㈠ 如何提高小学音乐课堂有效性第一阶段的小结
一、备好课是提高音乐课堂教学有效性的前提。
要想提高课堂教学的有效性，课前准备很重要，而备课则是重中之重。在备课时要明确目标，注重过程，不能只按照教参照搬照抄。教材分析要和本课的教学目标相结合，突出鲜明、具体的特点。只有教师真正吃透、理解了教材，才能更好地把握教材，知道音乐作品中哪些要素是真正对学生有用的，对本课有用的。备课时首先要反复聆听，把自己对音乐作品的感触和理解记录下来，再用音乐术语进行整理。一旦把音乐作品分析透了，目标自然而然也清晰了，方法、形式等也相应的水到渠成了。
教材分析做到具体细致，教学目标也要做到准确清晰。在每堂音乐课中，确定好大目标和小目标整体与局部的关系。有了大目标后，制定小目标时必须注意，若干小目标都必需为实现大目标而服务，既要有针对性，又要有一定层次划分，让学生的思维层层跨越，层层爬高，而不是轻而易举地获得成功。也就是说教学中教师除了对整堂课的教学目标要清晰外，对每一个环节的小目标也要清晰。在教学环节的每一步都要清楚地知道“为什么这样做？”、“怎样才能达到我预设的目标？”在学生已知与未知之间架桥设阶，以不断激起学生“跳起来摘果子”的热情和欲望，开发学生的跳跃思维。只有围绕目标，环环相扣，才能切实提高课堂教学的有效性。
二、轻松愉悦、简单直观的教学手段，是提高音乐课堂教学有效性的重点。
在教学中，我常利用图片、实物、精美的头饰等直观教具去创设情境。如在教学欣赏课《龟兔赛跑》时，运用动画，让学生边看多媒体动画边听故事，设计一些小问题让学生自己找答案，然后将一些动物头饰分发到各小组，让小组之间进行表演比赛，同学们热情高涨，寓教于乐，丰富了学生的想象力，增强了学生的学习欲望、情绪、兴趣，一节课在轻松愉悦的气氛中度过，达到事半功倍的效果。
小学生的思绪富于具体性、形象性、知识经验较少、注意力不易集中，应多采用直观实物进行教学。教学中，运用一些直观实物教具，来辅助我们的音乐教学效果往往是出乎意料的。如在讲音乐知识的时候，在单纯音符的认识上很枯燥，又难以理解。一次看电视广告的时候给我以灵感：广告中八个孩子分吃蛋糕，划开十字分成四份后，孩子出其不意的拦腰从中分开正好八份。我就把这个设计运用在课堂上，我准备了四个苹果，一把刀子，上课时，我带着教具走进教室时，同学们都好奇地问我要干什么？显然，实物教具已经让他们产生了兴趣。讲解时，我先出示一个苹果，然后告诉学生，这个苹果能作四分音符，它唱一拍；两个苹果就是二分音符唱两拍；四个苹果是全音符唱四拍；把一个苹果平均分成两份，那么半个苹果就是八分音符唱半拍；把这半个苹果再平均分成两份，那么其中的一份是十六分音符，这一份是整个苹果的四分之一，唱四分之一拍。通过形象、生动鲜明的实物教具在同学们的面前展现，调动了他们学习的积极性，激发了他们的学习兴趣，使他们很快掌握了新知识，提高了课堂教学的有效性。
三、教师真正放手、小组合作学习，是提高音乐课堂教学有效性的难点。
学习中遇到难点，学生思维受阻时，很多学生懒于自主思考，而是等着由老师的暗示传递给他们的信息。长此以往就容易形成学生对老师的依赖思想，对音乐的敏感性自然就差了，一旦老师不作暗示，学生就无所适从了。这个时候要放手给学生，引导学生合作讨论。在学习《大河之舞》时，通过完整地聆听各种节奏，我引导学生从分析每种节奏的音乐要素上的变化，组织分组展开讨论进行分析、归纳和交流。这样的合作学习淡化了“教师讲，学生听”的固定模式，通过合作学习不仅培养了学生自己解决问题的能力，发挥学生的积极性，同时也增强了合作意识提高了教学有效性。
四、掌握好课堂节奏是提高音乐课堂教学有效性的重要方法。
课堂教学过程中学生接触的音乐作品各不相同，课堂气氛也不尽相同。要么学生积极参与，师生互动异常激动；要么整堂课学生情绪低落，课堂气氛压抑而沉闷。怎样才能更好地控制教学节奏，使音乐课堂教学更为有效，从而构成音乐课堂中的一种和谐美呢？
在研究实践中我体会到，音乐课的课堂结构要动静有度、充满美感。这里的“动”与“静”，是指教学形态的表现而言的。所谓“动”，是指课堂教学活动的一种活跃状态。如学生积极参与、涌跃发言、热情舞蹈、愉快歌唱等，是“有声有色”的教学。所谓“静”，是课堂教学中的一种相对安静状态，如学生静心聆听、深入思考等，是“无声世界”的境界。如果一堂音乐课一直处于动态，“动”多“静”少，以致于学生兴奋过度，容易使课堂处于失控状态；如果自始至终寂静，课堂气氛十分沉闷，“静”多“动”少，则学生容易疲劳，抑制学生的思维，也不能取得良好的教学效果。因此应考虑学生的年龄特点，使“动”“静”合理搭配。在低年级要以“动”为主，但也要有适当的“静”进行调节。让学生在激烈的活动后静下来，给他们以舒缓调节的空间和时间，往往能达到出其不意的效果。随着年级的升高，要增加“静”的次数，延长“静”的时间，给学生留有充分思考的余地。总之，音乐课堂教学应该是动与静的交替与有机结合，这样才能营造出一种和谐的、美的教育氛围。
有效的音乐课堂教学策略还有很多需要我们所有的小学音乐教师去研究和发掘，以上只是本人的一些拙见，在以后的教学中，我会继续努力争取摸索出更多的对音乐课堂教学有用的东西，使音乐课堂教学更为扎实、丰富而有效，需要我们在今后的实践中不断探索。争取为我们小学音乐教育的发展有所贡献。
㈡ 对通俗音乐的理解
通俗音乐（ Music）——把专业音乐创作的伤口称为“严肃音乐”，把不表现重大体裁和思想内容的作品称为轻音乐，习惯上人们把通俗易懂、情调轻松的音乐，例如小斯特劳斯的那些圆舞曲等归属这个名词之下，以后，爵士乐、摇滚乐团、轻歌剧情、迪斯科等层出不穷的群众性的歌舞形式愈来愈多，而这些音乐虽然带有自娱的色彩，但有时亦有针贬时事，抨击现实的作品，原先的轻音乐的概念很难把这些都涵盖进去，有一些媒介把这些都为流行音乐，但这样就混淆了深受群众热爱的古典与这些音乐的界线，。现在，理论家们一般都用通俗音乐一词概括这些音乐现象.
