㈠ 有没有好听的中国电子音乐 。
我知道的 卢小旭
㈡ 电子音乐代表人
张小夫 是中国的
另外
1.Pioneers（先驱）
撇开Stockhausen、Varese或是Xenakis不谈，电子音乐之所以能进入大众视野，全拜以下这些音乐人所赐。
— Kraftwerk《Trans-Europe Express》，1977：Krautrock阵营里最值得一听再听的唱片，以近乎冷漠的表达为技术歌功诵德。当《号外》做电子音乐特辑时，以黄耀明做模特克隆这张经典唱片封面的时候，《Trans-Europe Express》已不单单只是个电子音乐史上杰作，更是一种fashion icon了。
— Jean Michel Jarre《Oxygen》，1977：上世纪80年代，Jean Michel Jarre作为电子音乐大使在北京和上海的两场音乐会真是万人空巷，穿中山装的群众们和他热烈讨论Mozart和Beethoven的区别。重新聆听《Oxygen》，这部用古董电子乐器所炮制交响诗，回想到“万人空巷”这个词，实在没有把它妖魔化。
— Giorgio Moroder《E=MC2》，1980：Disco教父Giorgio Moroder的唱片最好是一张黑胶碟。Analogue时期的电子音乐到现在已成为新的chic。《E=MC2》从没有在唱片架上落过灰尘，一遍又一遍重访那个带有sci-fi情结的性感年代。
2. Ambient（环境音乐）
对于那些学究来说，环境音乐的开篇属于Erik Satie那臭名昭著的“家具音乐”。取消一切听觉兴奋点，会让你在不停等待副歌部分出现的时候，彻底陷入绝望。当然享受Ambient的第一要义便是按下play键，然后爱干嘛干嘛。
— Brain Eno《Ambient 1: Music for Airports》，1978：Brian Eno算是Ambient最名正言顺的创造者。《Music for Airport》里那些叫人辨不清方向的闲散音符一直如魑魅一般飘来荡去。相信如果把这张唱片与Brian Eno的另一张Ambient杰作《Discreet Music》对换，也没什么人能听出里面的区别。
— The Orb《The Orb's Adventure Beyond the Ultraworld》，1991：最初迷上是因为开篇的一曲“Little Fluffy Cloud”，如童话一般色彩斑斓，又充满奇诡想像。The Orb的Alex Peterson像是一不小心抖落了装载满童年回忆的口袋，各式各样的小玩意和纪念品，一古脑儿全掉了下来。
— Aphex Twin《Selected Ambient Works Vol. 2》，1994：“电子音乐领域的Mozart”这个头衔对于恶男Aphex Twin来说很贴切，尤其是这张《Selected Ambient Works Vol. 2》一如Mozart一般静谧而悠远。当然天才如Aphex Twin者，不仅自己能拼装出一台analogue合成器，甚至一个礼拜便能制作出塞满6张CD的音乐，实属天人。
3. Synth-pop（合成器流行曲）
Synth-pop甫一浮出水面的时候与Glam Rock的关系似乎更大一些，颠覆punk的艺术化流行小调，如在音乐里追寻Andy Warhol所带来的流行灵感。如今借由Electroclash咸鱼翻生的十几二十年前的电子口水歌，统统成了高档货。
— Tubeway Army《Replicas》，1979：这次Gary Numan并非以solo的样貌出现，所有人却把这张唱片归于伟大的奶油小生Gary Numan个人的名下。封面上Gary Numan顾影自怜的样子最叫人永生难忘。有异装癖的电音怪人Terre Thaemlitz也忍不住20年后用钢琴重新温习这张唱片，并且克隆出来的封面里，甚至那扇窗都是20年前一模一样的。
