中国音乐家佛罗伦萨

1. 为什么巴洛克时期的歌剧会诞生在意大利的佛罗伦萨

因为16世纪的欧洲，正经历着走出中世纪，文艺复兴萌芽阶段。而西班牙刚刚打开的海外世界，使它积累了大量财富殖民扩张，西班牙的菲利普二世正统治着欧洲大半部分地区，包括意大利北部的许多城市。

2. 钢琴发展的几个时期和当时著名的音乐家,

钢琴的前身是拨弦古钢琴，也称作羽管琴键。它与钢琴的内部原理大致相同，都是在琴体内部装有音板和许多拉紧并列的琴弦。不同的是钢琴的弦槌击弦发音，拨弦古钢琴用羽管制的拨子拨弦发音。此外，还有一种与它们同一血统的键盘乐器----击弦古钢琴，它同样是一种装有击弦装置的乐器，用铜制的形槌击弦发音；它的应用范围不如拨弦古钢琴广泛，主要用在当时的贵族家庭中演奏。
17世纪到18世纪间，拨弦古钢琴在当时的音乐生活中有着相当显赫的位置，可以说是它的全盛时代。至18世纪初，欧洲大陆音乐迅速发展，音量弱小的拨弦古钢琴已不能满足当时音乐家们的需要，因而逐渐被音量洪大的钢琴所取代。
钢琴的发明者是巴尔托洛奥．克里斯托福里，他是意大利佛罗伦萨美第奇家族的一位乐器制作师。1709年，他以拨弦古钢琴为原形，制作出一架被称为具有“强弱音变化的古钢琴”。他在钢琴上采用了以弦槌击弦发音的机械装置，代替了过去拨弦古钢琴用动物羽管拨动琴弦发音的机械装置。从而使琴声更富有表现力，音响层次更丰富，并能通过手指触键来直接控制声音的变化。在克里斯福里的第一架钢琴出现后的一百年里，拨弦古钢琴仍为人们所应用，但更多地是为演奏特定作品而使用。故以弦槌代替拨弦发音就成为当时键盘乐器的主要特色，亦是钢琴的标志与象征。
1709年后，克里斯托福里又进一步改革了原来击弦机的结构，他在这部机械中安装了一种与现代击弦机的复震杠杆系统近乎完全一致的起动杠杆，使击弦速度比原来加快了10倍，而且可以快速连续弹奏；音域也增加为4组；可以说这就是现代钢琴的雏形。他的这一发明为以后的钢琴制作师们打开了通往成功之路的大门。但遗憾的是，克里斯托福里的发明并没有得到他的意大利同行们及当时演奏家们的注意，却在异乡得到了继承和发展。
德国管风琴师、制作师戈特弗里德．西尔伯曼，在1730年根据一份绘制极不准确的意大利钢琴草图，借鉴克里斯托福里的发明，制造出德国第一架钢琴。他把这架琴送到音乐大师巴赫那里鉴定，巴赫却不屑一顾，只是说道：“触键太重，高音音色太弱。”但他还提出了一些建议。在采用了巴赫的建议之后，于1747年又加以革新。同年，巴赫在波茨坦进宫晋见腓特烈大帝时弹奏了西尔曼的新型钢琴。
西尔曼对钢琴改革的主要贡献在于对钢琴制音器的运用。他利用手动音拴使全部制音器离弦，以使钢琴的音响效果更丰富并具有一种神秘的色彩。对于我们今天的演奏家来说，这种性能在现在钢琴中是用脚迅速而敏捷地控制着，很难想象当时是用手来操作的。
钢琴虽诞生在意大利，却在德奥和英国得以发展成长。至18世纪中叶，人们对钢琴的制作工艺实行革新，以使其演奏性能日益完善。这一时期，西尔伯曼及其子弟在钢琴的变革中起着主导作用。西尔伯曼的名徒被称为“十二弟子”，他们分别制造出两种不同风格的钢琴，即“维也纳式击弦机钢琴”和“英国式击弦机钢琴”。他们具有不同的机械性能和不同的音响效果，由此形成两大不同的钢琴制作流派。这两种流派，也对当时的音乐家们产生了具有历史意义的影响。
“维也纳式击弦机钢琴”的键盘触感较轻，能够弹出快速的音符，音色变化细微，在与管弦乐队协奏时，音色对比清晰。这正符合莫扎特温文尔雅又富有歌唱性的快板的音乐需要。约翰内斯.楚姆佩是西尔伯曼的名徒之一，他于1760年来到英国，成为著名钢琴制作师；他的产品被称为“英国式击弦机钢琴”。这种钢琴触键感觉较重，但声音浑厚深沉，正适合于克莱门蒂那坚实有力的音乐风格。

