼的早餐》、《窈窕淑女》等影片4次获得奥斯卡提名。1988至1993年，赫本还是联合国的亲善大使，1993年因结肠癌病逝于瑞士。她的代表影片有《姬姬（GIGI）》《甜姐儿》《蒂梵尼的早餐》《窈窕淑女》《谜中谜》等。 威廉·惠勒是美国著名的电影导演，曾捧出过十四位奥斯卡金奖大明星，并且是电影史上获奥斯卡金奖提名最多的导演。他本人也曾数次获得奥斯卡最佳导演奖，他获奖的影片分别为第15届(1943年)的《米尼弗夫人》，第19届(1947年)的《黄金时代》，第32届(1960年)的《宾虚》。他出生于1902年，与1981年逝世，一生拍出了无数的名片，主要作品有《黄金时代》、《呼啸山庄》、《罗马假日》、《宾虚》等。
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❽ 谁能提供我几篇有关电影音乐鉴赏的论文呀
《阿根廷别为我哭泣》的音乐鉴赏论文“……阿根廷别为我哭泣，事实上我从未离开你，即便在我狂野不羁的日子里，我也承诺不离开你……” 电影《贝隆夫人》主题曲《阿根廷别为我哭泣》唱出了阿根廷前“第一夫人”艾薇塔-贝隆辛酸曲折、辉煌传奇的一生。从穷裁缝的私生女到15岁的舞女，从高级交际花到总统夫人，艾薇塔33载的短暂一生记录了太多的悲欢离合、大起大落。7月26日是艾薇塔逝世纪念日，当麦当娜倾情演绎的《阿根廷别为我哭泣》缓缓响起时，“贝隆夫人”的传奇一生如电影般展现面前，人们不禁流下了热泪…… Evita(艾薇塔）是阿根廷前总统贝隆的夫人，她出生贫寒，做过舞女和影视演员，她靠姿色和手腕成为贝隆夫人后，为阿根廷的社会、劳工、医疗，妇女平等，单身母亲权利等方面均作出过卓越的贡献，逝世时年仅33岁。 贝隆夫人的传奇经历一向是剧作家非常感兴趣的题材，1976年，韦伯首先推出了由朱丽叶·科文顿（Julie Covington）演唱的单曲《阿根廷别为我哭泣》（Don't cry for me Argentina)，随着这首歌的轰动，由寇姆韦尔金森加盟的唱片随即发行，而且不出意料地广受欢迎。1978年，在万千音乐剧迷的企盼下，《贝隆夫人》在伦敦爱德华王子剧院正式上演，创下了连演八年的惊人纪录。次年9月，它又登上了百老汇的舞台，拉开了英国音乐剧攻陷百老汇的序幕。 电影《贝隆夫人》（Evita）（电影英文译作《艾薇塔》是1996年由麦当娜、班德拉斯和普莱斯主演的电影版本，其中移植了舞台剧的所有歌曲。这部由美国拍摄的电影由于描写了贝隆夫人早年的风尘生涯，在开拍时就遭到了阿根廷群众的强烈抗议和坚决抵制，再加上导演挑选以性感出位的表演而闻名的歌星麦当娜来出演阿根廷的国母，更是屡遭非议。但后来的事实证明，麦当娜的演出风格无损于她对角色的精当把握，也不会遏制她的艺术天分和敬业精神，尽管韦伯为适应麦当娜的音域特地把《阿根廷别为我哭泣》降了几度，但她的演绎自然贴切，歌声真切感人，不但在拍摄时感动了全体摄制组，还使了整个阿根廷完全接受了麦当娜扮演的这个角色，为这种名曲增添了新的光彩。麦当娜因此获得当年金球奖最佳女主角奖实非侥幸。对于这样一部带有韦伯音乐剧色彩的电影来说，实在没有不收藏的理由。 据说，当年麦当娜为能出演女主角，写了四页亲笔信给导演，并专门学习声乐三个月，光在录音棚就录了四个月，49音乐就录了四百多个小时，果然是精品。她在阿根廷拍外景时，面对抗议浪潮，她付出几倍于他人的努力，终于得到回报，甚至阿根廷总统也被她的诚心感动，答应出借总统府阳台。拍摄当天，当她出现在阳台，演唱“别为我哭泣阿根廷”时，4000群众演员和摄制人员都被深深的感动，以至人们都疯狂了，在电影中可以见到这一真实感人的场面。