什么是通俗音乐
1、通俗音乐的源流
人类的音乐生活可以追溯到远古，人类社会的音乐艺术是丰富多彩的。当我们审视整个音乐艺术天地，可以发现，它大致呈现为两个部分：一是民间音乐（在很大程度上是传统久远的乡村音乐），一是艺术音乐（或曰严肃音乐、古典音乐）。在这中间，有一个广阔的地带，那便是通俗音乐（或者叫做流行音乐）。我们很难给通俗音乐划定一个明确的界限，它与艺术音乐以及民间音乐之间互相渗透、互相结合，组成一个五彩纷呈的音乐世界。不过，在一般情况下，它们三者之间的分野还是十分清楚的。
早期通俗音乐的创作和演出多是商业性的，在城镇中进行，因而有别于乡村色彩浓郁的民间音乐；同时，它不具有艺术音乐的那种规范性与稳定性。它的早期，在多种情况下只是口头流传。故此，有人说，通俗音乐乃是有别于艺术音乐和民间音乐，泛指一种通俗易懂、轻松活泼、易于流传、拥有广大听众的音乐。更有人说，它即是“大众的音乐”。
据国外的音乐史家们研究，在公元前的古罗马、古埃及一带，以音乐为生的行吟歌手们说在兴起的城市集镇间流动，遍及剧场和街市的“击”歌现象，为广大平民们所喜爱。到了中世纪，通俗音乐几乎覆盖了广大的社会生活和艺术天地。
通俗音乐作为一个专有名词，据称最早出现在十九世纪欧洲的报刊上。到了二十世纪，特别是第二次世界大战以后，通俗音乐名目日益繁多，风靡世界各地。电声乐器的出现和一系列现代科技手段，更使它插翅飞翔，无处不达了。
2、通俗音乐的特色
通俗音乐由于是“大众的音乐”，故大多取材于日常生活，尤以爱情歌曲居多，也有描写理想、伦理、思乡、友谊、感喟等人之常情的种种内容。它富于娱乐性，手法和风格均较自由。
通俗音乐的结构，大多比较短小精练，许多作品富于即兴性，在旋律上力求易记易唱，音域不宽。总之，十分注意通俗性。
通俗音乐的演出，十分强调群众性，强化交流。所以，大型演出甚多，灯光、美术、服装、舞蹈、音响等综合运用，往往造成十分强烈的效果。
通俗音乐在其发展过程中，越来越和新的电子科技手段相结合。除了现场演出外，它的各种传播方式无不十分现代化。
3、通俗唱法
通俗音乐的无比丰富性，也决定了其组成部分通俗歌曲演唱的丰富性，所以，有人认为，“通俗音乐的演唱千差万别，并不统一”；也有人说，“流行歌曲的演唱，几乎是没有确定规律可言的事情。它的声音表达方式，就是让你觉得具有自己的特点和个性就越好”；甚至有人说，“只要能随心所欲地哼上几句，唱上一曲，这就是通俗唱法的特点”。实际上，当已形成一种唱法之后，在具体演唱操作上，还是有其一定的规律的。
可以说，通俗歌曲题材的广泛性与平民化，音乐的娱乐性与简易化，演唱者大多为非专业人员，自娱自唱者居多，因此，很自然地形成了这样一种唱法，即多用自然嗓音，音域一般不宽，吐字清晰，亲切随意。这种因通俗歌曲而产生的唱法，即可称之为通俗唱法。
应该提到的是，通俗唱法因通俗歌曲而生，而在实践中，它又具备了一种独立性。已经有许多这样的例证，即用通俗唱法演唱正宗的艺术歌曲或民族民间歌曲，但，这只是一种派生现象。
参考资料里有本对你有用的书：
目录：
引言
第一章
第一节通俗音乐及其特征
第二节我国通俗音乐的形成与发展
第二章
第一节音乐欣赏的一般心理过程
第二节通俗音乐欣赏的方式
第三节通俗音乐欣赏的价值与意义
第四节提高音乐欣赏能力的方法
第三章
第一节通俗歌曲概述
第二节通俗歌曲的分类
第三节通俗歌曲的风格与艺术特征
第四节通俗歌曲的演唱方法
第四章
第一节灵动感人的爵士乐
第二节激情狂热的摇滚乐
第三节温馨浪漫的轻音乐
附录一百首经典中文名曲赏析
本人找到了些论文你可以参考下啊：
1、对通俗音乐和严肃音乐的理解
新闻与传播学院 编辑出版学
曾经试图以挚爱音乐和会小弹些吉他为美丽的背景，选择了西方音乐史这门通选课。几个星期前还懵懵懂懂地以为那些耳熟能详的通俗音乐完全可以作为选修这门课的资本。可是现在想起来，真是觉得好笑。通过老师对巴洛克音乐、维也纳古典音乐以及浪漫主义音乐等音乐知识的讲解，使我受益匪浅。也终于有机会写下一点东西和老师进行交流。文笔拙劣，见谅。
提起通俗音乐，几乎是无人不晓。但是相对而言的严肃音乐，就不那么容易理解了。翻了一些音乐方面的书籍，也没有找到关于严肃音乐的明确定义。索性就自己为它指定了一个范畴。我个人认为，课上老师所讲授的巴洛克音乐、维也纳古典音乐、浪漫主义音乐以及将要讲授的印象主义音乐等都应该属于严肃音乐。它的表现形式包括中外交响乐、歌剧、欧洲传统唱法等。而与此相对应的爵士乐、摇滚乐、偶然音乐、噪音音乐等就应该划归为通俗音乐的范畴中了。某音乐界前辈曾经认为“通俗音乐主要是以‘通俗唱法’为特征的歌曲演唱以及与之相匹配的各类轻音乐演奏。”可见通俗音乐的随意性和大众化特征。
那么，严肃音乐和通俗音乐这两种陆续产生并各自繁荣发展的不同音乐形式和风格之间到底是什么样的关系呢？这是自看完音乐剧“巴黎圣母院”之后便开始考虑的问题。
在欣赏这部充满现代感的经典名剧时，很多人都在为这种脱胎换骨般的音乐剧演绎形式所惊诧不已。因为贯穿其间的通俗歌手和通俗音乐完全取代了传统的以严肃音乐演绎的歌剧形式，给人一种彻底的改变和全新的感受，甚至一种新的境界。我们知道，音乐本身是一些不同音高的音的组合，那么每一种组合也就代表每一种思想，每一份情感。音乐是发自于人们心灵的声音，而不仅仅是简单的音符的堆砌。从贝多芬、莫扎特、勃拉姆斯等音乐大师的人生经历中，不难发现其音乐创作与不同时期的思想和心理状态是有着直接联系的。因此，不管是在理解严肃音乐，还是在理解通俗音乐的时候，都要力求从音乐中发现感情，发现音乐中涵盖的创作者内心世界的真实感受。从这一点来看，虽然是不同的音乐表现形式，通俗音乐和严肃音乐还是有着基本的相同点的。所以，很多人认为严肃音乐和通俗音乐简直不在一个层次上，难以相提并论，甚至认为二者互不相容、互相排斥。这些观点由此看来是欠为妥当的。当然，把严肃音乐视为阳春白雪，而把通俗音乐视为下里巴人，这并不为过。相对而言，一雅一俗，也是不无道理的。对于严肃音乐的理论、形式、风格以及变化发展，在课堂上老师已陆续讲授得十分详细，在此不一一赘述。简单分析一下通俗音乐的产生和发展情况。
西方国家以美国通俗音乐为代表，其通俗音乐起源于“布鲁斯”，也被译为“蓝调”，由美国黑人创造。布鲁斯是一种独特的表现个人情感的大众音乐，也是一种对生活中各种情感的表达和宣泄方式，取材于普通民众的生活，又传播到生活中间，并进一步完善和发展。爵士音乐还包括拉格泰姆，也译为散拍音乐，同样十分具有表现力，适合表达人们的心情。还有一种叫作美国“黑人灵歌”的爵士乐形式，不太为人所知，其风格简朴，适合普通人即兴演唱，借以抒发其不断变化的情绪。通俗音乐由此得以兴盛发展。后来又诞生出乡村音乐、摇滚乐等新的通俗音乐形式，大大丰富了通俗音乐的内容，使其终成一派。