莫扎特和克莱门蒂当时是名声同噪的钢琴演奏家，由于他们演奏风格的不同，他们分别使用结构各异的维也纳式和英国式钢琴。1789年1月，莫扎特和克莱门蒂在维也纳奥国国王的王宫里举行了世界上第一次钢琴演奏比赛，成为轰动一时的大事。这次比赛对提高钢琴在诸乐器中的地位起了重要的作用。
钢琴在它诞生的头一个世纪中经历多次改良。虽然开始它被形容为是锅炉工制造出的粗陋机械，少有优雅之色，在表现细腻的情感上逊于拨弦古钢琴和击弦古钢琴；但随着时代的变迁，音乐由巴罗克风格向古典主义演变，声音尖锐、古板、缺乏生机的拨弦古钢琴被音响丰富、细腻、洪亮的钢琴所替代。到18世纪后期，钢琴到19世纪钢琴已登上“乐器之王”的宝座。
现代钢琴是由古钢琴和羽管键琴发展演变而来的。 “古钢琴”一词，由‘键’（clavi）和‘弦’（chord）两个单词组合而成，它集中表现了这种乐器的基本原理--键盘击弦。古钢琴产生于12-14世纪的欧洲，其最初的构造是在长方形木箱上面安装一组琴键，固定在琴键后端的平头钉直接敲击紧绷在木制框架上面的金属琴弦，从而发出声音。

羽管键琴的原理与古钢琴相似，所不同的是通过装置于琴键后端的鸟类羽管或者小型钢簧片拨动琴弦发出声音。
由于古钢琴和羽管键琴击弦的力度都很小，发出的声音较轻，而且无法根据人们的需要改变音量的大小，因而缺乏表现力，于是难以满足弹奏的要求。

十八世纪初，意大利的乐器制造家巴托洛梅奥·克里斯托弗利在羽管键琴的基础上加以改进，将皮革包裹在木槌上，发明了键盘机械槌击式钢琴，从而奠定了现代钢琴的基础。这一改进弥补了古钢琴和羽管键琴几乎无法调节音量的严重缺陷，弹奏者可以通过敲击琴键力度的变化来随意改变音量的大小，其音量也比古钢琴和羽管键琴大得多，因而大大地增强了钢琴的表现力。

1821年，塞巴斯蒂安·埃拉尔将击弦机械机构改进为复震奏机械，使弹奏者能够以更高的速度重复敲击键盘，弹奏出复杂的乐曲。

1825年，阿尔菲斯·巴考克首次采用铸铁弦架，增加了其对琴弦拉紧后产生巨大张力的承载能力，使紧张的琴弦不至因为弦架变形而发生松弛。这一改进为钢琴的音准稳定和使用寿命的提高创造了良好的条件。