— Depeche Mode《Songs of Faith and Devotion》，1997：一直认为Depeche Mode有种积毁销骨，消磨意志的负面力量。那些具有分裂般美感的旋律与吟唱，一如在暗夜悠然飘出的一缕鸦片香，美得让人有犯错误的冲动。
— Pet Shop Boys《Please》，1986：放在整个Synth-pop阵营里来考察Pet Shop Boys，他们都算得上是异类，没有那些艺术青年所通常抱有的顾影自怜，反而干净得如青春期少年，并且十数年如一日，这点最值得骄傲。而《Please》里的“West End Girls”也绝对是Pet Shop Boys迄今为止最棒的歌。
4. House
一种disco音乐的变种，加上了4/4拍的电子节奏而成。就像朗姆酒是鸡尾酒的基酒一样，House是整个当代电子舞曲的基础形态，最容易在各大舞池里被听到。
— Leftfield《Leftism》，1995：House音乐在Leftfield这里开始跳脱出娱乐的功能，成为一种激进的音乐。朋克音乐借由Leftfield再度复活，John Lydon在“Burn Hollywood Burn”的叫嚣，使人回响起“UK Anarchy”。Leftfield对House的创造性改造，使之成为一张经典唱片，而非随时准备被淘汰的舞池单曲。
— Armand Van Helden《2 Future 4 U》，1998：Armand van Helden最著名的曲子可能是为Tori Amos的“Professional Widow”所做的mix。至于其后一张专辑《Killing Puritans》里拿德国重金属经典乐队Scorpions的乐曲做菜，改装成house单曲。其带点摇滚般重型风味的house也实在是该领域内少数派翘楚。
— Daft Punk《Home Work》，1997：若干年前，是Air乐队的《Moon Safari》以及Daft Punk的这张《Homework》，才使得巴黎成为电子音乐新的孵化阵地。一向擅长搞怪作乱的Daft Punk，把跳舞音乐归结为“狂热、简单、能量和效率”。《Homework》甫一推出，所有的舞池都在播放“Da Funk”。
5. Big Beat
给电子音乐一点摇滚的刺激似乎是Big Beat诞生的所有原因。几乎摆脱了电子跳舞音乐里disco的传统，直接在摇滚里吸取灵感，使Big Beat一开始便成为了排行榜的宠儿。
— Prodigy《The Fat of the Land》，1997：关键是主唱的鸡冠头，让所有的punk乐迷在翻阅音乐杂志时，对这支乐队都颇有好感。当然，音乐里那punk式的唱腔，以及纵火狂般的酣畅淋漓，使Prodigy成为整个Big Beat运动里第一支最成功的乐队，其风头盖过1997所出的一切摇滚唱片，即便是正在浪尖上的Brit Pop也显得暗淡无光。
— Chemical Brothers《Dig Your Own Hole》，1997：像Chemical Brothers那样把节拍做到如化学试验般诡谲莫测的程度，是该专门为他们发明个“Chemical Beats”的专用分类学名词。收集齐所有来自《Dig Your Own Hole》的单曲唱片的无聊举动，也只可能发生当时的Chemical Brothers的身上。整个评论界对Chemical Brothers的专宠行为，也使其他一众Big Beat明星显得哗众取宠了一些。
— Fatboy Slim《You've Come A Long Way, Baby》，1998：一天能收到4首单曲的混音定单，看来只能发生在Fatboy Slim身上。这张唱片的成功绝对为此推波助澜。化名为Fatboy Slim的Norman Cook最具娱乐大众的本领，同一时期他的单曲以及他为别人所作的混音单曲排着队上榜，使这张《You've Come A Long Way, Baby》更像是张Big Beat的compilation唱片。
6. Techno