东方通俗音乐暂以中国通俗音乐进行粗浅的介绍。通俗音乐在中国的流行始于20世纪80年代初期，文革结束之后，长期被“左”的桎梏严重束缚了的音乐方面的创造力，终于迸发出来，打破了曲高和寡的“任务”音乐的创作，融入了音乐创作者真实的情感元素，构成了适合群众口味的音乐新领域。
可见，无论东方还是西方，通俗音乐的兴起都是以特定的社会状况和社会中多数民众的普遍心理状态为背景的，也是作为人们表达生活中细微的或者敏感的情绪变化的一种手段生存下来，并随着社会的发展不断完善。因此，通俗音乐在音乐中的地位是历史、社会、人类赋予的，是顺应时代发展潮流的。所以，我们也丝毫没有理由无视它的存在。
诚然，严肃音乐和通俗音乐无论从形式还是内容上，都是有区别的。严肃音乐完整统一、有一定的体系结构，往往给人一种整体感和充实感。主题明确，表达详实、充分，调用多种正规乐器加入其间，通常选用专业的音乐演奏团体和演唱者进行演绎。因此显得华丽、正式、严肃。通俗音乐则不同，其表现形式多样，旋律和节奏上都较严肃音乐有了很大改变，更灵活、多样、贴近生活。虽然也存在主题思想，但不明确，结构上略显分散。在演绎过程中，采用的乐器和人员并非要求专业，甚至简单的一把吉他，再加上一位说唱式的歌手，就可以完成对通俗音乐的表现。因此，这种音乐形式更容易被大众接受，传播的范围也更广泛。
虽然如此，我们也并不能将它与严肃音乐进行严格意义上的“划清界限”。下面就以音乐剧“巴黎圣母院”为例，粗浅地谈一谈严肃音乐和通俗音乐的联系。
首先，应该说严肃音乐来源于“通俗”。换句话说，严肃音乐取材于现实生活。课上老师介绍过的诸多音乐家，其创作无不建立在其生活阅历和情感；历程的基础上。没有哪个音乐家可以凭空想象出乐音的排列，也没有哪个音乐家可以简单地借助空想来进行创作。“空中楼阁”是不可能建造出来的。只有将生活融入到音乐创作中去，才使音乐获得了生命，得以发展。音乐剧“巴黎圣母院”这一高压的表现形式，不也是建立在雨果来源于真实生活经历和社会背景的创作之上的吗？正是因为雨果在其作品中融入了生活的元素，社会和人类的情感元素，才能使这部小说成为惊世之作，才使其有资格被演绎成高雅的音乐艺术，进一步宣传并提高它的价值。
其次，严肃音乐和通俗音乐之间是相互补充、相互渗透和融合的。音乐剧“巴黎圣母院”就充分体现出了这一点。音乐剧自产生以来，就毫无疑问被列为严肃音乐、高雅艺术的范畴。而这次用通俗歌手和通俗音乐来演绎该剧，实为大胆创新的尝试。从演出取得的效果来看，无疑是成功的，大众普遍接受了这种新的音乐剧创作形式。人们在熟悉而贴切的通俗音乐氛围中，去体会高雅艺术的价值，去感受高雅艺术的思想，从而在其脑海中自觉地形成了一种独特的抽象的“严肃音乐”所要表达的内容。
两种音乐形式的结合是在一种特定的氛围和情感诉求中形成的。用通俗音乐来作为该音乐剧的表现形式，使演员在另一种状态下进行相应的角色转变，而观众也随之变成新的意义上的接受者，有了新的感受。在自然的情绪变化中过渡到心灵的升华，何乐而不为呢？同时，通俗音乐的运用也充实了该剧的内容，甚至使该剧的演出更灵活、更有色彩和跳跃感。试想如果按照传统歌剧形式演绎该剧，演员均采用专业高、中、低音进行演唱，还会显得如此生动、活泼吗？那自然又回归到“阳春白雪”的状态，从视觉和听觉上造成了一定的阻碍，从而拉大了与观众之间的距离，其宣传效果就必将减弱了。
由此可见，通俗不等于不严肃，严肃也不一定没有通俗的成分。二者之间的界线在特定的情况下是可以被打破的，而二者结合所产生的新的音乐表现形式，也会巧妙地创造出一种新的感受和新的氛围，从而产生新的效果。通俗音乐和严肃音乐并不是相互排斥、相互冲突的，而是完全可以融合到一起，渗透到彼此之中去的。二者相互碰撞所擦出的火花，上不可预见的神奇和梦幻的。
“落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色”，就用这首千古名句作为文章的结束吧。期待着通俗音乐与严肃音乐衍生出新的音乐产物，也期待着二者结合的又一重天。
2、 我对通俗音乐与严肃音乐的看法
02级历史系 学号00221005
二十世纪以来，随着现代工业文明和工业城市化的兴起发展，涌现出一种娱乐性“通俗音乐”文化。人们在日益加强的生活压力下，努力寻求一种解脱，一种发泄，一种反传统的叛逆性格。我认为“通俗音乐”就是在这样的背景下产生的。这种音乐形式不拘泥于结构，较少拘于成规，较原有音乐相比有朴素的美感，清新的音色，民间的气质和暖暖的人性浸染，使人容易接近而不会据人千里，不要求很高的音乐素养就可以欣赏。强调独立人格，强调对时代和对社会的感受，强调一种不妥协的精神，在对立的年代中，勇敢的反映了现实，反抗传统束缚，反抗强权政治，反抗文化专制
这样原有的音乐形式也就相对的被称为“严肃音乐”。 “严肃音乐”通常是指各种传统经典音乐和一切专业作曲家用传统或现代作曲手法所创作的音乐。并且，“严肃音乐”的传承是以学院式的严格训练来实现的，严肃音乐家总是力图在作品中最充分地展示个性，诠释深刻的命题，追求音乐技巧的创新和完美。因此，严肃音乐作为一种“精英文化”，它的创作者、演奏者、欣赏者都必须具有一定的文化素养和音乐修养。而这也就必然地将很多人或者说是绝大多数人排斥在外，而成为一种象征，是所谓社会上层的独享，象征着文化品位与社会地位。甚至在人们的潜意识中造成通俗音乐与严肃音乐的隔阂。
我认为二者作为两种音乐形式，无所谓高低贵贱之分。我们知道，“严肃音乐”起源于西方古典音乐，萌芽于中世纪的基督教音乐，经过“文艺复兴”的洗礼，王公贵族的扶持，中产阶级及市民的参与，在十八、十九世纪才得以发展成熟，当时的确是与下层人民有距离。但是在如今这个多元合理的社会中，我们可以而且应该接受“音乐无等级”这个观点。随着越来越多的人对严肃音乐的喜爱，二者原有的社会人群的身份地位已经发生了很大变化，只不过是人们的欣赏水平、品位不同，正所谓“萝卜白菜，各有所爱”。如果仅以对音乐的偏好来得出地位的高低，不免有失偏颇。当然，由于通俗音乐大众化、娱乐性而具有的高利润特点，不免受到商业炒作，引导社会舆论过多倾向与此。