1850年，支撑结构、弦列的交叉排列和复震奏式击弦机三要素相结合，由此确立了现代钢琴结构最理想的基本形式。

经过三百年来的发展和改进，现代钢琴在品种和性能等方面已经得到了不断的丰富和完善。

3. 佛罗伦萨大教堂是谁设计的

佛罗伦萨大教堂(FlorenceCathedral)，又称纯洁圣玛丽亚天主教堂。这个大教堂是13世纪末行会从贵族手中夺取政权后，作为共和政体的纪念碑而建造的。设计人是阿尔诺尔福·迪·坎比奥(ArnolfodiCombio)。1296年开始建造，但是阿尔诺尔福在1302年去世，导致教堂停工。1334年弗朗切斯科·塔伦蒂(FrancescoTalenti)等人对这一设计进行修改后继续建造。预计建造穹顶，但要建造这个穹顶，跨度和高度的技术都有难度。布鲁内莱斯基很早就开始考虑大教堂的屋顶问题，他也意识到任何能够解决这一问题的人，必将能够获得不朽的声誉。1420年，布鲁内莱斯基在罗马考察了万神殿等纪念性建筑之后，开始受命修建穹顶。1434年，雄伟硕大的圆屋顶就显露在佛罗伦萨的地平线上。威廉·弗莱明说：“新建成的佛罗伦萨大教堂的落成典礼使空前之多的教会高级神职人员、外交官、政治家们会集一起，步他们后尘的是著名的艺术家、诗人和音乐家。头戴三重冕，身着白色长袍的教皇欧仁四世在7位身穿鲜红外袍的红衣主教和至少37位身穿紫色法衣的主教和大主教的陪同下，浩浩荡荡地穿过旗帜林立的街道。队列中还有城市官员和行会首领以及他们的仪仗队。”教皇的唱诗班唱看由音乐家杜飞创作的圣歌，歌词的第一句是：“玫瑰花，教皇的礼物”。在歌词中，大教堂被说成是“最宽敞的神庙”，布鲁内莱斯基的圆顶被称颂为“巨大的艺术品”、”艺术的奇迹”。歌词的结尾表达了佛罗伦萨人对圣母玛丽亚的恳求：

圣母啊！贞女的光荣，您忠诚的佛罗伦萨人向您恳求，谁祈祷……谁就可得到您宽厚的恩惠……

罗马圣彼得大教堂在文艺复兴时期的大主教尤利乌斯二世与莱奥十世的统治时期，文化首都从佛罗伦萨转到了罗马。1494年随着美第奇逃离佛罗伦萨，大批艺术家，包括米开朗琪罗、拉菲尔以及布拉曼特等人来到罗马，他们的才能集中地体现在圣彼得大教堂的设计和建造中。

圣彼得大教堂(St.Peter’sBasilica)是最能代表文艺复兴盛期的建筑物。

罗马圣彼得大教堂

4. 意大利作曲家

卡奇尼（Giulio Caccini，约1545—1618年），意大利作曲家、歌唱家。约1545年生于罗马，1618年12月10日卒于佛版罗伦萨。在罗马时曾师从G．阿尼权穆恰学习。60年代中期到佛罗伦萨，当时他已是著名的歌唱家和演奏家。70年代中期，他与一些诗人、音乐家和文艺爱好者经常在巴尔迪伯爵家聚会，探讨如何模仿和复活古希腊戏剧来为新的音乐服务，他们自称“佛罗伦萨伙伴”艺术小组。他与J．佩里合写的歌剧《欧里狄克》于1600年演出，这是意大利现存最早的歌剧。他单独创作的《欧里狄克》是世界上出版的第一部歌剧（1600），曾于1602年演出。卡奇尼是发展单声部乐曲的先驱。他开创了一种新的独唱风格，把诗词的节律与情绪，尽量用有数字低音伴奏的独唱歌曲形式来表现。因此，他被誉为朗诵调创作的先驱者和数字低音的创始人。他的牧歌和坎佐纳曲集《新音乐》（1602）是这种风格的典型作品。乐曲中的即兴装饰和精湛的演唱技巧，为后来的巴罗克音乐创造了条件。

5. 歌剧为什么会诞生在巴洛克时期的意大利佛罗伦萨

歌剧其实是诞生在中世纪（450-1450）后来经过发展巴洛克时期达到颠峰！！！
音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。

文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。在美术中可以从卡拉瓦乔（1573-1610）的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪，而他们的下一代则更往前发展了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐
进行流畅，各个声部（通常为四至五个声部）相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。