（这不是群众演员的“高超演技”）。 Don't cry for me Argentina 这首歌曲我听了多个版本，麦当娜，伊莲佩姬，沙拉布莱蔓，还有超女张靓影演唱的（正是由于听了她的这首歌曲的演绎，把我吸引到超女PK中，成为“凉粉”）。但是我感觉麦当娜把韦伯的这首歌曲演绎的最为到位，尽管其他两位佩姬和布莱蔓都是韦伯歌剧《艾薇塔》不同时期的不二的主角。 我不仅欣赏了精彩演出，而且也在这部音乐影片里，也了解到是一位出色的歌手，里面的演唱都是他亲身而为，影片而名声大震的演唱才华在影片中得以完全的展现
❾ 论文 "电影音乐" 求助~~~~~~大家帮小弟一下~~~~
一部好的电影，电视，它成功的原因不仅仅是好的剧情，演技，最重要的还有感人的电影音乐和适时安配。许多电影发烧友，音乐爱好者都已收藏电影原声带为爱好。
自从第一架电影放映机开始转动，历代作曲家最流行的音乐就被电影挪用。在二十年代有声电影出现之前，几乎所有无声电影都用现场演奏的音乐伴奏，或是一位钢琴家，或是整团乐队，以尽可能地配合画面上的动作。
有些电影院还制作节目单，说明影片中使用的背景音乐的标题和顺序，这些音乐包括贝多芬的作品（用来伴奏空中的狗打架）；及通常用作“狩猎音乐”的罗西尼所作《威廉·泰尔》序曲（William Tell）还有表示“悲伤”的马斯奈（Massenet）《泰绮斯》（Thais）中的《悲歌》（Elegie）; 而圣桑《动物狂欢节>（The Carnival of Animals）里的《天鹅》则提供了很合适的浪漫情调，同时也给“标题音乐”一词增加了新的内涵。特别为电影创作的音乐有些是图解式片段，其题目诸如《救命！救命！》或《毁的》，但也有一些较为“严肃”的作曲家创作专门乐谱，如箫士塔高维契最早创作这种体裁是为无声史诗影片《新巴比伦》所作的音乐。
有声电影带来新的挑战。作曲家必须把音乐的表现手法丝毫不差地与影片结合在一起。为此发展出一套很复杂的系统，使作曲家能够将音乐与精确的表演时间表联结，亦即在音乐里加上节拍器标记（即每分钟的拍数），再转换成“滴答”声或者电子脉冲，录制在电影胶片上。然后，透过指挥者头上的耳机播放这个“滴答信号”，据此来指挥乐团，并同时看著乐团后方的屏幕上放映的画面。这种技术上的挑战吸5〕，造就了愈来愈多熟练的电影音乐作曲家。例如为影片《飘》作曲的马克斯·史坦纳（Max Steiner）和迪米特里·蒂奥姆金（Dmitri Tiomkih），其（影片《正午> 音乐乃特意围绕著歌曲《亲爱的，不要抛弃我》开展》，后者创作的乐谱才华洋溢且华丽，堪与伟大的浪漫主义作曲家媲美。不过，人们仍然常借用“古典”曲目，并且已获得不同程度的成功。库布里克（Kubrick）《2001 宇宙奥德赛》中配以约翰·史特劳斯的《蓝色多瑙河》，用得巧妙，趣味横生；但是在迪斯尼的《幻想曲》，动画片的鹿配以贝多芬的《田园》交响曲，其效果却有待商榷。不过整体而言，不论是采用专门创作的音乐，或是古典曲目，动画片若能恰如其分地配上适合音乐，大多能获得令人赞赏的成绩。如史考特·布拉德利（Scott Bradlev）为卡通片《汤姆和杰瑞》作的配乐则相当聪明，可称为音乐双关语。而即使是最狂热的华格纳迷，也会觉得由巴格斯·邦尼（Bugs Bunny）演奏的《指环》（The Rings）指华格纳品歌剧《尼伯龙的指环》）无可挑剔。