另外，通俗音乐与严肃音乐的划分不是绝对的。民族乐派的音乐是严肃音乐，他们的音乐素材很多都取自民间音乐，也就是说他们也有吸收当时人们眼中的“通俗音乐”的元素。而这种吸收恰恰成就了一批音乐家，成就了一个在音乐史上有重要影响的乐派。就音乐剧《巴黎圣母院》而言，取材严肃，形式活泼，气魄宏大，将演唱、舞蹈和特技完美地组合在一起，让观众感到耳目一新，惊叹于舞台魅力的同时又感受到浪漫自由的艺术特质以及催人泪下的音乐表达。谁能说其中没有融入严肃音乐的因素呢？那是不是随着时代的发展，二者的划分也应该有所变化呢？至少我觉得会。我认为介于二者之间的“边缘音乐”会逐渐的兴起，进一步模糊二者的界限，同时进一步加强二者在技法、构思等方面的沟通，成为一个媒介。其实从内在功能上来看音乐本身就是为了使人得到美的享受，陶冶情操，放松神经，从这个角度来讲，通俗音乐与严肃音乐的划分实际上是不必要的，不是说“能捉耗子就是好猫”么？
参考资料：http://so.gobygo.com/430000/425201.html
㈢ 求一篇关于声乐欣赏选修课的心得体会
析小提琴协奏曲《梁祝》
——记孙国栋老师《音乐欣赏——声乐作品欣赏》
第四次选修课，我选报了孙国栋老师的《音乐欣赏——声乐作品欣赏》。从5月5日开始，老师讲解了从课程总括——看美国音乐舞蹈剧《猫》——流行音乐的演变——歌唱发音——歌唱方法——舞台表演——舞台装饰，最后以欣赏小提琴协奏曲《梁祝》结束了这次课程。
小提琴协奏曲《梁山泊与祝英台》在音乐形象的塑造上并非是越剧“卡戏”式的模仿，而是根据协奏曲的形式特点，对原则内容和曲调进行综合提炼，加以发展和创造。结构上根据标题内容的需要，运用了西洋协奏曲中的奏鸣曲式，很好地表现了戏剧性的矛盾冲突。在艺术处理上，为了充分发挥交响性效果，使之具有民族特色，吸收了我国戏曲中丰富的表现手法，如在显示部尾吸取了戏曲中歌唱性的“对话”形式，来表现“梁祝相爱”的主题；展开部中的“哭灵投坟”则用了京剧中的倒板和越剧中的嚣板，在小提琴演奏上，借用了我国民族乐器的某些演奏技法和效果，听来别有风味。这部协奏曲旋律优美，色彩绚丽，通俗易懂，艺术性很强，在国内誉为“民族的交响音乐”，国外音乐评论家则称它是“《蝴蝶的爱情》协奏曲”；是一部“迷人、新奇、具有独创性的作品。”
这部作品以浙江的越剧唱腔为素材，按照剧情构思布局，采用奏鸣曲式结构，单乐章，有小标题。以"草桥结拜""英台抗婚"、"坟前化蝶"为主要内容。全曲大概二十八分钟，首先五分钟叙述梁祝爱情主题，然后是快乐的学校生活，接著十八相送。从十一分钟开始进入第二段，祝英台回家抗婚不成，楼台会，最后哭灵。综合采用交响乐与中国民间戏曲音乐的表现手深入而细腻地描绘了梁祝相爱、抗婚、化蝶的情感与意境。
在呈示部中，由引子开始，描写了春天的景色，接着由主部，以单三段体的ABA形式，描绘了梁祝两人“爱情主题、草桥结拜、主题再现”的情景，然后在连接部出现了自由华彩段。副部是由回旋曲体以ABACA形式构成，描写梁祝二人同窗三载，共读共玩的情趣。结束部写出了两人“十八相送、长亭惜别”情景；展开部写出了“抗婚”、“楼台会”、“哭灵一控诉一投坟”三个场景。最后的再现部(省略副部)出现了美妙、神秘而有如梦幻般的“化蝶”世界。
呈示部：乐曲开始，在轻柔的弦乐震音背景下，长笛以其纯净甜美的音色吹出明亮跳跃的华彩旋律，展示出一幅风和日丽、鸟语花香的春天美景。接着，由双簧管奏出优美抒情的旋律。之后，在清淡的竖琴伴奏和木管乐器呼应下，独奏小提琴在明朗的高音区奏出纯朴、优美、极富诗意的爱情主题。大提琴潇洒浑厚的音调随后加入，与独奏小提琴进行着交流对答，描写梁祝二人在草桥亭畔相互结拜、心心相印的情景。乐队全奏，重复爱情主题，独奏小提琴起而应和，主题思想得到进一步深化。最后，乐队将副部主题再次重复一遍，音乐进入结束部。结束部由爱情主题发展而成。在弦乐颤音背景上，出现小提琴与大提琴的对答，生动地表现了“十八相送，长亭惜别”的柔情和动人场面。
展开部：这是整部作品戏剧性发展的中心。音乐转入阴郁的气氛，由大提琴和巴松管奏一个阴沉的下行乐句，出现大锣、定音鼓声和乐队演奏的不协和音响，制造出阴森恐怖的气氛，预示着悲剧的降临。突然，由大管、圆号、长号、大号和低音弦乐奏出代表封建势力残酷凶暴的主题。独奏小提琴用戏曲散板的节奏描绘祝英台的惶恐不安和痛苦心情。经过乐队强烈的间奏，小提琴以强烈的切分和弦奏出由副部变化而来的“反抗”生题。刻画出祝英台誓死不屈的反抗性格和精神。这一主题与封建势力主题反复交替出现，情绪越来激动，形成了强制与反抗的斗争高潮，封建主题占据了优势。
再现部只再现了呈示部的主部主题一爱情主题。长笛以美妙的华彩旋律，在竖琴的伴奏下，把人们带入神仙般的境界中。在加弱音器的弦乐背景上，独奏小提琴和第一小提琴加弱音器奏出爱隋主题。由于弱音器的使用和钢片琴富有特色的伴奏音型，使得这时的爱情主题较之在呈示部中出现时，具有一种轻盈飘渺、朦胧神秘、崇高的色彩，既象征一种美妙的梦幻世界，又表达出一种无限眷念、追忆、敬仰和崇敬的感情。爱情主题的重复演奏，使这种感情不断得到升华。最后，音乐在慢板中静静地结柬。
《梁祝》整部协奏曲由于作者艰苦地进行严肃的艺术思维和创造，呈现出纯朴、清逸、幽思并带着浓郁民族风格的泥土芳香和仙乐般的境界，而又运用西洋音乐的体裁和技法，成功地塑造出当代小提琴中国民族音乐史上的经典之作。
㈣ 请从你所知道的角度，介绍中国通俗音乐的产生和发展
起步曲折期（20世纪初）
1927年，黎锦晖创作的《毛毛雨》、《妹妹我爱你》等歌曲，标志着中国通俗歌曲的诞生。由此开启了中国通俗歌曲创作的第一个历程。黎锦晖成为中国通俗音乐的奠基人。
当时，中国的歌曲创作大致分化为两大潮流：一、以聂耳、冼星海为代表的大众进步歌曲。二、以黎锦晖为代表的城市商业化的流行歌曲。
总体看，早期中国通俗歌曲作品题材狭窄，演唱矫揉造作。随着抗日救亡的时代要求和救亡歌曲的兴起，当时的通俗歌曲很快退出了历史舞台。
再生模仿时期（20世纪80年代初）
改革开放以后，通俗歌曲才悄悄回到中国音乐生活中来，“抒情歌曲”迅速取代了“队列性群众歌曲”成为当代歌曲的主要体裁。歌曲的音乐语言也渐渐向人们的心灵贴近。1980年，“歌星”成专称。以李谷一、郑绪岚、成方圆等为代表，他们的演唱形成了抒情歌曲、通俗民歌或艺术性通俗歌曲唱法的新风格。
这一时期港台歌曲的大量输入，成为最重要的音乐文化现象。首先是邓丽君歌曲产生了巨大的冲击波，对内地通俗歌曲发展产生广泛而深刻的影响。一批通俗歌谣体的台湾校园歌曲走红内地。
独立发展时期（80年代中期——末期）
1986年是中国流行音乐发展史上的一个重要年份，标志着内地通俗歌曲的崛起。最突出的标志有两个：一是里程碑式的作品《让世界充满爱》。二是具有中国气派的“西北风”的盛行。