巴洛克时期，音乐艺术得到了前所未有的迅猛发展。并且促成了后来的洛可可（Rococo）艺术的 兴起。这一时期的音乐以德、意、法等几个国家最具代表性。

1. 巴洛克时代的德国音乐

巴洛克时代的德意志音乐，以许茨、巴赫和亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，他们的音乐就好比是塔顶，因为他们不但吸收了文艺复兴以来意大利的新音乐，而且开拓了一条全新的道路。许茨（Heinrich
Schutz，1585-1672年）二十四岁时赴意大利留学，师从于威尼斯乐派的大手笔加布里埃利（Giovanni
Gabrieli，1557-1612）。回国后，他发表了第一部德文歌剧《达夫内》，后来还创作了许多的受难曲。许茨与巴赫和亨德尔恰恰相差了一百年，他的风格对于这两位巴洛克音乐大师的创作有着重要的影响。

亨德尔和巴赫的音乐作品，无论在传统音乐的集大成方面，还是在追随新思潮方面，都在音乐史上放射着异彩。亨德尔的作品多为歌剧和清唱剧音乐，在他的器乐作品中也含有强烈的声乐因素，这显然是受了意大利的影响；巴赫音乐则在声乐作品中含有强烈的器乐因素，这为古典主义时代的到来奠定了坚实的基础。

2. 巴洛克时代的意大利音乐

歌剧这一伟大的艺术形式，诞生在“音乐的摇篮”——欧洲文明古国意大利。在当时的佛罗伦萨，
有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术很感兴趣的贵族。这些贵族决心赋予希腊戏剧以新的生命，于是他们开始给古老的希腊故事谱曲，并由合唱队穿上戏装把整个故事演唱出来，这就是歌剧的雏形。发展到后来，故事里的角色分别由歌唱者担任；在合唱节目之间，则由男女歌唱家分别担任独唱。当角色的话语轻柔时，台词被处理成半唱半说，这种歌唱很象一首赞美诗，被称为宣叙调；而强烈的感情则是真旋律来表现的，称为咏叹调。而后，咏叹调被专门用来炫耀歌手的美好音色。当时，一部歌剧无论在意大利、英国还是在德国上演，其咏叹调总是用意大利语演唱，而宣叙调部分的演唱则是用
本国语言。

在意大利的巴洛克音乐中，可与早期歌剧相媲美的还有弦乐，当时歌剧的古序曲和协奏曲都是以弦乐为主的。这一时期的意大利盛产小提琴家，如托莱利（Giuseppe
Torelli，1650-1708）、科莱里（Arcagello Corelli，-1713）、维塔利（T.Antonio
Vitali，1665-1735）、维瓦尔第（Antonio Vivaldi，1675-1743）、塔蒂尼（Giuseppe
Tartini，1692-1770）等，他们都早于巴赫。这些音乐家不但都是小提琴名手，而且全是小提琴音乐的作曲家。意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫纳（Cremona）人中，小提琴制作家可谓层出不穷，如阿玛蒂、瓜内利和斯特拉第瓦利等，他们精心制作的小提琴，至今还活跃在舞台上，展现出无穷的艺术魅力。

歌剧的序曲必须分为三部分：快速开始，中间部缓慢，快速终结，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器，至今仍是管弦乐队中不可缺少的乐器，也是极为重要的室内乐及独奏乐器。可见，巴洛克时代的意大利音乐影响极为深远。

3. 巴洛克时代的法国音乐

在当时的法国巴黎，歌剧和古钢琴音乐在各王侯贵族的府邸内极为盛行。这一时期的法国歌剧，脱离了意大利歌剧的传统而独立成长，已经接近于舞剧的形式。在巴洛克时代，法国最具代表性的歌剧作曲家是吕利（Jean
Baptiste Lully，1632－1687），他创作的歌剧简洁明晰、旋律优美，同时又具有很强的舞蹈性；其内容辛辣、幽默，入木三分。

6. 十大交响乐作曲家是那几位并要其著名交响乐乐章名.