2/2拍的枯燥机械舞曲，源自Kraftwerk的灵感，却成为整个电子跳舞音乐里最核心的品种。对于死硬派的乐迷来说，Techno远比乖巧的其他乐种更纯粹，更刺激。
— Derrick May《Innovator》，1997：作为Techno的发源地底特律的3位创始人之一，Derrick May早已成为DJ界内的传奇性人物，在整个电子跳舞音乐不长的历史中，真正能走进殿堂的人还不算多。正当绝大多数人把Techno认作是时髦流行音乐里唯一源自白人的风格时，却往往忽视了几位Techno的创始人，兼最优秀的DJ均是黑人。Derrick May在《Innovator》里，那种反黑人传统的诗意的Techno最是行云流水般畅快。
— Underworld《Second Toughest in the Infants》，1996：英伦最具轰炸力的Techno组合当属Underworld，那种融进英伦气息的Techno最叫人怀念Syn-pop时期的好风景，只是更直白、更明确、更狠，也更精致。
— Plastikman《Consumed》，1998：正是因为Techno的节奏原型太简单，所以Plastikman对Techno的改造更具实验性，也更敏感。在《Consumed》晦涩的听感里，蕴涵了太多的细节变化，似乎是离大众远了，却更贴近Techno艺术的核心。
7. Trance
Trance被称作Techno的改良版，自Techno越来越往听不懂的方向发展时，Trance适时地为它加进了许多easy 的元素。
— Paul Van Dyk《Out There and Back》，2000：这张唱片里融进了最多欧陆流行曲的风味。在Paul Van Dyk身上，在机械的节奏上，加进几乎是浪漫的风情是Paul Van Dyk成为DJ明星的法宝。
— BT《ESCM》，1997：它被誉为是最具史诗般风格的Trance唱片，BT那种直接从new age里汲取灵感的Trance，确实具有摧枯拉朽的力量。
8. Acid Jazz（迷幻爵士）
这种诞生于1990年代初英国DISCO舞厅的电子音乐，似乎越来越成为爵士乐复兴的一个载体：让爵士乐重新回到舞池里。越来越多的爵士乐手加入到Acid Jazz阵营里，而越来越多的电子音乐制作人也开始越来越爵士化了。
— Us3《Hand on the Torch》，1993：这张据说是Blue Note历史上最畅销的唱片，大概也是Acid Jazz中最畅销的一张了。首张单曲“Cantaloop (Flip Fantasia)”使Herbie Hancock原作 “Cantaloop”成了街知巷闻的热门旋律。
— Gilles Peterson《INCredible Sound of Gilles Peterson》，1999：Gilles Peterson被誉为Acid Jazz运动的开国功臣，他不仅是世界级DJ，还是厂牌Acid Jazz的联合创始人，也是著名厂牌Talkin' Loud的老板。是Acid Jazz最孜孜不倦的推广人。
— James Taylor Quartet《The Money Spyder》，1987：据说这支乐队才是Acid Jazz这个名词的创始人。无论如何，这个由与美国老牌民谣摇滚明星James Taylor同名的英国人领导的四重奏组合，是Acid Jazz舞台上最早也是最活跃的艺人之一，他们非常浓厚的Soul Jazz风格实际上在Acid Jazz之中树立了一个鲜明的标尺，并深深影响了很多后来的Acid Jazz乐队。
9. Trip-hop
有那么几年，Trip-hop阴暗的节奏不仅统治了英国乐坛，也成了全世界摇滚迷和艺人热烈追捧的对象。一段时间，英国人竟然要高喊“Trip-hop已死”，这只能表明：Trip-hop已经成为不可磨灭的音乐之血渗进了后来的电子音乐骨头之中。
— Massive Attack《Blue Lines》，1991；Portishead《Dummy》，1994；Tricky《Maxinquaye》，1995：对于Trip-hop三巨头的这3张几乎人人都有的处女作，还有什么好说的呢？还是把版面留给其它人吧。