20世纪的大作曲家，如浦罗科菲耶夫、沃尔顿（Walton）和库普兰（Copland），亦有杰出的贡献；虽然与他们的主要作品相比较，电影音乐的地位并不重要，但他们为这个领域开创了新的视野。依照伟大的俄国电影导演爱森斯坦（Eisenstein）的看法，浦罗高菲夫为他指导的影片《亚历山大·涅夫斯基》所作的配乐透过听觉和视觉节奏的精确配合，达到了声音和画面的高度统—至於沃尔顿为《亨利五世》写的音乐所获得的成功，也应该归功於作曲家和导演劳伦斯·奥利维尔之间的密切合作与相互尊重。这在讲求高效率、追求商品利益的电影界，是一个少见的例子；而阿隆·库普兰以《女继承人》的配乐获得1949年的奥斯卡金像奖，奥利维亚·德·哈维兰德（Olivia de Haviland）即因该片一炮而红。
直到今天，许多大作曲家，如马勒、阿比诺尼（Albinoni），甚至莫扎特的作品之所以家喻户晓，也都要归功於电影导演选择它来为影片塑造合宜的情调。
中国电影虽然也有不短的历史。但是在配乐方面还和西方国家有着不小的差距。我认为这个差距不久就会变成零。因为中国的作曲家，音乐家们也已将开始致力于电影音乐的发展，让我们期待民族的好电影和好的民族音乐吧！
❿ 电影主题曲音乐论文
谈《格萨尔》说唱音乐艺术
一、如何评价音乐在《格萨尔》说唱艺术中的作用
建国以来，由于国家的重视和众多专家学者的长期努力，使举世闻名的史诗《格萨尔》的抢救、整理和研究等工作取得了惊人成就。但对作为该史诗主要艺术形式的音乐的抢救、整理和研究却十分薄弱。
众所周知，在任何艺术作品中内容要起到主导作用，但其形式绝非可有可无，恰当完美的艺术形式能够把真、善、美的艺术内容广泛传播、深入人心，以致产生深刻而持久的社会作用。《格萨尔》音乐为传播这部史诗的基本内容起到了这样一种典型的巨大作用。
1、内容与形式的关系如果说《格萨尔》的基本内容是该艺术的灵魂，那么音乐就是它的躯体或血肉，因此它们间存在着不可分割的关系。根据《格萨尔》文学唱词和音乐的语调风格、节奏规律和结构格式，不难看出它们都具有源于同一个地区文化艺术的明显特征，即都是由吸收和借鉴具有浓厚地域特色的西藏康区和牧区广为流传的山歌、牧歌和强盗歌的内容和形式而成。两者不仅语调风格完全相同，而且每句唱词的头尾两处各有一节拍的单词和中间有三个每节拍双字的节奏规律，同时它们又都是八字一句，四句一首的结构格式，说明音乐与史诗的渊源关系。在昌都山歌《林中的杜鹃》的一段藏语唱词唱
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门，第一门叫做宗教门，我强盗不入这一门，手中没有供品不开门。”诸如此类的各种唱词比比皆是，数不胜数。很显然，这与《格萨尔》中的任何一种唱词完全相同。对《格萨尔》说唱音乐而言，由于说唱音乐与山歌、牧歌存在一定的差异，因而它虽然没有直接吸收山歌、牧歌等音乐素材，但仍利用或吸收了该地区的其他传统民间音乐。如以昌都民歌《美酒献给好头人》为例：
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下面是一首《达岭大战》中一个名叫阿滚的牧养人所唱的人物专用唱腔——《牧养随风悦耳曲》：
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假如我们对以上两首歌曲的基本艺术风格、音阶旋法、调式调性和节奏形态等进行比较研究，从中能够清楚地认识到，两者不仅是同一个地区的姐妹艺术，而且还可看出它们在艺术实践中相互借鉴或吸收的渊源关系。这两首歌曲虽然在结构形式上存在着较大的差异，如《美酒献给好头人》是八字一句，一句一首的较为原始的歌曲，而《牧养随风悦耳曲》是八字一句，四句一首的结构趋于完整的唱腔。但是两者间的这种差别正好说明了它们各自先后产生的历史年代以及彼此吸收、借鉴的基本传承情况；就音阶旋法和节奏形态等方面实际存在的共同特征的确清晰可见，一目了然，特别是调式、调性方面更是不谋而合地成为极其相同的歌曲。在《格萨尔》说唱音乐的旋律中，诸如此类的情形比比皆是。