第一名：J.S.巴赫
（1685-1750，德国作曲家）代表作品：三首小提琴协奏曲、《勃兰登堡协奏曲》、六首管弦乐组曲、《平均律钢琴曲》、《哥德堡变奏曲》、《创意曲》、《英国组曲》、《法国组曲》、《无伴奏小提琴奏鸣曲与组曲》、《无伴奏大提琴组曲》，以《赋格的艺术》、《音乐的奉献》为代表的大量管风琴曲和以《马太受难曲》、《B小调弥撒曲》为代表的大量的宗教声乐作品，康塔塔《咖啡康塔塔》、《农民康塔塔》等。
第二名：莫扎特

（1756—1791，奥地利作曲家）代表作品：《安魂曲》（遗作）、《第三十五（哈夫纳）交响曲》、《第三十八（布拉格）交响曲》、《第三十九交响曲》、《第四十交响曲》、《第四十一交响曲》，歌剧《魔笛》、《费加罗的婚礼》、《唐璜》、《女人心》、《后宫的诱逃》、《皇帝的慈悲》，《第三小提琴协奏曲》、《第五小提琴协奏曲》、《第二十钢琴协奏曲》、《第二十一钢琴协奏曲》、《第二十二钢琴协奏曲》、《第二十四钢琴协奏曲》、《A大调单簧管协奏曲》、《第三圆号协奏曲》、《D大调长笛协奏曲》，以《C大调钢琴奏鸣曲（为初学者而作）》、《A大调钢琴奏鸣曲（土耳其）》为代表的十七首钢琴奏鸣曲，《C小调钢琴幻想曲》、《G大调弦乐小夜曲》、《哈夫纳小夜曲》，大量的嬉游曲、室内乐等。

第三名：贝多芬

（1770—1827，德国作曲家）代表作品：以《第三（英雄）交响曲》、《第五（命运）交响曲》、《第六（田园）交响曲》、《第九（合唱）交响曲》为代表的九首交响曲，歌剧《费德里奥》，《D大调小提琴协奏曲》、《第五（皇帝）钢琴协奏曲》、以《第八（悲怆）钢琴奏鸣曲》、《第十四（月光）钢琴奏鸣曲》、《第十七（暴风雨）钢琴奏鸣曲》、《第二十一（清晨，又译作“华伦斯坦”）钢琴奏鸣曲》、《第二十三（热情）钢琴奏鸣曲》、《第二十六（告别）钢琴奏鸣曲》、《第三十二钢琴奏鸣曲》为代表的三十二首钢琴奏鸣曲，以《第五（春天）小提琴奏鸣曲》、《第九（克洛采）小提琴奏鸣曲》为代表的十首小提琴奏鸣曲，《庄严大弥撒》、序曲《哀格蒙特》、《被缚的普罗米修司》，以《拉祖莫夫斯基弦乐四重奏》、《第十三弦乐四重奏》为代表的大量室内乐。

第四名：瓦格纳

（1813—1883，德国作曲家）代表作品：歌剧《尼伯龙根的指环》、《纽伦堡的名歌手》、《唐豪瑟》、《特里斯坦与伊索尔德》、《漂泊的荷兰人》、《罗恩格林》、《帕西法尔》等。

第五名：亨德尔

（1685—1759，德国作曲家，后入英国籍）代表作：清唱剧《弥赛亚》、《约书亚》、《所罗门》、管弦乐《皇家水上音乐》、《皇家焰火音乐》，十二首《大协奏曲》、《管风琴协奏曲》，以《阿西斯与加拉蒂亚》等为代表的大量歌剧（其中不少歌剧至今已经失传，只留下部分经典的咏叹调）

第六名：柴可夫斯基

（1840—1893，俄国作曲家）代表作：芭蕾舞剧《天鹅湖》、《胡桃夹子》、《睡美人》，歌剧《黑桃皇后》，以《第四交响曲》、《第五交响曲》、《第六（悲怆）交响曲》、《第一钢琴协奏曲》、《D大调小提琴协奏曲》，旋律套曲《四季》，《1812序曲》、《罗密欧与朱利叶幻想序曲》，以《佛罗伦萨的回忆弦乐六重奏》、《第一弦乐四重奏》为代表的大量室内乐。