由中央电视台主办的第二届青年歌手电视大奖赛首次单设了通俗唱法，正式确立了通俗唱法和通俗歌曲在音乐领域的地位，使通俗歌曲有了自己的一片天地。
探索深化时期（90年代上半叶）
一、摇滚乐在北京获得较大的发展；
二、电视剧音乐成为一个特殊的创作领域；
三、电视晚会成为继大型歌会、歌手大赛之后最具影响力的通俗歌曲推广形式；
四、亚运会征歌活动取得一定成效；
五、港台歌曲冲击大潮和大陆青少年崇拜偶像追星族浪潮的兴起。
开放分化时期（1996年至今）
内地通俗歌曲受欧美通俗歌坛的影响越来越大。淡化旋律、强化节奏。更加另类、时尚、超前。通俗歌曲样式和消费口味多样化趋势越来越明显。表演模式上各种演唱组合成为一大亮点。通俗歌曲发展的空间越来越大，与国际通俗歌坛的交流越来越频繁。
通俗歌曲的定义：
一般来说，是指那些用富于个性的自然的嗓音演唱为主的，主要用以表达普通人的思想情感、反映平民日常生活的，旋律相对易记易唱、结构短小简练，节奏具有现代感的，一般用电声乐器伴奏、表演大多比较自由夸张的音乐歌唱样式。
影视音乐
影视剧是现代文化生活中最具大众性和社会影响力的艺术样式。电影、电视剧因情节发展、人物情感传达的需要，常常借助音乐特别是通俗音乐来强化艺术感染力，来调动现代观众的情绪。影视歌曲能更好地抒发影视中人物情感，烘托画面的情绪与氛围，加强画面的视觉形象效果。因此，影视插曲成为通俗歌曲大显身手的地方。影视剧歌曲中的一些佳作，既反映生活又贴近大众，通俗易唱，焕发着动人的艺术光彩。许多著名词曲作家，如乔羽、谷建芬、徐沛东、三宝等人都为影视剧创作了大量的优秀作品。
校园歌曲
“校园歌曲”一词最早见于1978年4月的台湾杂志。它是针对低级、污秽的通俗歌曲与洋歌而创作的。这种内容健康、立意新鲜、曲调优美、形式简单的歌曲一经出现便传遍各个校园。内容以写景较多，借景抒情，或爱国怀乡、思友念旧。如《童年》、《橄榄树》、《乡间小路》等。由于台湾校园歌曲具有自然、清新的气质且格调高雅，得到有关人事的首肯。作曲家谷建芬作了《清晨我们踏上小道》、《脚印》、《校园的早晨》等具有内地特点的校园歌曲。1994年后，以高晓松、老狼为代表掀起了在校大学生自创自唱的第二次校园歌曲的高潮。此时校园歌曲被称为“校园民谣”。主要作品有《同桌的你》、《睡在我上铺的兄弟》、《文科生的一个下午》等。
《绿叶对根的情意》
1987年第四届贝尔格莱德国际音乐节通俗歌曲大奖赛上，由王键作词、作曲家谷建芬专门为参加比赛而创作、毛阿敏演唱的大获成功。歌曲获作品奖第四名，毛阿敏获得演唱和观众奖第三名，这是我国通俗歌曲和歌手在国际大赛中首次获得较高名次。这首歌于己于1989年问世，时过多年，现在听起来仍然魅力不减，成为专业创作中能经得起时间考验的、经典的作品。
港台流行歌曲
80年代初港台歌曲的大量输入首先是邓丽君的歌曲对内地通俗歌曲产生而深刻的影响。许多内地女歌手都模仿邓丽君的唱法。同时进入内地通俗歌曲市场的还有徐小凤、齐豫、蔡琴、罗文等。香港电视剧也进入内地市场，如《霍元甲》、《上海滩》、《万水千山总是情》等电视剧的主题歌都成为那个年代最火
㈤ 中国通俗音乐的产生
通俗音乐（Popular Music）——把专业音乐创作的伤口称为“严肃音乐”，把不表现重大体裁和思想内容的作品称为轻音乐，习惯上人们把通俗易懂、情调轻松的音乐，例如小斯特劳斯的那些圆舞曲等归属这个名词之下，以后，爵士乐、摇滚乐团、轻歌剧情、迪斯科等层出不穷的群众性的歌舞形式愈来愈多，而这些音乐虽然带有自娱的色彩，但有时亦有针贬时事，抨击现实的作品，原先的轻音乐的概念很难把这些都涵盖进去，有一些媒介把这些都为流行音乐，但这样就混淆了深受群众热爱的古典与这些音乐的界线，。现在，理论家们一般都用通俗音乐一词概括这些音乐现象.
什么是通俗音乐
1、通俗音乐的源流
人类的音乐生活可以追溯到远古，人类社会的音乐艺术是丰富多彩的。当我们审视整个音乐艺术天地，可以发现，它大致呈现为两个部分：一是民间音乐（在很大程度上是传统久远的乡村音乐），一是艺术音乐（或曰严肃音乐、古典音乐）。在这中间，有一个广阔的地带，那便是通俗音乐（或者叫做流行音乐）。我们很难给通俗音乐划定一个明确的界限，它与艺术音乐以及民间音乐之间互相渗透、互相结合，组成一个五彩纷呈的音乐世界。不过，在一般情况下，它们三者之间的分野还是十分清楚的。
早期通俗音乐的创作和演出多是商业性的，在城镇中进行，因而有别于乡村色彩浓郁的民间音乐；同时，它不具有艺术音乐的那种规范性与稳定性。它的早期，在多种情况下只是口头流传。故此，有人说，通俗音乐乃是有别于艺术音乐和民间音乐，泛指一种通俗易懂、轻松活泼、易于流传、拥有广大听众的音乐。更有人说，它即是“大众的音乐”。
据国外的音乐史家们研究，在公元前的古罗马、古埃及一带，以音乐为生的行吟歌手们说在兴起的城市集镇间流动，遍及剧场和街市的“击”歌现象，为广大平民们所喜爱。到了中世纪，通俗音乐几乎覆盖了广大的社会生活和艺术天地。
通俗音乐作为一个专有名词，据称最早出现在十九世纪欧洲的报刊上。到了二十世纪，特别是第二次世界大战以后，通俗音乐名目日益繁多，风靡世界各地。电声乐器的出现和一系列现代科技手段，更使它插翅飞翔，无处不达了。
2、通俗音乐的特色
通俗音乐由于是“大众的音乐”，故大多取材于日常生活，尤以爱情歌曲居多，也有描写理想、伦理、思乡、友谊、感喟等人之常情的种种内容。它富于娱乐性，手法和风格均较自由。
通俗音乐的结构，大多比较短小精练，许多作品富于即兴性，在旋律上力求易记易唱，音域不宽。总之，十分注意通俗性。
通俗音乐的演出，十分强调群众性，强化交流。所以，大型演出甚多，灯光、美术、服装、舞蹈、音响等综合运用，往往造成十分强烈的效果。
通俗音乐在其发展过程中，越来越和新的电子科技手段相结合。除了现场演出外，它的各种传播方式无不十分现代化。
3、通俗唱法
通俗音乐的无比丰富性，也决定了其组成部分通俗歌曲演唱的丰富性，所以，有人认为，“通俗音乐的演唱千差万别，并不统一”；也有人说，“流行歌曲的演唱，几乎是没有确定规律可言的事情。它的声音表达方式，就是让你觉得具有自己的特点和个性就越好”；甚至有人说，“只要能随心所欲地哼上几句，唱上一曲，这就是通俗唱法的特点”。实际上，当已形成一种唱法之后，在具体演唱操作上，还是有其一定的规律的。
可以说，通俗歌曲题材的广泛性与平民化，音乐的娱乐性与简易化，演唱者大多为非专业人员，自娱自唱者居多，因此，很自然地形成了这样一种唱法，即多用自然嗓音，音域一般不宽，吐字清晰，亲切随意。这种因通俗歌曲而产生的唱法，即可称之为通俗唱法。