— Moloko《Do You Like My Tight Sweater?》，1995：跟Portishead一样，这是一男一女两人组合；跟Portishead完全不同，这个组合玩的尽管也是Trip-hop，却有着少有的幽默感，一听起他们懒洋洋的滑稽歌曲，就会忍不住笑着手舞足蹈起来。
10. Abstract Hip Hop（抽象嘻哈）
Hip Hop升级版，把Hip Hop最核心的部分拿出来作实验，反而最远离原初的黑人音乐根源，从而把Hip Hop带出贫民窟。
— DJ Shadow《Entrocing......》，1996：Abstract Hip Hop里最经典的唱片，DJ Shadow那如魔术一样的双手化一切腐朽为神奇。那种复杂编排，以及将scratch技术发挥到极致的聪明构思，使这张唱片今天听来也仍犀利无比。
— DJ Krush《Zen》，2001：DJ Krush可能是日本向世界输送的最大Hip Hop明星了。那种具有异国情调的Hip Hop化学配方最是绕过具有意识形态特质的黑人根源，而直达Hip Hop音乐本身。其实很难分清部分Abstract Hip Hop与Trip Hop的区别，在DJ Krush身上也不例外，只是这样一种音乐上的cross over的尝试，似乎是Hip Hop走出自身藩篱的绝妙尝试。
— Antipop Consotium《Tragic Epilogue》，2000：Antipop Consotium更加实验得厉害，那种原初Hip Hop里粗野的rap已被知识分子化政治宣言以及美学主张所取代，其表达的内容更深刻，在音乐上也积极向实验跳舞音乐靠拢，想像力更加丰富了。
11. Drum N' Bass
跳舞音乐的加速版，身体不一定能跟得上节奏的速度。流行的时间并不算长，便被相对温和的UK Garage所取代。
— Roni Size & Reprazent《New Forms》，1997：自称创造了“叫人得心脏病的舞曲”，这样一支全明星阵容所组成的Drum N' Bass乐队，当年该专辑一推出，便力排Radiohead、Prodigy，以及Chemical Brothers这类浪尖人物，摘得专门表彰创新艺人的Mercury音乐大奖。正如其标题所昭示的，Roni Size Reprazent的音乐以全新的形式感超越了Drum N ' Bass创始人Goldie
— Photek《Mos Operandi》，1997：Photek的Drum N Bass则更黑暗幽深，不讲究乖张突兀的奇诡细节，反而将其简化到如Ambient般营造氛围的境界，一如观看一部黑白间谍电影，紧张与压抑的气氛在这张专辑里挥之不去。
— Talvin Singh《OK》，1998：Talvin Singh将印度传统音乐与Drum N ' Bass节奏嫁接到了一起，使传统、异国情调、以及在当时来说最尖端的电子跳舞音乐汇聚到了一起，所有的这些时髦元素，使这张《OK》成为当年最具创意的专辑。
12 . Electroclash
新近的时髦电子音乐，融进行为艺术、戏剧表演，源自punk或Synth-pop的上世纪70年代末音乐审美重新成为今天新的时尚。
— Fischerspooner《#1》，2002：作为Electroclash运动里最大的明星Fischerspooner，他们将美妙的音乐、绚丽的服饰、强劲的视频设备以及戈戈舞女们的表演完美地结合在一起。由Fischerspooner所代表的Electroclash是一场充满DIY精神的运动，它借用大摇滚乐队那样极度风格化的表现形式，使俱乐部文化与先锋表演艺术亦得以复兴
㈢ 国内的电子音乐制作人都有哪些
二丫(Erya)，内地音乐创作人，音乐制作人，毕业于吉林艺术学院流行音乐学专院，曾担任韩国艺人“孙丹属菲”的音乐制作人，个人代表作品《疯了》《하파타카》《TELEPATHY》等。