第七名：海顿

（1732—1809，奥地利作曲家）代表作：以《第四十五（告别）交响曲》、《第九十四（惊愕）交响曲》、《第一百（军队）交响曲》、《第一百零一（时钟）交响曲》、《第一百零四（伦敦）交响曲》为代表的一百零四部交响曲，《降E大调小号协奏曲》，两首大提琴协奏曲，清唱剧《四季》、《创世纪》，以《皇帝》、《云雀》、《日出》为代表的大量室内乐等

第八名：勃拉姆斯

（1833—1897，德国作曲家）代表作：四首交响曲，两首钢琴协奏曲，《D大调小提琴协奏曲》，《海顿主题变奏曲》《匈牙利舞曲》、《德意志安魂曲》，大量的室内乐、奏鸣曲等。

第九名：门德尔松

（1809—1847，德国作曲家）代表作：以《第三（苏格兰）交响曲》、《第四（意大利）交响曲》、《第五（宗教改革）交响曲》为代表的五部交响曲，管弦乐《仲夏夜之梦》、《芬格尔山洞》，《e小调小提琴协奏曲》、《第一钢琴协奏曲》，钢琴小品集《无词歌》，清唱剧《以利亚》，以《降E大调弦乐八重奏》、《第一钢琴三重奏》为代表的大量室内乐，以及大量的歌曲等。

第十名:舒伯特

（1797—1828，奥地利作曲家）代表作：声乐套曲《冬之旅》、《美丽的磨坊姑娘》、《天鹅之歌》及其他大量的艺术歌曲、声乐套曲，《第三交响曲》、《第五交响曲》《第八（未完成）交响曲》、《第九（伟大）交响曲》，以《鳟鱼五重奏》、《死与少女》为代表的大量室内乐，以及众多钢琴作品

7. 巴洛克时期意大利有哪几个歌剧乐派 代表人物分别是|

音乐的巴洛克时期通常认为大致是从1600年至1750年，即从蒙特威尔地开始，到巴赫和亨德尔为止。1750年，对位法大师约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的与世长辞，标志着巴洛克巅峰的对位法音乐的终结，也标志着巴洛克时代的终结。之所以称这一时期为巴洛克，是由于一时期音乐表达的技术及方式基本上有它一定程度的共同点，所以用此名词来标志，并无特殊的意义。巴洛克（Baroque）一词来自法语，追本溯源是葡萄牙语barroco，意谓形态不圆的珍珠。是巴洛克末期评论家们在评论此一时期的音乐时所首先使用的，而且一般含有贬意，指粗陋曲、奇异的、夸张的音乐。巴洛克之后古典主义时期的音乐家们趋于将音乐语言简化和规范化，在他们看来，巴洛克音乐过于夸饰而不够规范。因此巴洛克一词被评论家用来指十七世纪及十八世纪前期的艺术及音乐作品。现在，随着时间的推移，我们可以用更为深入和细致的历史眼光来看待这一时期的音乐，巴洛克不复有粗陋和毛糙的含意，但是比之巴洛克前后的音乐作品，它确实存在着夸饰和有些不太规律化的特征。

文艺复兴时期的艺术讲究清晰、统一和协调。但至十六世纪末期，艺术中感情的因素日益增加，明净清澈和完美的形式被表达感情的需要所压倒。在美术中可以从卡拉瓦乔（1573-1610）的色彩浓烈的、戏剧性的绘画中看到。在音乐上我们也早已从马伦齐奥、杰苏阿尔多的牧歌以及道伦德的古歌曲中看出端倪，而他们的下一代则更往前发展了。要制造出这些强烈的效果，必须发展一种新的音乐风格。一般地说，文艺复兴时期平稳的复调音乐已不适合新时期所需要的特色。巴洛克时期最重要的创造就是“对比”的概念。文艺复兴时期的音乐
进行流畅，各个声部（通常为四至五个声部）相互交织，同步进行。1600年以后这种织体日渐少用，只有在教会音乐中才能见到，这是因为教会音乐受传统及固定的礼拜礼式所束缚，因此是最为保守的。