应该提到的是，通俗唱法因通俗歌曲而生，而在实践中，它又具备了一种独立性。已经有许多这样的例证，即用通俗唱法演唱正宗的艺术歌曲或民族民间歌曲，但，这只是一种派生现象。
㈥ 对中国流行音乐的总结的概括
流行音乐(Popular music)是属于一种有着广泛听众极具吸引力音乐，相较于艺术音乐站和传统音乐。流行音乐是一个不分年龄人人共享音乐以“雅俗共赏”通称。 “一个共同的方法来定义流行音乐是将活动的规模与流行”，如“乐谱或录音销售”。这种方法有问题，因为“不重复计算听证会，反应深度没有的功能，社会不同的观众都被视为一个市场，汇总之间不存在任何音乐风格差异”。另一种方式来定义流行音乐是“连接传播手段普及”（例如，正在播出的电台），但是，这是问题，因为“所有的音乐，从各种民俗，到前卫，都受到群众调解“。第三种方法来定义流行音乐，是基于”社会团体 - 无论是广大观众或某一类（最常见的，但并不总是）打工仔“，这种方式有问题，因为社会结构不能简单地覆到音乐风格。这三个办法“过于偏向”和“太静态”。此外，流行音乐的“谅解随着时间的推移发生了变化”。 在流行音乐中最经常截面，最常见的部分是诗，合唱或不和桥梁。其他常见的形式包括32杆的形式，诗歌，合唱的形式，和12酒吧蓝调。流行音乐的歌曲组成，很少使用的每个不同的音乐节歌词以这种方式组成的（歌曲说成是“一条龙组成的”）。 在诗歌和合唱团被认为是主要因素。每一个诗一般具有相同的旋律（有一些轻微的改动可能），但对于大多数的歌词诗句的变化。合唱团（或“不要”）通常有一个优美的短语和关键的抒情路线，重复。流行歌曲可能有介绍和结尾（“标签”），但这些因素并非必要对大多数歌曲的身份。流行歌曲使用诗句和合唱往往有一个桥梁，其中，顾名思义，是一节连接的一个或多个点，这首歌的诗歌和合唱团。 合唱团的诗歌和整个通常是重复一首歌虽然桥梁，介绍和结尾（也称为“outro”）通常只使用一次。一些流行歌曲，可能有一个单独部分，特别是在岩石或布鲁斯影响的流行。在单人第一个或多个乐器演奏一旋律线可能受到的歌手，或在蓝调或爵士使用的影响，流行的旋律，在单人可能会即兴根据和弦进展。阿独奏通常拥有1演奏家（例如，吹鼓手和萨克斯球员单一乐器演奏（例如，一个吉他手或口琴）或较少）。32个酒吧窗体使用四节，最常见的八项措施，长有（4 × 8 = 32），2节经文或A，B区形成对比（桥或“中间八”）和对诗的回报在最后一段（阿巴）。诗歌，合唱形式或ABA的形式可结合阿巴形式，复合阿巴形式。如A1和A2的变化也可以使用。一个和弦进行重复可能标志着关闭，如12酒吧蓝调在一个简单的表格只诗节。
㈦ 观看中国流行音乐的感受600字
魏晨名符其实的“白日梦想家”：极具人气的魏晨率先登台，演绎串烧歌曲《帽子戏法＋白日梦想家＋我们在改变》。扎实的唱功、出众的表现，瞬间燃起了现场的火爆气氛。作为MusicRadio的老朋友，他凭借最新专辑《白日梦想家》在“全球流行音乐年度盛典”中获得了“年度最受欢迎男歌手”。自出道至今，魏晨每一年都交出一张优异的音乐成绩单, 回首过去8年的歌手之路, 魏晨总觉得自己好像做了一场白日梦，幻想自己有朝一日能够一鸣惊人,但也正因为他对音乐梦想的坚持, 终于让他成为名符其实的“白日梦想家”!
刘若英强势回归再度开唱：奶茶刘若英空降“全球流行音乐年度盛典”，荣获了“年度最受欢迎女歌手”及“台北HitFm联播网推崇大奖”。华丽回归再度开唱的刘若英在盛典当晚温暖献声，接连为大家带来六首歌曲串烧，不仅演唱《为爱痴狂》、《很爱很爱你》、《后来》等一系列治愈系情歌，更演绎了新专辑中的同名歌曲《我要你好好的》。此次强势回归让歌迷们惊喜万分，频频引发现场大合唱。
林俊杰再攀音乐新高度：自2011年第一届年度盛典举办至今，林俊杰每年都有作品获得“全球流行音乐金榜”的肯定。去年底他又发行了全新专辑《和自己对话》，并凭借此张专辑在本届盛典中斩获了“年度最佳男歌手”、“年度最受欢迎专辑”等多项大奖。此次受邀出席音乐盛典并为大家带来新歌《不为谁而作的歌》，流露出林俊杰对音乐的认真态度，为现场营造出温暖的氛围。
G.E.M.邓紫棋实力歌声实至名归：2015年，G.E.M.邓紫棋睽违三年时间发布全创作专辑《新的心跳》，并斩获本次盛典“年度最佳女歌手”及“新加坡UFM100.3推崇大奖”。专辑中十首歌曲的词曲创作全部由邓紫棋一手包办，整张专辑呈现出前所未有的视听体验。盛典现场，邓紫棋为大家自弹自唱深情演绎歌曲《再见》获得现场观众掌声连连。
㈧ 学习通俗歌曲的心得体会
许多人都喜欢唱歌，都希望自己有一副好嗓子。当家人或朋友聚会时，能放声歌唱，用歌声抒发个人的感情，表达对亲人的问候，那多开心啊！
也有人，觉得自己的嗓音不错，就想在唱歌上有所发展，因此，学习唱歌很下工夫。有的人，当发现自己唱歌力不从心，有些歌自己驾御不了，自己的嗓子不够理想时，就想要学学唱歌的方法，正所谓“书到用时方恨少”。
谈到学唱歌，有人又会提出另外一些问题，比如，年龄啊，能学会吗等等。我认为，这得看你学唱歌目的是什么。如果你的学习目的，只是在家里、在朋友聚会的时候唱唱歌,想把歌唱的好点，并不想去当演员、搞专业的演唱，那么，你就放心大胆的去学吧，不要想年龄、也不要想能不能学会，能不能学好，因为除去亲朋好友，没有人对你的歌唱进行评论。你可以根据自己的条件制定自己最终要达到的目标, 定目标千万不能好高务远, 对学习的进度也不能急于求成,一定要踏踏实实地、按部就班地练习,只要有信心、有决心、能坚持练习，经过努力，一定能在原有的基础上得到提高。至于提高到什么程度，一要看老师的教学方法是否对路，二要看你的悟性，看你是不是能够理解老师的要求，三要看你的学习态度，练习是否刻苦、认真。
如果你学唱歌的目的，是想考学、是想当演员，那么，你必须找一位有经验的老师，让老师先考核一下你的条件，看你是否适合学习这个专业，如果适合，那么，你就应该按老师的要求，认真练习，并且比那些只想业余唱唱歌的人更下功夫才行。另外，你除去学声乐、练习唱歌之外，还要学习一些别的课程——乐理呀、视唱啊、乐器呀等等。
每一位将来想以唱歌为职业的人，在去学唱歌的时候，都必须明确自己学习唱歌的目的是什么，不是因为“好玩”，不是因为自己对唱歌有“兴趣”，而是因为自己“热爱”歌唱事业，必须把唱歌当成“事业”来对待才行。而且要认识到：学唱歌不是一件容易的事。光有兴趣、有热情是不够的，还要有决心，有毅力，有克服任何困难的思想准备才行。