张亚东，李泉，王童语都满不错的~。
㈣ 国内有哪些专注于电子音乐的平台
网易云音乐，QQ音乐，酷狗音乐，酷我音乐等等，这些平台都比较注重于电子音乐，这些平台上有许多优秀的电子音乐，音质非常的好，而且创作也很棒。
㈤ 中国电子音乐使用的第一人
国内懂电子音乐的人少，也没个真正的排行榜，很开玩笑的是，CCTV风云音乐的很多背景音乐都制作的很不错，你要能知道后面的那个团队就知道中国电子音乐的高手了！这是职业电子音乐制作人，商业一点的，我知道的也就是DJKK网站的那几个原创人物，王泽龙就是一个例子，总之国内民众对电子音乐的了解不多，可以说很陌生！
㈥ 先锋音乐人原艺—吉他中国专访
吉他中国专网站专访访著名青年作曲家/音乐人/天堂乐队—原艺
吉他中国今日对 青年作曲家/音乐人/YZ音乐团队总经理/天堂乐队原艺采访
原艺，著名青年作曲家/音乐制作人/YZ音乐团队总经理/天堂乐队制作人兼任键盘。自幼学习传统音乐，毕业于中央音乐学院。创作了大量的专业领域音乐，其作品类型包括：影视音乐，音乐剧，舞剧音乐，NEWAGE音乐，流行音乐，摇滚乐等。是年轻一代音乐人中的最杰出代表之一。
近日，吉他中国对原艺进行了专访:
吉他中国：当初进入音乐行业，是怎么考虑的，是否受到家庭等因素的影响？
原艺：
这个问题说来话长，我从小因为出生在音乐世家，在还没有出生钢琴便已经被爷爷买好，可能就注定这辈子要从事音乐吧。按照所有学习音乐的孩子的计划，我也是一样的按章行事，3岁开始学习视唱练耳，4岁开始学习钢琴。但是可能受到基因遗传的影响，我的固定耳朵在当时省内我敢打保证的说我是绝对的第一，一直到现在也不会太逊色的。如果说真正的开始热爱上音乐应该是从大概8岁左右，因为那时候音乐已经在脑海中彻底扎根，并且能理解到一些作品的真正的含义，经过多年正统化的学习于1994年考入了吉林音乐学院附中的作曲专业，那时候说实话特别的兴奋，因为每天可以和音乐在一起，只要是能做和音乐紧密的息息相关的事情，当时对我来说真的是种幸福。直至后来进入了中央音乐学院，从事了大量的影视音乐以及舞台和流行音乐的专职工作。可能这辈子注定与音乐有着不解之缘吧。
吉他中国：那您平时创作那么大量的音乐，在创作这些作品时灵感来源于何处呢？
原艺：
灵感其实有很多方面可以让你从心底去迸发，比如说你曾经的经历，你现在所看到的一个景象或事物，或者一部影片一部文学作品等等，这个其实说起来挺模糊的。因为人和人是不一样的，心里感受也不一样。但是如果一定要说我的一些灵感来源是什么，那么应该是来源于生活和经历。其实我的一些心理学专家的朋友说我心理年龄大概要超过我的实际年龄10岁左右，这就证明其实在心底我是一个有经历的人，相比同龄人来讲我的经历可能还真的很少有人会一样。不过我越来越能领悟到，音乐的成熟度其实是和年龄精密联系在一起的，一定是到了某个年龄段才会写出与这个年龄段的成熟度相吻合的音乐。如果偏要去模仿不是属于自己年龄段的东西，不是不能模仿出来，而是只能模出其形态，而不能模出其魂其精髓。再一方面，仅仅靠灵感来创作音乐是不完全的，因为灵感很多时候是一瞬间的闪光点，首先人不可能无时无刻的迸发出灵感，而是要灵感与理论去结合思考作品，只有这样作品才经得起推敲。相信有一些搞作曲或制作的朋友都有过同样的经历，突然间你迸发出了一个动机，并将它一气呵成的创作了出来，成为了一个你自己的作品，怎么唱来唱去都觉得旋律非常好听，可是到了第二天或者时间过的更久，就会潜意识里发现作品缺少了当初的新鲜感和兴奋度。这就证明，完全是感性的来创作而没有理性的思维和理论的支持是远远不够的。
吉他中国：看您的年龄并不大，您如何在90年代中期决定从传统作曲转型到音乐制作领域的？
原艺：