2、丰富多彩的《格萨尔》音乐为传播和发展史诗的内容起到了不可替代的作用也有人会问：“《格萨尔》音乐还有什么丰富可言，无论何种人物，不分男女，也不分人畜，更不分环境和感情的变化不都是使用那几首有限的唱腔曲调吗?”其实这是一种误解。根据史诗中的明文记载，《格萨尔》唱腔音乐本来丰富多彩，但它由于完全依靠原始的口传形式保存于民间，未能以文字形式一一记录下来，使其失去了众多的唱腔。而广大的民间仍保存着许多类似唱腔。根据近代许多“仲堪”（《格萨尔》说唱艺人）的说唱表演，他们为了讲述更多更长的史诗而把主要精力集中在内容方面，对于音乐唱腔的使用还远远没有做到人物专曲专用的基本要求，因而发生各种人物共同使用几首唱腔的情形，但这绝非是《格萨尔》音乐的真实情况。根据目前这部史诗的所有说唱记载，都是为了更好地塑造和表现众多人物的艺术形象与思想感情，在每段重点唱段前不仅明确了唱腔的标题名称，而且有的人物对自己所使用的唱腔作出了种种解释或赞美。如在《霍尔岭大战》中，当格萨尔王从羌塘回到岭国时，蓝色的猎鹰在对国王的唱段中唱道：“我很想唱首《洁白的六声曲》，但我嘴角坚硬不能唱，现用首《猎鹰六声曲》唱出家中发生的诸事。”我们还可以进一步探索这一现象。如《赛马称王》全书共由56个唱段组成，其中以人物特定标题性专曲专用的唱腔就达36首之多；《霍尔岭大战》全书共由233个唱段组成，其中以人物特定标题性专曲专用的唱腔就有46首，等等。如果按此方法对《格萨尔》中的所有音乐唱腔进行统计，那么可以肯定《格萨尔》的音乐唱腔不仅丰富多彩，而且数多量大，是一种十分庞大的曲调群体。关于不同人物所使用的特定标题性专曲专用的问题，在《格萨尔》中有了简略的说明。如在《达岭大战》中，岭国要人米琼唱道：“深明行道是活佛曲，大@①九声是咒师曲；母虎吼叫是官人曲，吉祥八宝是僧人曲；我唱喜鹊扬声曲。”反映了不同人物使用标题性专曲专用的习惯。另外，随着故事情节的变化，每个主要人物又有众多特定标题性唱腔，而且为了表达不同的感情使其成为不同的种类。在《赛马称王》和《霍尔岭大战》中格萨王使用几十个不同种类的唱腔，如《大海盘绕古尔鲁曲》、《金刚古尔鲁曲》等是显示人物特殊地位的唱腔；《宛转的情曲》、《终生无变曲》、《吉祥八宝曲》是表现人物谈情说爱的曲种；《呼天唤地曲》、《呼神箭歌曲》是祀祭用的曲种；表现人物在大庭广众叙述实例的专用曲种有《大河慢流曲》、《欢聚江河慢流曲》、《高亢宛转曲》；表现人物战斗激情的专用曲种有《攻无不克的金刚自声曲》、《威镇大地曲》，等等。类似情况在《格萨尔》说唱艺术中处处可见。所有这些充分说明，音乐以其独有的艺术手段或功能塑造了众多不同人物的艺术形象，为史诗的内容增添了无比辉煌的光彩，为《格萨尔》的传播、发展起到了巨大作用。
二、吐蕃时期民族古典音乐与《格萨尔》音乐的比较研究
《格萨尔》说唱音乐是一种与众不同的“标题化”民族曲艺说唱音乐艺术作品，这是它的特点之一。为了便于论述，首先简略地说明标题音乐的基本含义以及民族音乐与民族音乐的相互关系等问题。
纵观国内外民族音乐的发展历史，“标题音乐”这一专用名称出现于19世纪西方音乐大师们的作品中，它是主要用来说明器乐作品内容的一种体裁名称之一。每个乐章有一个小标题——这些标题就是为了提供或引导广大听众探索它们的内在含义。如以贝多芬的《第六交响曲》为例，《到达乡间而引起的快感》为第一乐章、《溪边景色》为第二乐章、《大雷雨》为第四乐章。