大家知道，音乐有两种：器乐和声乐 。器乐就是人用乐器演奏音乐，声乐则是我们自己用嗓子歌唱。而唱歌的乐器，就长在我们自己的身上，这个乐器不同于器乐演奏时使用的乐器。器乐演奏所使用的乐器，是在工厂里制造好了之后，我们拿来就用。我们身上这个唱歌的乐器，是我们自己在学习唱歌的过程中，制造和逐渐完善的。所以，学唱歌的过程就是制造和完善这个乐器的过程，而且这个过程不是短时间所能完成的。它是一个长期的过程，只学几个月，或一、二年，是不能把这个乐器制造好的。也就是说，我们唱歌的能力，唱歌水平的提高，是不能速成的。
我们学唱歌，就是学习如何掌握和运用我们身上这个唱歌乐器的过程。通过气息、共鸣、发声、吐字等的学习，逐渐学会运用和支配我们的发声器官，使之能发出合乎艺术要求的歌声。这个学习的过程，也是一个技术、技能的训练过程，而技术、技能的训练和掌握没有不费时、费力的。唱歌，是脑力劳动，也是体力劳动，决不是一个轻松的活动。俗话说：“台上一分钟，台下十年功”。任何想在唱歌上有所成就的人，都要有吃苦、受累的思想准备。所以，学唱歌的人，必须有一个强健的体魄，另外，在学习的过程中还要善于动脑子，会思考、善琢磨，不断总结自己的心得体会，找出自己的优缺点，掌握克服自己毛病的方法。
我们在学习声乐的过程中，欣赏音响资料要有选择，对市面上流行的歌曲，要分辨优劣，不能盲目模仿，要重视老师介绍的资料，按老师的要求，去认真欣赏，在头脑里建立起正确的声音形象。
具体地说，学习声乐的方法，可以从以下四个方面入手：
1、听。 老师讲的内容，老师的范唱，老师推荐的音响资料，都要认真听。尤其是要认真听老师对自己的评价，记住老师告诉你的话，记住自己的优点，知道自己的缺点，知道如何克服自己歌唱时的毛病，知道克服的方法和手段，对老师讲的，只有听进去了，心中有数了，课后才能有目的地去练，只有认真地练，才能巩固成绩、克服缺点，才能有学习的进步。对老师推荐的音响资料如果不能认真去听，你的头脑里就没有歌声的形象，就不知道自己唱出来的声音好不好，就没有目标，没有追求，没有模仿的对象，课后的练习肯定是盲目的。
2、想。 就是动脑子思考、琢磨，一定要动脑子想清楚：老师要求的歌唱状态，歌唱方法上的具体操作要求和注意事项；听老师的范唱，听音响资料，都要动脑筋想，想什么？想人家在歌唱时是怎样一种歌唱状态，用的是怎样的歌唱方法，人家怎样运用气息，怎样咬字吐字，怎样理解和表达歌曲的内容和感情。还要想：自己能唱到这样吗？差距在那里？是技术不够还是对歌曲的理解不够？只有想对了，才能唱对，只有想好了，才能唱好，只用嘴唱，不动脑筋的学习方法，是不可取的。
3、练。 就是实际的练习。一定要保证足够的练习时间和练习次数。不论是老师领着练，还是自己练，都必须明确练习的内容，练习的方法，练习的目的，对不对的标准。练，一定要按老师的要求去练，不能课上学老师的练习方法，课后又另练一套，比如，不练老师留的发声练习曲和歌曲，而去唱社会上流行的歌曲，或者不按老师教的方法练习，而是用自己的方法去练，这样练，肯定完不成老师的作业，达不到老师的要求，你在课下这样练，你的歌唱方法不一定正确，方法不正确，就可能养成不好的习惯，弄不好，还会把嗓子练坏。因此练习的时候，一定要按老师的要求，按部就班，循序渐进，持之以恒，用正确的方法去练，学习才能少走弯路，事半功倍。三天打鱼，两天晒网，练练停停是绝对学不好的。
4、审。 就是要养成对自己的歌唱和对别人的歌唱进行评价的习惯。要用审视的态度，来评价自己或别人的演唱。如果你对别人的演唱有想法，但是没有机会把自己的意见公开发表出来，你也要经常在脑子里议论、琢磨。对自己同伴的演唱，要善于找出优点，也要能够指出缺点，对别人的歌唱做不出评价的人，对自己也不能有正确的评价，没有评价，不知道自己的优点，不清楚自己的缺点，连自己练的对不对都不知道的人，练，肯定是盲目的，有了进步，也不知道是怎么取得的，停止不前也不知道问题出在哪里。这样学，肯定进步不会很快。
另外，学声乐的人，如果有条件，应该多观摩别人上课。别人上课的时候，自己要对他的练习和演唱做评价，然后仔细听老师的评价，把老师的评价和自己的评价加以对照，这样做的话，虽然自己没有上课，可能比自己上课的收获还大。
再有就是观摩和演出，包括观摩业余的和专业文艺团体的演出，在观摩的时候，也要用前边说的态度在头脑里做评价。如果没有条件观摩演出，要想办法多看音像资料，同样，看音像资料也要评价。有条件应该在班级、学校，以及社会上的演出，在实践中锻炼自己。
另外，在学习的过程中，要养成做笔记的习惯，因为老师讲的内容，是根据当时的具体情况有针对性的提出来的，今天提一个呼吸问题，明天提一个共鸣问题，今天提喉头的问题，明天又提吐字的问题，哪个问题都得注意，都得去练，只有把老师分散提出来的问题都练到了、练好了，达到要求了，才能使自己的歌唱状态逐渐正确，歌唱水平逐渐提高。如果不做笔记，老师讲的内容，过后就可能忘了，忘了，就不可能去练，不练怎么能有进步呢！
最后，我还要指出一点，就是要善于学习，勤于实践，虚心听取别人的意见。在学习期间要听老师和同学的意见，当演员的，还要听观众的意见。只有不断用审视的态度总结自己的学习和演唱、不断改正自己的毛病，演唱和业务水平才能不断得到提高。
㈨ 学习中国音乐的感受论文
如何欣赏音乐
马俊辉
(黑龙江八一农垦大学人文社会科学学院,黑龙江大庆163319)
摘要:音乐欣赏是以具体音乐作品为对象,通过聆听的方式及其他辅助手段,来体验和领悟音乐,从
而得到精神愉悦的一种审美活动。民族音乐是一个国家民族文化的重要组成部分,因而作为中国人理所应当
地接受中国民族文化的熏陶。民族音乐教育在音乐教学中运用的方式包括:以感受体验为主导的教学方式和
以丰富人文内涵为主线的教学方式等。
关键词:音乐;欣赏;民族
中图分类号: J 605文献标志码: A文章编号:1672-5409(2007)08-0091-03
音乐欣赏是以具体音乐作品为对象,通过聆听的方式及其他辅助手段来体验和领悟音乐,从而得到精
神愉悦的一种审美活动。在音乐欣赏教学中,我们力求通过对不同音乐作品的欣赏,培养学生终生渴望欣
赏美好音乐的情感,使他们的心灵终生与音乐息息相通。
一、音乐欣赏
(一)音乐鉴赏能力的形成
1.音乐欣赏能力的形成:多听、多欣赏
听得多了,自然慢慢地就能听得懂,这是一个相对的过程。开始觉得好听,就要经常去听。当然,开
始时可能只是一种朦胧、初步的感受。如果继续听下去,就能逐渐感受到音乐的变化和特点,不但能够辨
别出不同特点的旋律、节奏和音色,同时对音乐所表达的感情、意境也会有所领会,那么在一定程度上就
可以说是听得懂音乐了。多听音乐,还应该多听各种各样的音乐,不断扩大自己的音乐欣赏面,正如科普
兰所说的那样:全部投入音乐意味着要扩大自己的趣味,只喜欢传统类型的音乐是不够的。趣味像灵敏度