这点说来话长，前面说过我从小就学习古典音乐。在吉林音乐学院上到初二的时候，开玩笑的说是青春期萌动，突然喜欢上流行音乐并且开始玩乐队，当时可以说几乎合作过吉林所有省内比较出名的乐队和音乐人，并且在那时候的圈里已经小有名气了。可能所有孩子在那个年代都有着一个叛逆的时期，不过到现在我也一样认为，我非常感谢那时期带给我的学校里学不到的那些知识。因为，一个搞作曲的人如果没有自己多元化和个性化，甚至在学习期间没有自己的叛逆感是不会写出有张力和有自己独特个性的好作品的。不过回头说来，毕竟父母是正统从事专业文艺事业的工作者，于是父母经过协商决定，既然我不单一的把注意力放在传统音乐方面，干脆让我从事音乐制作（那时候大家统称MIDI），就这样，我的第一个工作室就诞生了，当时说心里话还真没有什么准备。因为那时候的设备和现在相比还没有那么发达的科技，根本没有什么软音源,软效果器等等，完全靠硬件的支持，很多人都说那时候真是一个烧钱的时代，想要新的音色就要不停的添置硬件音源和合成器等昂贵的设备才能满足音乐制作的需要。说到这点我发自内心的感谢我的父母家人和我的第一个音乐制作老师（长春的著名制作人任红军和孙大峰老师）给予了我最好的条件和最大的支持。那时候很多人都羡慕我的工作室设备，直到现在很多老的设备我依然将它们陈列在我工作室一个区域，因为那是鉴证我最初从事这个行业的标识。从那时我走上了制作和创作并存的音乐道路。后来我工作到了武警天津文工团创作室，专业从事了作曲和音乐制作，记得没错的话应该是16岁。不过那个时期在音乐方面对我来说真的是丰收时期，是仅仅靠学习而得不到的，因为在团里我开始了真正的从事音乐工作和发展。在天津武警文工团期间我创作和制作了近百场的晚会音乐，近千首歌曲以及舞蹈音乐的创作和制作。这个阶段是我在音乐上道路上迈向成熟的一个重要阶段，也为后来打下了坚实的实践基础。再后来结识了中国电子音乐第一人张小夫教授，考入了中央音乐学院电子音乐中心，继续身造学习。这一说来我的每个阶段太过繁琐了。
吉他中国：您在中央音乐学院获得的是双学位，电子音乐作曲和音乐录音，从中得到最大的收获是 什么呢。
原艺：
其实说到收获，那时一部分是在课堂上学习的专业化的课程知识，这是直观的。再有一方面最大的收获就是和众多国内知名作曲家老师们的合作，这点最为关键，这是课堂上所学习不到的，比如：苏聪 张丽达 张小夫 刘湲 徐之彤 刘思军 秦文琛 陈丹布等等这些国内外的一线知名作曲家，和他们已经合作了多年的影视音乐，舞台剧音乐。每次在与他们合作的创作与制作过程中，我都能学习到很多不同角度的作曲手法和理念，以及一种全新的作曲意识形态。和这些老师的合作不仅仅是在音乐上，在一些人文的思想理念上也是具有着很大的帮助的。我真的很感谢他们。我们不仅在音乐上市合作伙伴，更是亲密的挚友。
吉他中国：能否简单介绍几个您的代表作品。谈谈创作这些作品时候的思想。
原艺：做过了太多的作品，其实每个说起来都有说不完的话，就列举几个吧，
1 与苏聪，徐之彤老师合作的舞剧《红楼梦》：这是一部中国最大的舞台剧目。在这台舞剧里面不仅仅有中国化的交响，同时溶入了民族音乐与电子音乐的元素，使得这个传统的民族舞剧更具现代气息和多元化，在这个90分钟的舞剧里，紧扣“红楼”诗情、诗性、诗魂的舞蹈表达方式，以优美柔和的“梦境”展现主人公的内心世界，宝玉、黛玉、宝钗、王熙凤、贾母、贾政、刘姥姥等中心人物以娴熟的技巧和音乐紧密的结合，舞出处境、命运和情感。
2《疯狂的石头》：是我创作的一部大众所熟知的影片，这部影片里我的音乐创作方向可以说是一个结合体，影片是个本土化的黑色幽默，所以在音乐上的理念采取了诙谐与矛盾的创作理念，采用了ROCK 室内乐 电子音乐，以及交响乐和民乐。还记得当时我与宁浩一起研究创作方向的时候，宁浩就告诉我，从表面上看这是一部喜剧，但是要从下一个层面来体现我们生活中被忽视的民间社会心理，和一种小市民化的草根文化。所以音乐上我们采取了土洋结合，在乐器上矛盾挣扎中的自我戏虐等手法,使矛盾更加矛盾，直接变为不和谐，这点从配器手法和音乐语句上观众可以明显感受到。