巴洛克时期，音乐艺术得到了前所未有的迅猛发展。并且促成了后来的洛可可（Rococo）艺术的 兴起。这一时期的音乐以德、意、法等几个国家最具代表性。

1. 巴洛克时代的德国音乐

巴洛克时代的德意志音乐，以许茨、巴赫和亨德尔为代表。如果把中世纪以来的复调音乐比做金字塔，他们的音乐就好比是塔顶，因为他们不但吸收了文艺复兴以来意大利的新音乐，而且开拓了一条全新的道路。许茨（Heinrich
Schutz，1585-1672年）二十四岁时赴意大利留学，师从于威尼斯乐派的大手笔加布里埃利（Giovanni
Gabrieli，1557-1612）。回国后，他发表了第一部德文歌剧《达夫内》，后来还创作了许多的受难曲。许茨与巴赫和亨德尔恰恰相差了一百年，他的风格对于这两位巴洛克音乐大师的创作有着重要的影响。

亨德尔和巴赫的音乐作品，无论在传统音乐的集大成方面，还是在追随新思潮方面，都在音乐史上放射着异彩。亨德尔的作品多为歌剧和清唱剧音乐，在他的器乐作品中也含有强烈的声乐因素，这显然是受了意大利的影响；巴赫音乐则在声乐作品中含有强烈的器乐因素，这为古典主义时代的到来奠定了坚实的基础。

2. 巴洛克时代的意大利音乐

歌剧这一伟大的艺术形式，诞生在“音乐的摇篮”——欧洲文明古国意大利。在当时的佛罗伦萨，
有许多伟大的艺术家和一批对古希腊艺术很感兴趣的贵族。这些贵族决心赋予希腊戏剧以新的生命，于是他们开始给古老的希腊故事谱曲，并由合唱队穿上戏装把整个故事演唱出来，这就是歌剧的雏形。发展到后来，故事里的角色分别由歌唱者担任；在合唱节目之间，则由男女歌唱家分别担任独唱。当角色的话语轻柔时，台词被处理成半唱半说，这种歌唱很象一首赞美诗，被称为宣叙调；而强烈的感情则是真旋律来表现的，称为咏叹调。而后，咏叹调被专门用来炫耀歌手的美好音色。当时，一部歌剧无论在意大利、英国还是在德国上演，其咏叹调总是用意大利语演唱，而宣叙调部分的演唱则是用
本国语言。

在意大利的巴洛克音乐中，可与早期歌剧相媲美的还有弦乐，当时歌剧的古序曲和协奏曲都是以弦乐为主的。这一时期的意大利盛产小提琴家，如托莱利（Giuseppe
Torelli，1650-1708）、科莱里（Arcagello Corelli，-1713）、维塔利（T.Antonio
Vitali，1665-1735）、维瓦尔第（Antonio Vivaldi，1675-1743）、塔蒂尼（Giuseppe
Tartini，1692-1770）等，他们都早于巴赫。这些音乐家不但都是小提琴名手，而且全是小提琴音乐的作曲家。意大利北部阿尔卑斯地区的克雷莫纳（Cremona）人中，小提琴制作家可谓层出不穷，如阿玛蒂、瓜内利和斯特拉第瓦利等，他们精心制作的小提琴，至今还活跃在舞台上，展现出无穷的艺术魅力。

歌剧的序曲必须分为三部分：快速开始，中间部缓慢，快速终结，这种形式后来成为协奏曲和交响乐的基本形式。小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴等弦乐器，至今仍是管弦乐队中不可缺少的乐器，也是极为重要的室内乐及独奏乐器。可见，巴洛克时代的意大利音乐影响极为深远。