一样,在某种程度上是天生的,但这两者都可以通过明智的练习得到发展。这就是说对各个时期各种流派
的、新的和旧的、保守的和现代的音乐都要听,这意味着尽可能不带偏见地聆听。广泛地倾听各种类型和
不同风格的音乐,一方面可以增进学生对音乐的爱好和兴趣,同时还可以使学生从对音乐作品的比较和鉴
别中提高音乐鉴赏能力。我国著名音乐家朱践耳先生主张音乐家必须具备四副耳朵:即听古典音乐的耳
朵、听民族民间音乐的耳朵、听现代音乐的耳朵、听流行音乐的耳朵。广泛地倾听各种类型和风格的音乐
作品,对于增进学生学习音乐的兴趣,开阔视野,增长知识,提高对音乐作品的鉴赏能力大有裨益。可以
说,音乐欣赏就是一部包罗万象的网络全书,它与其他艺术门类、其他学科有着千丝万缕的联系,不同的
音乐作品可以涉及到诸如历史、地理、自然和风土人情等许多方面,大大开阔了学生的音乐视野。总之,
音乐是声音的艺术,只有通过欣赏者自己的聆听、欣赏,才能逐步获得音乐欣赏能力,除此之外是没有其
他捷径的。
2.聆听需要插上想象的翅膀
丰富的想象力是欣赏音乐不可或缺的重要手段。音乐是抽象的艺术,这一点是它与绘画、雕塑等艺术
门类最大的区别,但并不是说音乐是不可感知的,它可以通过各种音乐要素使模糊的东西具体化和造型
化。同一首作品,不同的人的感受必定是不同的,甚至同一个人在不同时间里对同一首作品的感受也可能
是不同的。正所谓“有一千个读者,就有一千个哈姆雷特”。在音乐欣赏教学中,应不失时机地培养学生
的想象能力,鼓励学生自由想象,发挥他们的创造性思维,通过“音乐的耳朵”感受不同情境的音乐作品。例如,学生在欣赏陈纲编曲的小提琴独奏曲《苗岭的早晨》时,应启发他们注意聆听乐曲中模仿鸟
鸣的声音和力度的变化,引导他们自然地联想到这是描写早晨的音乐,进一步引导学生想象出不同的早晨
的景象,再通过分析乐曲的旋律素材运用苗族音乐的特点,最终联想到这是苗岭的早晨。
3.反复聆听,充分发挥通感作用
通感是人类不同器官之间的相互联通。人类的视觉、听觉、嗅觉、味觉、触觉五种感官表面上互不干
扰,实际上却相互感通,我们经常会在欣赏一幅花鸟画的时候,仿佛闻到了花香,听到了鸟叫,在听赏一
首抒情曲时,仿佛看到了青山绿水的景象。这都是通感在起作用。白居易的《画竹歌》中“举头忽看不
似画,低耳静听疑有声”;韩愈的《听颖师弹琴》中“喧啾百鸟群,忽见孤凤凰”也都说明了这一点。例
如,在欣赏印象派作曲家德彪西的钢琴作品《月光》时,可让学生在第一次聆听时,利用手中的纸笔
画出自己对音乐的感受,通过色彩与线条,把听到的音乐表现出来,再请学生根据自己所画的内容为乐曲
起名。第二次聆听时,可请学生朗诵法国印象派诗人魏尔伦的诗《月光》,进一步感受乐曲意境,最后出
示莫奈的名画《日出-印象》,让学生边看画面边聆听音乐,留下深刻的印象.在欣赏教学中,还可以发
挥其他各个器官的作用,积极地参与到音乐之中,如拍手、点头、跺脚、晃身、演唱、舞蹈等与听觉相结
合,让“音乐的耳朵”和运动的身体建立起密切的合作关系,使学生全身心地投入,尽情地表现,发挥
各个感官之间的通感作用,促进学生更深入地理解音乐,发展他们的艺术思维能力和创造能力。
(二)学习有关音乐知识
音乐是听觉的艺术。音乐传入人的耳膜,刺激大脑中枢神经,能够使人体分泌多种有益的生化物质
从而达到净化心灵,陶冶性情的作用。按理说,人只要有健全的听觉,就能够听音乐,但人仅有健全的听
觉,却不一定能听懂音乐。马克思说:“对于非音乐的耳朵,最美的音乐也是没有意义。”古人云“七弦
为益友,两耳是知音”。如果想通过聆听深刻感受、体验、理解音乐,就需要具备“音乐的耳朵”。“音乐
的耳朵”是要通过培养训练才能获得的。在欣赏教学中,必须培养学生对音乐作品的节奏、旋律、和声、
速度、力度、调式、织体等各个基本要素具有敏锐的感知能力,通过不断的实践和体验,逐步感受音乐作
品的情感内涵,使转瞬即逝的音乐给他们留下鲜明而又深刻的印象。为了培养学生的音乐鉴赏能力,学习
一些音乐知识,不仅是有益的,而且是必须的。特别是欣赏一些比较大型的、结构复杂的音乐作品,例如
交响曲、协奏曲、歌剧等,更要尽可能多学习一些音乐知识。音乐知识的范围很广,学生不可能全部掌
握,这就要求有选择地学习和掌握一些音乐的基础知识。这些知识,一方面是关于乐理的知识,例如音阶
和调式、主题和旋律、节奏和节拍以及乐谱的读法等。学习这些乐理知识,并不是要求每一个学生对乐曲
进行理性的纯技术分析,那是音乐理论家的任务;而是要求学生学了这些理论知识,去更好地感受和欣赏
音乐。另一方面是关于音乐背景的知识,这包括音乐作品产生的历史时代,作品的风格流派,作曲家的生
活经历、艺术道路、创作个性以及具体音乐作品的创作意图等。学习这些知识不是为了对音乐作品进行概
念上的分析,而是使学生不仅能够了解音乐作品的外部音响形式,而且还能通过这些音乐知识去进一步了
解音乐作品的丰富内涵,从而有助于学生更全面、更深刻地理解和领会音乐作品。
(三)提高文化修养,丰富生活阅历
音乐鉴赏能力是文化艺术修养的重要组成部分,同时文化艺术修养又在很大程度上决定着音乐鉴赏能
力所达到的水平。有些音乐作品作为综合艺术的一部分发挥着不可替代的独特作用,例如电影、戏剧、舞
蹈中的音乐部分。还有些音乐作品是根据其他文学艺术的题材重新加以创作的。这些音乐作品无论从作品
的题材或表现内涵来说,都和一定的文学艺术作品密切相关。这样,丰富的文化艺术修养,对于理解这类
音乐作品就有更为直接的联系。可以说,对各类文学艺术作品的感受与理解越深刻、越细致,那么对相关
的音乐作品的欣赏和领会也就能收到更好的效果。当然,文化艺术修养对于音乐欣赏的作用,也不仅仅限
于与其有直接相关的音乐作品的欣赏,而是对全部的音乐作品,其中也包括无标题音乐的欣赏都有着很大
的关系。此外,人的生活体验与音乐欣赏有着更为直接和密切的联系,丰富的人生阅历和情感体验将非常
有益于欣赏者对于音乐作品的体验与领会。英国音乐学家柯克以自己为例说:“我自己对莫扎特的大调作
品的理解曾经是: 1,在童年时期,悦耳的音乐; 2,青年时期,优秀而典雅,但不深刻的音乐; 3,成年
时期,优美而典雅的音乐,其中贯穿着深刻而扣人心弦的情感。在这里,我要不踌躇地说,在1、2两种
情况下,我们都根本不是在理解莫扎特的音乐。”从这个例子,我们完全可以看出,欣赏者的生活阅历、
情感体验对于音乐欣赏所起到的重要作用。但对现在的中学生来讲,他们的生活阅历自然很简单,情感体
验自然很单纯,但教师可以向他们提出:丰富自己的人生体验,不断提高自己的思想认识,加深自己的情