3电影《完美新娘》：两年前上映的一部片子， 阿猛导演的一部都市题材的影片，在音乐主题上我对经典名曲《献给爱丽丝》进行了变形和改编来表达女主人公不同时期不同状态下的内心变化，这部片中的音乐从创作理念来讲是突出一个新的概念，不局限于某种风格的限制，在交响化和实验电子音乐的结合下，继续加注流行音乐的元素，完全是要突出新古典主义的理念。
4 2010上海世博会《西门子》球幕影片：这部影片是一个叙事性的段落，从远古至现在，整片分为5个PART来表现西门子的整个历程，在音乐上各时期的表现手法都是不同的，里面运用了室内乐， NEWAGE音乐，交响乐与合唱的结合来描写每个时期的不同发展历程。这个在音乐完成后当时我们大家用了赵本山和宋丹丹老师的一句名言可称为：那是相当壮观。哈哈。
吉他中国：您认为中国音乐的发展现状如何？与国外的差距在哪里？应该如何继续努力
原艺：
中国的音乐的发展比较前几年来讲已经是飞速发展的，相比前些年的发展，无论从设备上还是软件上都已与国际上接轨，很多次我和国外的著名制作人交流都纷纷表示甚至中国的很多工作室和录音棚都是国际水准。但是在理念上我们还有着很多的差距，毕竟新潮先锋音乐的发展始于国外，所以一些理念上我们还要有待于提高。但是我们的优势是我们具有着东方独有的音乐气质，这是我们最大的财富，因为一味的模仿是永远跟随在别人的后面，关键是在于如何取长补短，将自己的优势与人家的优点合理的结合，创造出有自己特色。开句玩笑话说就是：走出东方社会主义特色的全新音乐创作理念 。
吉他中国：您从事了多年的专业领域音乐，但是您的流行现代作品也不少，那您认为如何将专业音乐与流行音乐中如何巧妙融合？
原艺：
传统音乐是音乐的根基，其和声，复调，曲式，配器法等方面都与现代音乐息息相关。即便是再现代音乐也与传统的理论分不开，所以如果想做好现代音乐或者电子音乐，传统作曲的理论还是相当重要的。其实在近些年中国的音乐上已经明显体现传统音乐与现代电子音乐的结合，但是很多音乐人将这种结合的概念认定为传统音乐与MIDI编程音乐的一种结合，在除传统音乐以外的电子化的部分基本采用现成的音源音色以及LOOP采用MIDI技术编程结合，而并非独立创作电子化声音的。我个人认为，若想使当代的音乐具有自己独立的个性，首先是要将传统的根基写好，其次就是创造出具有自己特质的电子化音色与其完美的结合，使两者是一个不可分割的整体，而不是在传统音乐的基础上随便加入几个传统乐器做不出来的音色。之所以很多人问我，为什么那么喜欢一些高端的稀奇古怪的纯模拟合成器，我的回答就是因为这些声音是我用合成法制造出来应用，它们是独一无二的。
吉他中国：大家熟知，您在国内的老牌乐队天堂乐队中担任制作以及键盘，是乐队中的核心灵魂。那么您对国内的乐队以及乐手有一些怎样的理解呢。同时在您的音乐世界里，摇滚乐是一个怎样的位置？
原艺：
其实天堂乐队是我02年来到北京时的第一支乐队，大家有着非常深厚的感情。在这里我最想提到的是“成熟”这个词语。天堂乐队是我在很小时候就听的一支乐队，这支乐队我觉得在音乐上有自己独特一种风格，这个拿语言还真不好描绘出来。每次在给他们做制作的时候要考虑的问题很多，即便在我看来很简单，但是在简单的音乐里要融入专业的东西却比在专业的音乐里寻求专业更难。天堂乐队近几年的专辑中我担任了大量的制作，也尝试了很多从前没有过的东西。将更多的元素融合进了这支乐队。因为乐队的年代和风格等局限了很多，许多东西已经成为了这支乐队的固定模式，那么在制作方面我是在保留他们原先的精髓，除此之外使得乐队整体变得更加专业化。如果有朋友仔细分析一下天堂的音乐就会从中发现，听起来似乎简单没有什么的音乐，如果里面少去一个音符或者加上一些什么的化，所有声部都会变得支离破碎，其实做到这点挺难的。另外在天堂乐队中我运用了大量的交响乐化和民乐化的基因，这就迫使整个乐队要完美的和这些元素去整合，而不是简单的将一种元素加入了天堂乐队。
说道中国的摇滚乐以及乐手，我觉得时代真的实在飞速发展，现在的乐手们都在飞速的进步，好多朋友几年前还在初学，现在都成了圈里的腕。这样的大环境非常的不错。但是我个人认为，还是应该沉下心来去创作自我好的东西比，真正的从心灵深处去来诠释你的音乐，而不是盲目的COPY国外。