在藏民族丰富多彩的民族民间音乐中，虽没有见到标题音乐作品，但以种种专用标题作为歌曲特定名称来说明歌曲旋律所包含内容的声乐作品还是特别繁多，如《格萨尔》中所出现的音乐的标题名称就是一个很明显的例子。关于民间音乐与民族音乐的关系问题，民间音乐是人民集体智慧的结晶，民族音乐是民间音乐的创新与发展，换句话说，民间音乐是民族音乐的根基，而民族音乐则源于民间音乐。《格萨尔》音乐是经过有人专门创作的民族说唱音乐。如果要问《格萨尔》音乐的这种特定标题名称又源于何处呢?对此只要对吐蕃时期民族古典音乐与《格萨尔》音乐进行比较研究，就可以找到其答案。
吐蕃赞普赤松德赞（730～797年）时期是藏族文化得到空前发展的一个时期，据《西藏王统记》记载，787年建成桑耶寺时，从国王至臣民百姓每人都演唱一首歌曲，“国王赤松德赞唱《国王欢乐之歌曲》……王子牟尼赞普唱《人间明灯曲》，王子牟底赞普唱《雪狮傲相曲》，王后们唱《柔枝松石绿叶曲》……莲花生大师唱《威镇鬼神曲》……壮年的男子们唱《九座虎山重叠曲》，年轻的女子们唱《鲜艳的花环曲》……”《五部遗教》中还将当时所演唱的歌曲归纳分类成“4种咒师之曲、13种首领欢歌、9种天神之曲、5种人间之曲、13种龙神之曲，以及八瑞祥物婚礼曲”等共计45种民族古典音乐。因此藏族特定标题性声乐曲的历史特别悠久。众所周知的“古尔鲁”是吐蕃时期赞普们专用的一种诗歌艺术，据记载这种诗歌都配有音乐旋律，藏语中称其为“古尔鲁”，是藏族声乐的古典歌曲之一。在《格萨尔》说唱音乐中将《大海盘绕古尔鲁曲》和《金刚古尔鲁曲》等唱腔都作为格萨尔王所特有的唱腔，说明了藏族古典音乐与《格萨尔》音乐的传承关系。又比如莲花生大师在桑耶寺竣工大典上唱的《威镇鬼神曲》和王后们唱的《柔枝松石绿叶曲》与格萨尔大王的专用唱腔之一《威镇大众曲》和珠姆王后的专用曲之一《杜鹃六声曲》的基本形式、风格特色有着前后传承的渊源关系。遗憾的是这些民族古典音乐旋律未能流传后世，使今人无法听到民族古老音乐的优美动听的旋律。
三、《格萨尔》说唱音乐的艺术特色
《格萨尔》说唱音乐具有极其浓厚的民族风格和强有力的艺术表现能力，而且显得特别概括与简练。这说明它的曲作者赋有很深的观察生活、表现生活以及以高度集中的艺术手法塑造人物艺术形象的本领。艺术要用形象来表现内容，这就是艺术反映生活的特殊手段。如果没有反映内容的形象，艺术本身也就不能存在了。《格萨尔》说唱音乐在塑造众多人物的艺术形象方面具有许多与众不同的特色。格萨尔王是该史诗中的第一英雄人物，如何在一首高度概括与简练的曲体中塑造这一英雄人物的基本形象呢?这对当时的曲作家们来说是一个难题。但是，那些无名的曲作家们早已以通观全局、高度概括、有所侧重的手法，即用最少的材料表现出最丰富的内容。如在格萨尔王的专用唱腔中，每当他与敌人面对面地进行生死搏斗时有几首唱腔，其中有一曲叫做《攻无不克的金刚自声曲》，该曲的基本旋律为：
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此曲的整个规模虽不大，但它简练而准确地塑造了一位指挥千军万马的英雄人物形象。从以下几个方面了解到它所包含的丰富内容。首先从基本节奏中清楚地看出曲作者为它精心设计了一种具有巨大推动力的节奏，这种节奏为这首唱腔的成功奠定了牢固的基础，因为节奏就是音乐的灵魂。这四句一首的唱腔中，每句头一拍的节奏极为突出地采用了一种既有强烈而独特的弹性，又能够暴发闪光的切分节奏，使它在全曲音乐旋律中仿佛起到勇往直前的推动作用。为了适应说唱音乐的特殊需要，音乐旋律特别流畅处 仅仅在十度音域之内（@②-@③）进行。当全曲使用特定的节拍，以进行曲的速度演唱的 时候，音乐像排山倒海、气吞山河般的气势显示出一幅幅气势磅礴的战斗图画，借助音 乐塑造出格萨尔王带领他的将士勇往直前的高大艺术形象。这首著名的音乐唱腔至今仍 在流传。