3. 巴洛克时代的法国音乐

在当时的法国巴黎，歌剧和古钢琴音乐在各王侯贵族的府邸内极为盛行。这一时期的法国歌剧，脱离了意大利歌剧的传统而独立成长，已经接近于舞剧的形式。在巴洛克时代，法国最具代表性的歌剧作曲家是吕利（Jean
Baptiste Lully，1632－1687），他创作的歌剧简洁明晰、旋律优美，同时又具有很强的舞蹈性；其内容辛辣、幽默，入木三分。

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8. 巴洛克时期的音乐家都有谁

1.克劳迪奥·蒙特威尔抄地：

蒙特威尔第跨坐在文艺复兴与巴洛克时代交替的门槛上，然而“巴洛克盛期”乍到，又冲毁了这位伟大威尼斯作曲家所代表的乐派。在文艺复兴末期创立了威尼斯歌剧乐派。还创作了许多宗教音乐作品和牧歌。

2.安东尼奥·维瓦尔第：

是一位意大利神父，也是巴洛克音乐作曲家，同时还是一名小提琴演奏家。

3.拉莫（Jean-Philippe Rameau）：

法国巴洛克晚期作曲家。今天最为人所知的是他的大键琴音乐，但拉莫在当时也是出名的音乐理论家和歌剧作曲家。父为当地管风琴乐师，望子成为律师。

4.约翰·塞巴斯蒂安·巴赫：

巴洛克时期的德国作曲家，杰出的管风琴、小提琴、大键琴演奏家，世人普遍认为其是音乐史上最重要的作曲家之一。

5.泰勒曼（G.Philipp Telemann）：

处在巴洛克时期与古典主义时期之间的过渡阶段，是当时德国最重要的作曲家、管风琴家。他注重旋律写作的主调织体而常常抛开精致的对位技法，强调轻盈优美的旋律、明快对称的节奏、不臃肿浮躁的伴奏。

9. 佛罗伦萨大教堂为什么又被颂为“艺术的奇迹”

佛罗伦萨大教堂(FlorenceCathedral)，又称纯洁圣玛丽亚天主教堂。这个大教堂是13世纪末行会从贵族手中夺取政权后，作为共和政体的纪念碑而建造的。设计人是阿尔诺尔福·迪·坎比奥(ArnolfodiCombio)。1296年开始建造，但是阿尔诺尔福在1302年去世，导致教堂停工。1334年弗朗切斯科·塔伦蒂(FrancescoTalenti)等人对这一设计进行修改后继续建造。预计建造穹顶，但要建造这个穹顶，跨度和高度的技术都有难度。布鲁内莱斯基很早就开始考虑大教堂的屋顶问题，他也意识到任何能够解决这一问题的人，必将能够获得不朽的声誉。1420年，布鲁内莱斯基在罗马考察了万神殿等纪念性建筑之后，开始受命修建穹顶。1434年，雄伟硕大的圆屋顶就显露在佛罗伦萨的地平线上。威廉·弗莱明说：“新建成的佛罗伦萨大教堂的落成典礼使空前之多的教会高级神职人员、外交官、政治家们会集一起，步他们后尘的是著名的艺术家、诗人和音乐家。头戴三重冕，身着白色长袍的教皇欧仁四世在7位身穿鲜红外袍的红衣主教和至少37位身穿紫色法衣的主教和大主教的陪同下，浩浩荡荡地穿过旗帜林立的街道。队列中还有城市官员和行会首领以及他们的仪仗队。”教皇的唱诗班唱看由音乐家杜飞创作的圣歌，歌词的第一句是：“玫瑰花，教皇的礼物”。在歌词中，大教堂被说成是“最宽敞的神庙”，布鲁内莱斯基的圆顶被称颂为“巨大的艺术品”、”艺术的奇迹”。

佛罗伦萨大教堂的圆屋顶

10. 阅读下列材料：欧洲歌剧形成于17世纪初的意大利。在意大利佛罗伦萨一个非常喜欢艺术的贵族的庄园里，聚集