吉他中国：看了您很多场的演出，你的琴技非常出色，每次在台上都会成为大家的焦点，请问弹了大概多少年的琴，如何练成今天这样的琴技？
原艺：
如果从小算起，现在已经弹了大概25年的琴了,从小吃了好多的苦，其实练琴我自我的体会是不能盲目的去追求技术，而是要从心里去体会作品，只有这样弹出的作品才能有情感，而不是呆板的音符。我挺喜欢现场的，就是很多创作和制作方面的事情压得我喘不过气来，有时候天堂的现场我去不了，也只能叫哥几个放我录制好的东东了。
吉他中国：你的YZ音乐团队和工作室成立了已经有很多年，大概介绍一下
原艺：
YZ音乐团队是我和挚友青年作曲家赵继昀先生共同创立的，成立于2003年，成员均为国内专业音乐院校比较突出的人才，他们分别来自中央音乐学院 中国音乐学院 中国传媒大学 首都师范学院 天津音乐学院等等。从最初的五六个人扩展到近二十人。团队中每个成员都有着自己最擅长的专业领域，我们根据不同音乐种类不同分工，可谓术业有专攻吧。团队所有成员在一起特别融洽，我们就像个大家庭，最开心的时刻就是大家在工作室疯狂的工作状态，可以用幸福来形容吧。
吉他中国：近期在忙什么新作，可否透露一下
原艺：
近期刚忙完一个影片和一个电视剧的音乐，昨天刚刚录制完一个新锐组合的EP，过一阵大家就能看到了，这里先不和大家透露了，留个小玄机。
问：好的感谢您在白忙之中和我们聊了这么多，希望您多出新作。
原艺：也很高兴接受您的采访，也祝所有的喜爱音乐的朋友在音乐世界能取得更大的成绩。
原艺简介：
主要创作与制作代表作品：
电视剧类：
《白鹭谣》 《爱的礼物》 《撞车》 《万卷楼》 《勇士的最后秘密》
《倾城之恋》 《派出所的故事》 《夫妻一场》 《人生》
《咱爸咱妈六十年》 《雪豹》 《阳新鞋匠》 《京城四少》
《能人冯天贵》 《大商城》 《螳螂》
等近40部电视作品
电影类：
《手机》 《疯狂的石头》 《敏感字开》 《白银帝国》
《谍海风云》 《完美新娘》 《南茜的早晨》 《马小跳》
等近30部影视作品
舞台剧类作品：
大型舞剧《红楼梦》 音乐舞台剧《郑和下西洋》
大型舞蹈史诗《敦煌诗篇》 大型舞剧《新梁山伯与祝英台》
2008中国《农运会》开幕式与闭幕式 2008中国医药博览会开幕式 嘉兴《端午城市文化大巡游系列》 大型歌舞剧《新延安颂》
等近20部舞剧及音乐剧
电视节目类作品：
2011西藏《藏历年》大型春晚 中央CCTV15音乐频道全部LOGO
中央人民广播电台2011新版全部LOGO CCTV《音画时尚》
CCTV《流金岁月》 CCTV《同一首歌》
等近百场晚会以及节目音乐
流行音乐以及专辑作品：
亚洲汽车拉力赛主题曲《飞翔》 嘉兴市市歌《红船向未来》
2008奥运火炬传递主题曲《一起歌唱》 澳门行政区歌曲《澳门早晨》
中国第一首低碳公益歌曲《爱的呼唤》
发烧天碟《迷雾》《寂静山岭》《水姻》《念海》《吟江水》专辑
等近百首歌曲以及近50张专辑
电子音乐类作品：
《裂变》—纯粹电子音乐作品 《梦回那迦》—纯粹电子音乐作品
《遁》—为多媒体与电子音乐而作 《风声水韵》—为板胡/琵琶与电子音乐而作
《紫蝉》—为长笛与电子音乐而作 等近20部电子音乐作品
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㈦ 国内有哪些知名的电子音乐人
我只知道有个叫张越的，和我们公司的艺人有过合作
㈧ 中国歌手有谁是电子音乐的
尚雯婕
㈨ 中国电子音乐代表人物有哪些
按照质量排序我都会高于有赞同数的答案，其实好几个答案会比我接下来写的有干货有内容的多，原因也是我从来不正面评价国内制作人和厂牌好坏的原因，就是你对任何人的推荐和反驳都会被质疑点反对，因为这些制作人就在国内，给所有乐迷的感觉就是同胞要比老外感觉更近更会肆意去评价一些。
㈩ 最喜欢哪个国内的电子音乐制作人呢
国内流行音乐制作人如果是传统的话，就小芳还有那个李海鹰。如果现在的话网络歌曲的话，刘翔呃等等都很多。