珠姆王后的专用唱腔中有一首充满情意、优美动听的唱腔，被称为《杜鹃六声曲》。此曲在《格萨尔》的众多女性人物唱腔中属于特别典型的唱腔之一，其基本旋律为：
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藏族认为杜鹃是春天的使者，是大地复苏、万物生长、春暖花开的季节，用表现春天的音乐旋律标题来描绘或塑造温柔多情、如花似玉的珠姆王后是非常适合的。每当人们听到这一水晶般透明闪光、充满情意、优美高雅的音乐旋律时，情不自禁地带到春光明媚的意境中，那动听的音乐旋律深深地打动着人们的心灵。这是一首五声音阶羽调式的唱腔，全曲仅在十度音域之内进行，它那流畅上口、回环曲折、乐句巧妙呼应的旋律，以及对终止音的变化处理，令人感到起落有序，表现出珠姆这一人物光彩夺目、绰约多姿的美丽形象。
四、抢救、整理和研究《格萨尔》音乐迫在眉睫
《格萨尔》说唱音乐在藏民族众多音乐种类中作为一个具有特殊重要地位的庞大的曲调群体，在漫长岁月中由于种种原因使这一珍贵的民族文化遗产渐渐地走向衰落，究其原因主要有以下几点：
1、能歌善舞的古代藏民族，虽然创造出丰富多彩的民族音乐文化，但由于当时还没有一种能够适当记录音乐旋律的谱号或文字形式，使许多珍贵的民族传统音乐未能流传下来，今天已失传的吐蕃时期的众多古典音乐就是一个典型的例子。《格萨尔》说唱音乐虽然在广大民间以口传形式流传，唱腔的标题名称也完整无缺地出现在史诗之中，而它的许多唱腔曲调已渐渐地失传。
2、和平解放西藏以前，历代统治阶级对于民间传统文化艺术缺乏最起码的保护意识，许多民族民间文化艺术始终处于自生自灭的状态，这也是《格萨尔》音乐厚古薄今的主要原因。
3、解放以后，国内外各种新的文化艺术不断传入我区，一方面极大地丰富和满足了人们的精神文化生活需求；另一方面由于新文化艺术的传入，使本民族传统文化艺术受到了空前的撞击，享受现代文化艺术生活的藏族新一代对古老传统文化的兴趣日益减退，于是传统文化艺术“人死艺亡”的状况更加严重。
根据以上情况，对音乐遗产的抢救工作迫在眉睫。要想抢救、整理和研究《格萨尔》音乐，首先必须抓紧抓好音乐唱腔的抢救工作，只有这样才能进行整理和研究工作，否则它在史诗研究领域中仍将处于一种特别薄弱的环节。十一届三中全会以来，国家特别重视对民族传统文化遗产的抢救工作，曾采取各种重大措施，投入大量人力和物力，使史诗的抢救、整理和研究工作取得了令世人赞叹的成果。但对这部史诗的整体艺术中具有重要价值的音乐的抢救仍存在许多不足之处，主要表现在对它的抢救工作既缺乏领导的足够重视，也缺乏应有的经费投入和专人负责管理等。如果这“三缺”问题得不到很好解决，那么《格萨尔》音乐的抢救工作无疑将是寸步难行，一事无成。
结语
根据本人长期搜集《格萨尔》说唱音乐的亲身体会，结合对史诗中有关音乐的分析研究，《格萨尔》音乐绝非是由东拼西凑、寥寥无几的少数曲调所组成的，它是一种属于特定标题性民族传统说唱音乐，即以独特的艺术形式，以人定曲、专曲专用的庞大的唱腔群体。它曾吸收或借鉴了吐蕃时期民族古典音乐，体现了藏民族在音乐方面所赋有的特殊才能和智慧。分析《格萨尔》音乐，其始终运用音乐固有的特殊功能，塑造出众多人物的艺术形象，为史诗的传播和发展作出了巨大贡献。为了使这一民族优秀传统文化继续发扬光大，充分显示出本民族艺术的特点，努力从事史诗《格萨尔》说唱音乐的抢救、整理和研究工作是摆在我们面前的重要任务。
希望我的回答对你有所帮助！